城市美學新態度
繼去年倫敦V&A博物館（Victoria and Albert Museum）推出電玩遊戲展，大英博物館（The British Museum）則在今夏把漫畫帶進美術館的殿堂。從五月開展至今，「日本漫畫展」（The Citi exhibition Manga マンガ）仍然話題不斷。這項迄今海外最大規模的主題展囊括超過50位漫畫家，展出162件作品與70種圖冊，從19世紀浮世繪到全球轟動的《精靈寶可夢》，該展企圖追溯漫畫的歷史脈絡，藉由不同主題類型與面向探索日本漫畫如何成為一種全球的流行文化現象。
展覽由英國童話《愛麗絲的夢遊仙境》揭開序幕，藉由原作者卡羅 （Lewis Carroll） 的初稿和多位日籍漫畫家的相關創作，搭起英、日之間的橋樑，帶領觀者從家喻戶曉的故事走進漫畫的魔幻世界。閱讀漫畫書和一般書籍有什麼分別？製作漫畫要經歷哪些過程？第一展區首先向觀眾揭露漫畫的箇中奧妙，分析各種「漫符」（manpu）的意義，包括對話框的設計、線條和情節鋪排等，河野史代（Fumiyo Kōno）的《漫符圖譜》是其中最重要的導讀書。此展區同時透過漫畫稿本的展示、重要漫畫家與出版商的採訪錄影，分享創作過程與發行策略，揭露日本何以成為漫畫王國。
第二展區「敘事的力量」聚焦漫畫的歷史脈絡，以至二十世紀戰後的發展。漫畫的源頭一直以來有多個說法，但大多推論是從江戶時期的「鳥羽繪」、「戲畫」演變而來。日本浮世繪畫家山東京傳（Santō Kyōden）在1798年繪本《四時交加》的序文第一次用「漫畫」一詞。但直到葛飾北齋（Katsushika Hokusai）在1814年所繪製出版的《北齋漫畫》才是真正開啟漫畫發展的先驅。這本將世間萬物描繪得淋漓盡致的書冊，雖模仿自然但出自內心，誠如北齋所言：「一切都是按照自己心中所想而畫出來的」，如此重視想像，無疑對漫畫創作的發展影響深遠。
末代浮世繪大師河鍋曉齋（Kawanabe Kyōsai）的作品則會現代漫畫的敘事奠定基礎。 河鍋活躍於日本幕末至明治時期，善於描繪神祇鬼怪，作品具奇幻詭譎的特殊風格，其長卷軸創作展現綿延且似無盡頭的故事情節，回應「漫」字連綿、長遠的字義，以及漫畫英譯「Pictures run riot」。創作於1880年間的 《新富座妖怪引幕》為展覽焦點，這件超過17公尺的水墨設色長卷是為當時進富映畫劇場所製的引幕，畫裡聚集了各式各樣的妖魔鬼怪，在超越傳統書法藝術的筆墨揮灑下，呈現出一幅極具視覺張力的作品。
到了二十世紀，現代漫畫的表現手法才真正被確立，歸功於「漫畫之神」手塚治虫（Osamu Tezuka）——其作品從情節、人物、背景、風格等組織成電影式的史詩結構，使讀者仿佛身臨其境，沈浸至主角內心的喜怒哀樂。到了昭和中期，週刊漫畫雜誌首次發行，低廉親民的價格在日本國內獲廣大響應，累積了大量的忠實讀者。到了1990年代，漫畫界開始出現多元的主題風格，包括運動、浪漫、科幻與冒險類等，逐漸發展成如今龐大的漫畫產業。
在「可見與不可見世界」展區中，90年代經典的井上雄彥（Inoue Takehiko）《灌籃高手》 、岸本齊史（Kishimoto Masashi）《火影忍者》 、武內直子（Takeuchi Naoko）《美少女戰士》，抑或創作大量商機的諫山創（Isayama Hajime）《進擊的巨人》和尾田榮一郎（Oda Eiichiro）《海賊王》皆是此區的焦點。在展覽盡頭處，策展團隊設置了一個展示書店與閱讀空間，讓觀眾盡情閱覽熱門的漫畫單行本與連載雜誌 。本區亦重現日本歷史最悠久的漫畫書店之一的「高岡書店」，這座位於東京神保町的書店曾陪伴無數讀者成長，見證了日本漫畫發展最蓬勃的時光。
身為英國首屈一指的博物館機構，大英博物館的日本藝術品非常可觀，這次將漫畫搬進美物館是新穎之舉，卻仍落入只管來客數的俗套，不見大英作為指標性機構應盡的研究責任，實為可惜。「漫畫是藝術嗎？」這個問題浮現在觀眾腦中，尤其展覽頭尾如此詳盡地解說漫畫王國的商業策略，不禁讓人感到好奇。然而，猶如V&A博物館將電玩推上大雅之堂，正視這項媒材對當代社會無可計量的影響，發展跨越一個世紀漫畫何嘗不能也進入美術館呢？
藝事廳
不論事情大小、情節輕重，抑或展覽生態、市場趨勢，皆有可談可議之處。是以成立「藝事廳」，歡迎各方人士前來共議同論。
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