城市美學新態度

在約莫兩個鐘頭的訪談裡，優席夫老師有一個特別的能耐，他用節奏快速的語調濤濤地開著輕鬆的玩笑自嘲著，逗大家笑、一下又沉沉穩穩地談著他在行旅間遇見的風景、命運神奇的轉折，還有在走過世界後回到台灣，他為家鄉所心疼、以及想要改變的，言語中充滿對台灣這片土地的憐惜。

優席夫《指引》。all images © 優席夫工作室 提供

從一個默默無名為夢想而遠走他鄉的人，到終於站上世界舞台，這一路上，阿美族的血液在他身體裡沸騰著，燃燒著他待人的熱情以及在藝術創作世界裡的堅持。無論你有一副寧靜緩慢的心靈，或活潑多變的興致，在欣賞優老師的作品中，都能得到共鳴。

優席夫《啟航》。all images © 優席夫工作室 提供

初見優老師的作品，我想起吉本芭娜娜在『千鳥酒館』裡對英國西南部的一處海岸彭贊斯的敘述：

『窗外隔著馬路，是綿長的海。

感覺不曾這樣被不可思議的大海凝視過。

感覺不論走到哪裡，海靜靜凝視我們。

不帶感情，也沒有好感和恐懼感。

就只是在那裡。龐大而厚重的存在。』

很巧的是離開台灣後，優老師選擇定居的城市愛丁堡也有這樣一片蔚藍海岸。

眼前就是一片無盡的藍，閱讀經驗在腦海裡曾經構築過的美好景色，在優席夫老師的作品中得到實現，站在他巨幅的作品前，可以活靈活現地聽到浪潮層層拍打上岸的聲音，彷彿走過他走過的路，體會過他體會的風景。優老師所描繪的是他親眼所見海水的顏色，從愛丁堡、希臘到家鄉花蓮，海的湛藍緊緊聯結的不僅是原住民天性中對自然的崇敬之心，透過作品，他也道盡了人與自然應該是互敬互愛的關係。

優席夫《藍夜》。all images © 優席夫工作室 提供

有關生命

『很小時候，有次我不小心踩到一隻瓢蟲，心想完了！趕緊把腳移開蹲下來看，可是已經來不及了，瓢蟲死了，我心裏滿是愧疚， 我不停的對瓢蟲說對不起，我不是故意的，邊說邊哭了起來，只要一想到瓢蟲的媽媽正在到處找他，大喊他的名字，我哭得更加傷心…』訪談中，優老師對我們說著在他童年留下深刻印象的這個故事。

他還記得當時，邊哭邊想，平時自己也愛亂跑出去玩，總是玩到忘記時間，但是只要一聽到媽媽扯開嗓門，大喊他的名字，他就知道該是時候回家吃飯了，因此更加為自己不小心踩死瓢蟲，而感到抱歉。

優席夫《太陽的秘密》。all images © 優席夫工作室 提供

他笑談起這段天真的回憶，帶給我們的卻是滿滿的感動，感動他到今日仍是一個富有童心、愛惜生命的人，他強調『不忘初衷』講的不僅是努力實踐自己相信的事情，而是可以將這份熱情繼續傳遞，影響他人。

優席夫《有樹真好》。all images © 優席夫工作室 提供

優席夫《海王子》。all images © 優席夫工作室 提供

最後他說『不要看我畫的人，色彩豐富很繽紛的樣子，我其實想講的都是很悲傷的故事。』一個原住民身份，他自許能夠以身作則，作台灣原住民走向世界的最佳榜樣，曾經因為膚色黝黑被同儕嘲笑，到了國外才知道那是許多人羨慕嚮往的健康古銅色，生命中出現的傷心事，一換了角度、立場，就會有不一樣的看法，近期回台演講，優老師藉此鼓勵原住民小朋友，不要將他人無知的玩笑放在心上，人人都能走出一條自己的路。他筆下的原住民女子，每張臉孔都有著明確的線條和對比的色彩，那是專屬南島人，直接有力的色感，無論藏在作品裡的故事悲傷與否，相信也期待優席夫老師仍不懈地繼續寫著他的生命故事。

優席夫  Yosifu《在海與大地之間》個展
| 日期 | 2017年10月6日(五) – 2018年1月2日(二)
| 時間 | 09:00-21:00 免費入場
| 地點 | 遠雄新宿接待會館 新北市新莊副都心 新北大道四段與中信街口

延伸閱讀：旅英野生藝術家 優席夫 Yosifu 《在海與大地之間》
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2017年12月2日，國際知名爆破藝術家 蔡國強（Cai Guo-Qiang）受芝加哥大學委託，於美國科學家 – 恩里科費米（Enrico Fermi）核實驗75周年之際，在實驗地舊址，借助科技晶片技術，騰空炸出一朵75米高的《彩色蘑菇雲》（Color Mushroom Cloud）。

《彩色蘑菇雲》由芝加哥大學公共藝術策展人 – 蘿拉斯圖爾特（Laura Steward）策劃，探討「核試驗」這一歷史性事件，留給後世社會的複雜遺產。藝術計畫進行當天，芝加哥大學校園現場匯聚數千觀眾與媒體，並透過網路直播，向全球連線放送。

all images © Cai Guo-Qiang : Color Mushroom Cloud

這不是蔡國強第一次以「核能」來思考作品靈感。1994年，其在日本廣島遭受原子彈摧毀的「原日本陸軍司令部遺址」即創作爆破計畫 -《地球也有黑洞：為外星人所作的計畫第16號》。

1995年，蔡國強在美國的首件作品，即是他手持鞭炮紙筒，擅闖了歷經千次核子試驗的「內華達原子彈基地」炸出一小朵白色蘑茹雲，以幽默方式表現核試驗這一人類 20 世紀最經典的視覺符號之一。2008年，他重回到廣島核爆遺址，接受為人類和平作出貢獻的《廣島獎》時，用一千多朵黑色煙火，在蔚藍晴空中炸出一片巨大黑雲，久久不散。

all images © Cai Guo-Qiang : Color Mushroom Cloud

1942年，科學家 – 恩里科費米，於芝加哥大學足球場地下壁球廳裡，帶領一組物理學家成功實現秘密核實驗，標誌著人類進入核時代。恩里科費米參與創建了世界首座核反應爐「芝加哥1號堆」（Chicago Pile-1）更是原子彈的締造者之一。

all images © Cai Guo-Qiang : Color Mushroom Cloud

2017 年，蔡國強為紀念與省思恩里科費米核實驗75周年，於芝加哥大學進行《核反應 – 1942年：歷史性的突破，不確定的未來》計畫。當鐘聲敲響第75次時，空中竄起震天動地的五彩煙火柱，一瞬間，400多個晶片煙火瞬間爆炸，在芝加哥初冬藍天的呼應下，爆破出碩大的《彩色蘑菇雲》傘蓋，十分壯觀！

all images © Cai Guo-Qiang : Color Mushroom Cloud

蔡國強認為：「我深知紀念核試驗件本身的沉重，也以作品的複雜和矛盾表達對科學及人類文明發展的擔憂和期望。」

當人們不斷問蔡國強使用火藥進行創作的意義，他思考後往往回答：「當世界各地的恐懼、暴力與大規模毀滅武器的負面能量不絕，還有人用爆炸的能量來創作美，本身就給人類多了一點希望。」

all images © Cai Guo-Qiang : Color Mushroom Cloud

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來自印度尼西亞的新銳產品設計師 – 丹尼．皮亞特納 Denny Priyatna，擅長以印尼藤與實驗性材質來創作作品。丹尼喜歡探索人類和無生命物體間的相互作用，常見的作品包括椅子、家飾、燈具及時鐘等設計。

丹尼畢業於萬隆理工學院（Bandung Institute of Technology）並於倫敦中央聖馬丁藝術設計學院（Central Saint Martins）深造，其作品曾收錄於《Wallpaper* UK》、《Surface Southeast Asia》等雜誌。2014年，丹尼被選為亞洲「Maison & Objet Asia」亞洲新銳設計師代表，並獲得「A’ Design Award」銀獎。2017年，受邀參與台灣《Green Touch 亞洲綠色工藝設計展》，與來自菲律賓、泰國、印度等地的設計師用工藝品進行一場綠色設計的對話。

印尼產品設計師 丹尼．皮亞特納 Denny Priyatna。圖/ 蔚龍藝術 提供

「PONO椅」

「PONO椅」的靈感來自於印尼保育類動物 – 紅毛猩猩。丹尼以紅毛猩猩的骨骼與形狀為發想，原本粗曠的軀體為主結構，紅毛猩猩的形象化彎曲成優美的弧度，展現出印尼藤的可塑性及精細工藝。印尼紅毛猩猩是列為瀕臨絕種的動物，丹尼藉由「PONO椅」要向日益遭受砍伐開發的紅毛猩猩森林棲地發出呼籲，讓世人認識並重視亞洲瀕危物種的保護情況。

all images © Denny Priyatna

all images © Denny Priyatna

印尼有悠久的藤材工藝歷史，是世界上最大的藤製品生產國，佔世界八成。印尼藤生長快速、產量驚人，藤材質地粗壯飽滿、可塑性強，尤以蘇門答臘、婆羅洲與蘇拉威西島一帶的印尼藤，品質最佳。藤製家具堅固而輕便，更可替代森林木材，讓丹尼首選印尼藤來作為創作基材。

pic via galuhcraft

「J LOW CHAIR」

在我們的記憶中，總有一張不起眼的小椅子：人們可以坐在上頭用餐、洗衣、做家事，或是街邊鞋匠、小販們賴以為生的簡易工作椅。一只拙樸而耐實的籐椅，是尋常人家不可或缺的家具。「J LOW CHAIR」是丹尼所設計的新式小藤椅，它提供了人們嶄新的乘坐體驗。「J LOW CHAIR」靈感源於印尼人的傳統矮椅，人們可以坐在上頭做家事或充當工作椅來使用。

all images © Denny Priyatna

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由印尼藤所打造的「J LOW CHAIR」，全椅由卡榫構成，椅身雖矮小卻相當堅固舒適，椅面彎曲的藤條不僅支撐起椅子架構，還符合人體工學。這一張回歸庶民體驗的「J LOW CHAIR」，藉由矮小的椅身，讓人們跟著學習「放低姿態」，貼近基層角度來看世界。

all images © Denny Priyatna

「The Appalstered」

受到「人體與無生命物體的不完美」所啟發，「The Appalstered」沙發組要顛覆人們對於舒適的定義，創造一張驚人的「腫瘤沙發」。丹尼認為，雖然人們追求精神與物質上的「完美」，但實際上身體與皮膚的損傷缺陷無可避免，所有生命的狀態都是脆弱的。

all images © Denny Priyatna

這兩張椅子分別代表「視覺」與「情緒」上的不適：「患病沙發」遠看像是沙發正患上痤瘡、牛皮癬及腫瘤等皮膚疾病。而長形的「受損沙發」則像是被利刃割傷劃破般，人們乘坐上去，切口便會隨著重量皮開肉綻，令人感到不舒適。

all images © Denny Priyatna

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看似被汙染或損壞的「The Appalstered」沙發組，打破現代主義的設計純度與美學。神秘又曖昧的特徵，不斷提醒人們接受自己的不完美。此外，雖然「患病沙發」突起了彷如病毒般的腫丘，但實際乘坐於上方卻相當的舒適，並且也是安全的材質製成。

all images © Denny Priyatna

基於對自己國家文化的喜愛與探索內心潛能的動力，丹尼目前分別創建了以行銷印尼文化的「Dennypriyatna」與充滿概念、藝術性的「AIEVL」兩個品牌。「這兩品牌沒有孰更喜愛的問題，行銷國家文化與完成自己心中想做的作品，對我來說同等重要。」

丹尼表示，雖目前品牌才剛創立，產量與品質都處於精控階段，但其仍持續尋求適合作品的工藝師與技術：「我喜歡尋求刺激的視覺，這樣可以讓人留下深刻的印象，讓人一眼就看出『噢！這是Danny的作品』，另外我也喜歡去探討沒有人去探討的層次，不論從傳統的藤製產品到充滿實驗性質，令人感到驚奇或突破性的設計。」

all images © Denny Priyatna

印尼產品設計師 丹尼．皮亞特納 Denny Priyatna。圖/ 邱家琳攝。

《Green Touch-亞洲綠色工藝設計展》由國立臺灣工藝研究發展中心主辦、蔚龍藝術執行，旨在探討當代工藝的綠色設計哲學與實踐，從傳統工藝發展的脈絡中萃取「就地取材」及「手工製作」的精神，著眼於當代工藝從材料的研究、製作的技術、多元用途的開發乃至產品生命週期最終的處置等的友善環境的概念，最終以最合乎時宜的美學形式和使用功能來呈現，更進一步地去探討工藝設計與傳統文化、社會經濟之間的關係。

延伸閱讀：西班牙設計金童 – Jaime Hayon 亞米‧海因台北特展
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這篇文章 以印尼藤打造創意實驗場 丹尼．皮亞特納 Denny Priyatna | Green Touch 亞洲綠色工藝設計展 最早出現於 城市美學新態度。

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臺北表演藝術中心秉持「Play Different Together」的品牌精神，與臺北市政府文化局攜手打造全臺首座藝遊溜滑梯藝術裝置，於11月初首度亮相後，12月起再次聯手展開藝術樂園系列活動，連續5個周末以不同形式的藝術派對連番登場，陪伴民眾「藝」起「玩」樂一直嗨到跨年！

圖/臺北表演藝術中心提供。

2016年北藝中心《GOODBYE & HELLO藝術樂園》提供親子家庭及年輕世代一個不一樣的跨年選擇。而藝術樂園將持續秉持「臺北共玩‧戲樂無窮」的核心訴求，落實表演藝術的跨域交流，增添實驗性的多元創作，激盪年輕世代的對表演藝術的想像，進一步將表演藝術帶入一般大眾的日常，持續傳遞「藝術」與「生活」零距離的共玩理念。

2017藝術樂園特與Plan b團隊合作，以三個元素：「翻轉觀看表演的形式」、「表演藝術的再詮釋」、「突破表演場地的限制」，企劃串聯文創園區、書店、酒吧、餐廳、咖啡廳、遊戲場的Pop-up活動，拉近表演藝術與民眾的距離。

圖/臺北表演藝術中心提供。

圖/臺北表演藝術中心提供。

12月9日至12月16日，展開「#這是一場表演」日常藝術景框計畫，在臺北不同角落設置實體景框，與「行動景框」小卡拍照打卡活動。短短的活動期，吸引年輕族群、網紅爭相拍照打卡，共近兩千人次參與；12月23日至12月30日，「薛丁格的貓互動藝術裝置」於臺北捷運圓山站一號出口開放民眾自由體驗；12月30日舉行「Silent Disco Party靜音派對」作為藝術樂園盛事的最高點，營造超嗨派對氛圍。北藝中心邀請民眾一起在新年前夕感受充滿驚喜的藝術體驗，為2017年畫下難忘的驚嘆號，迎接嶄新的2018年！

圖/臺北表演藝術中心提供。

北藝中心派對不間斷  靜音派對伴你嗨唱歡吃直搗年末

「藝術樂園」是北藝中心自 2016 年發起的計畫，以三大核心元素：「翻轉觀看表演的形式」、「表演藝術的再詮釋」與「突破表演場地的限制」賦予表演藝術新生命，企劃系列主題活動，重新定義大眾對表演藝術的印象，推廣表演藝術進入日常。自2016年以嶄新「藝術」形式的跨年活動向所有臺北市民打招呼，其後續宣傳共締造了50萬人次的觸及佳績。

圖/臺北表演藝術中心提供。

圖/臺北表演藝術中心提供。

為了於突破實體場館的界線、拉近民眾與表演藝術的距離，北藝中心特與Plan b團隊合作，設計「薛丁格的貓互動藝術裝置」，自12月23至12月30日，在臺北捷運圓山站一號出口線形公園展開一連串派對活動。由北藝中心「藝術樂園」計劃的核心三元素延伸，以「薛丁格的貓」作為今年活動主題，連結表演藝術的「不可預測性」，並將表演藝術的四大類型：音樂、戲劇、舞蹈、雜技，以互動式的藝術實體裝置呈現，不僅翻轉「表演者」與「觀者」的界線，更打破民眾對表演藝術互動裝置的想像，提供各年齡層皆能體驗藝術共玩的樂趣！

圖/臺北表演藝術中心提供。

代表音樂領域的互動裝置，外觀上採用小鼓的形象，加入彈跳床的元素，讓遊玩的人在嬉遊的過程中，不自覺成為表演的一份子–同時扮演鼓手兼敲擊樂音的鼓棒，透過一次次的跳躍，將無形的聲音符碼轉化成動人的歡笑；表現戲劇類型的互動裝置，打破殿堂式場館的空間限制，將表演舞臺與觀賞座椅移出劇場進入城市生活中，讓熟悉的日常景象自然構成栩栩動人的演出；以遊戲為創意發想，利用常見的踩點遊戲，結合具規律性、容易學習的社交基本舞步，讓參與者在亦舞亦玩的過程中，拉近彼此的距離；以雜技演員的高度平衡感為創作靈感，雜技互動裝置設計概念取材自大型織網遊具，兩者交織而成具設計感、富趣味性的互動裝置。

圖/臺北表演藝術中心提供。

最後，作為2017藝術樂園列活動尾聲，即將於12月30日舉行《2017 GOODBYE & HELLO年末派對》，當天將帶來藝術跨界表演四連發，從流行街舞、獨創戲劇、古典笙樂到活潑手指鼓。除了觀看表演之外，北藝中心特別設計「Silent Disco Party靜音派對」，為了讓民眾實際近距離體驗與感受派對活動，拉近以往對表演藝術的距離感，現場將運用大量色彩與燈光特效，將公園空間打造成一個舞池，邀約專業DJ與舞團，帶動現場氣氛持續高漲。

【2017藝術樂園 活動資訊一覽表】

● 薛丁格的貓 互動藝術裝置
活動時間：12/23（六）- 12/30（六）
活動地點：捷運圓山站一號出口前線形公園

● 2017 GOODBYE & HELLO年末派對
活動時間：12/30（六）13:30－16:00
活動地點：捷運圓山站一號出口廣場

● 2017藝術樂園｜薛丁格的貓 靜音派對
活動時間：12/30（六）16:00 – 18:00
活動地點：捷運圓山站一號出口前線形公園
活動資訊：免費報名，將於近日公布

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傳統工藝與現代設計絕不衝突，能夠相互激盪出精彩的新風貌。泰國雙人組設計師品牌PATAPiAN常以自然風景為靈感，運用天然或可回收的材料，結合在地編織技法，創造現代居家裝飾，為平淡的生活增添趣味。

泰國雙人組設計師品牌PATAPiAN 作品。圖/PATAPiAN提供。

曾獲2016亞洲手工藝卓越獎肯定的PATAPiAN，由Varongkorn Tienaprmpool與Supattra Kreaksakul兩位設計師創立，其品牌精神強調傳統工藝的延續與創新，喚醒童年對編織的美好記憶。今年，他們也受邀參與台灣「Green Touch 亞洲綠色工藝設計展」，與菲律賓、泰國、印度等地的設計師進行一場綠色設計的對話。

「我們的創作是生活中會看到或會用到的物件，也都是可回收的材料。」PATAPiAN表示，他們期望用各種不同材質去呈現編織技藝，不會侷限在傳統材質與天然媒材，也會將廢棄塑膠瓶變成條狀，並加以染色來編織。

泰國雙人組設計師PATAPiAN，Varongkorn Tienaprmpool 先生與Supattra Kreaksakul 女士。圖/PATAPiAN提供。

此次，PATAPiAN在台灣展出的作品皆結合柚木與竹子兩種異材質，以竹條編織纏繞在圓形、三角形、柱體與椎體等幾何造型的木飾，表達他們日常生活所見的動植物與自然環境。

蝸牛鏡與景觀盤

曾遠赴紐西蘭學畫的Supattra Kreaksakul，擅長轉化太陽、山巒、飛鳥與蝸牛等童年繪製的簡單圖案，設計為造型活潑逗趣的作品，像田野間蝸牛爬行模樣的鏡子，以及模仿工作室窗外風景、大自然山峰雄踞景觀的文具托盤。

居住在稻田附近的兩位設計師，常在雨停後看見蝸牛出來覓食，在地面緩緩爬行。他們以此生態景像為發想，透過泰國常見的柳條籃編織法與簡單的幾何形狀，組成造型輕巧活潑、色彩繽紛可愛的「蝸牛鏡」。

造型輕巧活潑的「蝸牛鏡」。圖/PATAPiAN提供。

擺放文具的「景觀盤」可以依據個人喜好變換使用，半圓形的造型盒蓋可以掀開，而遠看是山峰、近看如仙人掌的擺飾，其中一個能自由移動作為造型紙鎮。當「景觀盤」放置在書桌或辦公桌前，能為生活在都市叢林的人們，點綴些許綠意，彷彿看到真正的自然風景。

作為文具托盤的「景觀盤」。圖/PATAPiAN提供。

「景觀盤」可以依據個人喜好變換使用。圖/PATAPiAN提供。

錐狀盒與柱狀盒

PATAPiAN也嘗試扭轉傳統編織技藝作為旅客紀念品、在地市集商品的定位，促進泰國工藝產業發展與增加在地居民新的收入來源。他們目前也與四個社區工作坊合作生產商品，期望保留傳統編織技術並知識傳承給下一代。

像「錐狀盒」與「柱狀盒」的設計，搭配傳統的竹條編織技法，營造幾何造型木材的細部美感。無論是作為日常擺飾或用來收藏珠寶都相當合適，同時也展現泰國工藝智慧的新發展。

「錐狀盒」與「柱狀盒」。圖/PATAPiAN提供。

針對PATAPiAN的品牌精神與未來計劃，大學修讀設計、從事相關領域超過十多年的Varongkorn Tienaprmpool表示，泰國傳統工藝品賣得太便宜，他看到這種情況覺得很心痛，希望自己能用設計帶給在地人更好的生活，讓居民不需要到外地工作，並激發孩子對傳統編織的興趣。

製作過程。圖/PATAPiAN提供。

Varongkorn Tienaprmpool 先生與Supattra Kreaksakul 女士。圖/邱家琳攝。

《Green Touch-亞洲綠色工藝設計展》由國立臺灣工藝研究發展中心主辦、蔚龍藝術執行，旨在探討當代工藝的綠色設計哲學與實踐，從傳統工藝發展的脈絡中萃取「就地取材」及「手工製作」的精神，著眼於當代工藝從材料的研究、製作的技術、多元用途的開發乃至產品生命週期最終的處置等的友善環境的概念，最終以最合乎時宜的美學形式和使用功能來呈現，更進一步地去探討工藝設計與傳統文化、社會經濟之間的關係。

延伸閱讀：以印尼藤打造創意實驗場 丹尼．皮亞特納 Denny Priyatna
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從設計完美跨界藝術，在生活美學當道的世界潮流中，你不能不認識這位來自西班牙的設計金童─Jaime Hayon亞米‧海因，他被視為當代最具影響力的新銳設計師，曾榮獲TIME時代雜誌評選全球百大創意設計師，WALLPAPER雜誌年度十大設計師，ELLE DECO國際大獎等無數肯定，歐美設計圈盛讚為是菲利浦‧史塔克天王地位的接班人。其一手打造的「FUNTASTICO | Jaime Hayon亞米‧海因的設計狂想 亞洲巡迴特展」即將華麗登台，這是繼荷蘭、以色列後，首度移展亞洲台北接力展出，2017/12/30-2018/3/4於松山文創園區五號倉庫奇幻開展！

亞米‧海因與《我的馬戲團MON-CIRQUE》合影。圖：時藝多媒體提供。

12/29開幕搶先看，集結亞米‧海因近十年來的創作精華，超過40件以上裝置藝術作品，從靈感源起的隨身塗鴉本、不同媒材與主題的個人創作，再到與國際知名品牌跨界合作的設計精品，透過特展六大展區的呈現，由內而外具體呈現亞米‧海因的設計觀，讓人們得以一窺設計師專屬的創作思路。

「我的靈感來自生活的各個角落，我喜歡四處遊走與觀察，從中找到某個主題發揮。」亞米‧海因形容，他的創作過程就像廚師尋找食材，做成一道料理。而他的作品既嚴肅又童趣，這次在台北展出的作品都是最具創意、前所未有的，所有作品都注入他的熱情與靈魂。

《搖滾熱狗椅ROCKING-HOT-DOG》。圖：時藝多媒體提供。

本展共分為六大展區，從入口處的經典作品《綠公雞》、引領亞米‧海因踏上藝術家之路的首座大型裝置藝術《地中海數位巴洛克》、帶點玩心的典型亞米‧海因風格《我的馬戲團》、創新工藝設計的《巴卡拉水晶糖果罐》、個人藝術代表作《西洋棋》，到最後嘲諷流行文化的《美國城堡》，每一個獨立區塊都乘載著亞米‧海因的想像力，他希望人們到展覽裡與作品進行互動，不僅僅是從遠處欣賞，同時也能激發自我的創意思考，並放入自己對作品的解讀，全展區開放式的動線設計，讓觀展者感受最真實不受限的亞米‧海因。

《巴卡拉水晶糖果罐》系列作品。圖：時藝多媒體提供。

造型活潑逗趣的《綠公雞》，是亞米‧海因早期的作品，當時的創作靈感來自小朋友騎木馬的情景。但對深具幽默感的亞米‧海因來說，一般的木馬過於無聊，如果孩子從小改騎一隻看起來很瘋狂的綠色公雞，長大以後可能會變成不一樣的人。

《綠公雞GREEN-CHICKEN》。圖：時藝多媒體提供

如同他在《地中海數位巴洛克》作品中，不管是從仙人掌、豬跟小鳥這類具有隱喻符號的雕塑群，搭配牆上看似隨筆無章的奔放圖畫，明顯受到來自西班牙藝術史(例如超現實主義與畢卡索)的影響。亞米‧海因認為這就像是某種創世紀寓言，具體呈現在物件組合裡，其中充滿著掙扎、愛與救贖的敘事。

《地中海數位巴洛克MEDITERRANEAN-DIGITAL-BAROQUE》。圖：時藝多媒體提供。

《西洋棋》是亞米‧海因於2009年受倫敦設計節邀請，在特拉法加廣場展出的作品，也是他個人生涯中最大的創作挑戰。《西洋棋》的每個棋子都是手工製作，底部為木材，頂部則是陶瓷，上方描繪英國歷史文化的圖案也是他本人親自操刀，他表示，創作過程必須非常小心，否則就得全部重新來過。

「常有人問我是設計師還是藝術家，我認為自己兩者皆是，也兩者都不是，是介於兩者中間。」亞米‧海因表示，他不會被侷限在某個框架中，當人們要求他設計一項產品，他當然會強調實用性，但他也希望能從藝術層面出發，帶給使用者一些訊息，進行心靈上的溝通。而他會有現在的成就，也可以歸功於他跳出框架的作法。

《素描本SKETCH-BOOKS》。圖：時藝多媒體提供。

12/29開幕當晚在展覽現場也將舉行小型拍賣會，包含首度亮相的亞米‧海因個人最新聯名創作「劉野 x Jaime Hayon 溫柔的殺我」限量版雕塑、日本Choemon上出長右衛門窯燒、葡萄牙皇家御用瓷Vista Alegre以及由MOT與Bon Maison所提供的精品單椅。兼具設計實用性與藝術美感，亞米‧海因脫離傳統設計觀念，也沒有受限於傳統主義的巨大包袱，他創造出類巴洛克與超現實主義的自我風格，當然這些都不足以形容亞米‧海因從容遊走在設計與藝術間的那份想像力。另外特展現場首度導入LINE NOW服務，讓你用自己的LINE就能輕鬆導覽整個展覽內容，從分區文字到語音的解說，帶你完整走進亞米‧海因的設計狂想。

西班牙設計師亞米‧海因。圖：時藝多媒體提供。

「FUNTASTICO | Jaime Hayon亞米‧海因的設計狂想 亞洲巡迴特展」

● 展覽時間：2017年12月30日至2018年3月4日
10:00-18:00 (17:30停止售票及入場，除夕休館)
● 展覽地點：松山文創園區 五號倉庫 (110台北市信義區光復南路133號)
● 洽詢專線：02-6616-9928
● Facebook：亞米‧海因的設計狂想 亞洲巡迴特展
● 官方網頁：https://fundesign.tv/jaimehayon/

【售票訊息】
請洽7-11 ibon 、Yahoo奇摩超級商城、GOMAJI、博客來及udn售票網購買。

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泰國手工藝品的風格獨特、細膩精湛，承載當地文化與生活特色。泰國設計師蘇帕猜・克萊瓦塔儂（Supachai Klaewtanong）也從傳統工藝汲取靈感，運用在地素材、圖騰、線條與色彩，創造出具有現代設計感的家具家飾。

蘇帕猜・克萊瓦塔儂汲取傳統工藝的作品。圖/Supachai Klaewtanong提供。

蘇帕猜・克萊瓦塔儂畢業於泰國藝術大學（Silpakorn University）裝飾藝術系，曾在悅榕集團酒店的設計部門工作，約有10年時間。為了讓孩子在自然環境成長，他毅然決然辭去工作，回到故鄉學習在地傳統工藝，成為一名獨立設計師，並於2015年成立設計品牌TIMA，獲得泰國國際工藝推廣中心SACICT創新工藝設計獎肯定。

泰國設計師蘇帕猜・克萊瓦塔儂。圖/Supachai Klaewtanong提供。

TIMA有盛水容器的意思，蘇帕猜・克萊瓦塔儂採用泰國南方傳統製作容器的材料，設計為新的工藝品與家具家飾，希望將品牌推向國際舞台。今年，他也受邀參與台灣「Green Touch 亞洲綠色工藝設計展」，與菲律賓、泰國、印尼等地的設計師，進行一場綠色設計的對話。

蘇帕猜・克萊瓦塔儂參與「Green Touch 亞洲綠色工藝設計展」現場照。圖/蔚龍藝術提供。

「我的設計風格著重於文化的辨識度、傳統工藝與先人智慧。」蘇帕猜・克萊瓦塔儂表示，他與泰國南方各省村落的居民合作，推廣在地的鳥籠工藝，並以泰國南方植物「水椰果」（nipa palm）為靈感，設計燈具造型，讓大家一看到產品就知道來自何方。

木製燈具《Jaak Lighting》

鳥籠工藝是泰國南方目前保留最完整的民俗工藝之一，蘇帕猜・克萊瓦塔儂花費三年時間向在地工藝師學習，了解鳥籠的組件與製作方法。鳥籠工藝的特點在於「梁」、「柱」、「條」等三個元素，「梁」與「柱」是鳥籠平行與垂直的主要結構，嵌入或藏在樑柱下方的則是「條」。

室內裝飾與照明的工藝品《Jaak Lighting》。圖/Supachai Klaewtanong提供。

他也從鳥籠工藝的特色、沿著運河邊尋找水椰果的童年經驗發想，試著以「梁」、「柱」、「條」模擬結構華麗的果實形狀，創造日常生活中常見的物件。他與當地工藝師共同討論與多次實驗後，最終設計出用於室內裝飾與照明的工藝品《Jaak Lighting》。

《Jaak Lighting》的結構複雜細膩，當燈光由內而外照射，能為空間帶來變化豐富的光影效果。即使在明亮的白天，它也可以單純作為家中擺設，可愛迷人的造型宛如藝術雕塑般，具有觀賞價值。

《Jaak Lighting》局部細節。圖/Supachai Klaewtanong提供。

永續工藝計畫作品《Kra Poh Matt》

延續家鄉的傳統工藝、開發設計新產品，也是蘇帕猜・克萊瓦塔儂創辦品牌的目標之一。2015年，他在泰國SACICT「永續工藝計畫」的協助下，與在地工藝師傅、專家學者探索棕櫚葉的編織技術，並採納國際市場顧問的建議，不再侷限傳統扇子的製造，研發深受日本人喜愛的收納手巾袋《Kra Poh Matt》。

永續工藝計畫作品《Kra Poh Matt》。圖/Supachai Klaewtanong提供。

《Kra Poh Matt》的製作方式相當簡單，是將兩個傳統的扇子造型編織在一起，組成可折疊的收納手巾袋。在泰國會以繽紛亮麗的色彩設計，外銷商品則以質樸原始的自然色調為主，在近年強調綠色工藝的風潮下，特別受到日本市場青睞。

「傳統工藝的創新，必須是在地師傅們喜歡且能夠理解的形式，才能繼續推動。」蘇帕猜・克萊瓦塔儂說明，《Kra Poh Matt》的製作不需要另外學習新技術，只要原本會編織扇子就能完成，對在地師傅們也不會造成沉重的負擔。

收納手巾袋《Kra Poh Matt》。圖/Supachai Klaewtanong提供。

在地工藝師傅的編織過程。圖/Supachai Klaewtanong提供。

針對與在地工藝師傅合作的過程，他表示，設計師也需要學習這項工藝，不只在紙上陳述，更要有實際製作模型的能力，才能與在地工藝師傅順利溝通，讓他們理解你想要設計的內容。

「每個地方都有藤、竹子與棕櫚葉等自然媒材，如果都以類似的造型與風格設計，看起來就沒有特色。」蘇帕猜・克萊瓦塔儂感性地說道，即使都是一樣的材質，還是要有自己國家的特色，要從自身的傳統文化去尋找獨有的元素。

泰國設計師蘇帕猜・克萊瓦塔儂接受瘋設計專訪。圖/邱家琳攝。

《Green Touch-亞洲綠色工藝設計展》由國立臺灣工藝研究發展中心主辦、蔚龍藝術執行，旨在探討當代工藝的綠色設計哲學與實踐，從傳統工藝發展的脈絡中萃取「就地取材」及「手工製作」的精神，著眼於當代工藝從材料的研究、製作的技術、多元用途的開發乃至產品生命週期最終的處置等的友善環境的概念，最終以最合乎時宜的美學形式和使用功能來呈現，更進一步地去探討工藝設計與傳統文化、社會經濟之間的關係。

延伸閱讀：從編織回歸自然風景 泰國雙人組設計師品牌PATAPiAN
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中國城鄉發展差距大，許多農民為了生存，紛紛湧入城市尋找新工作，卻沒辦法享有同等待遇，成為流離失所的「農民工」。法國攝影師Alain Delorme拍攝上海農民工踩著三輪車或手拉車運送貨物的畫面，表達繁華城市裡的渺小個體，以及生命裡過於沉重的負荷。

法國攝影師Alain Delorme系列攝影作品「Totems」。圖/取自Dezeen。

上海農民工的生活情景。圖/取自Dezeen。

旅居上海期間，Alain Delorme對街頭風景感到相當震驚，他完全不能相信上海工人騎自行車或三輪車時，可以攜帶數量這麼龐大的物品。因此，他花費一年時間，用鏡頭捕捉辛勤穿梭街區的農民工，再透過Photoshop增加貨物數量與調整色彩濃度，創造畫面更加誇張、具有超現實感的視覺影像。

透過Photoshop增加貨物數量與調整色彩濃度。圖/取自Dezeen。

畫面誇張、具有超現實感。圖/取自Dezeen。

農民工載送的貨物非常多樣，從古董木椅、輪胎、管線、鮮花到棉被，都可以在大街小巷看見，有時那些身後的物品總價值，甚至大於他們擁有的財產。有的農民工則會撿拾人們不要的家具、紙板或保麗龍箱等物品，層層堆疊在三輪車或手推車上，回收再利用，也因如此上海街道相當乾淨，幾乎看不到閒置的廢棄物。

身後承載鮮花的農民工。圖/取自Dezeen。

農民工撿拾人們不要的物品。圖/取自Dezeen。

「僅此一次，壓迫感不是來自摩天大樓，而是來自漫遊城市各地、承載難以置信的負荷的移民們。」Alain Delorme表示，對他來說，這些移民更令人印象深刻，他們看起來像能承受如此重擔的超級英雄，但又有種「貨物正在吞噬他」的感覺，彷彿快要被壓倒。

貨物彷彿快要吞噬農民工。圖/取自Dezeen。

三輪車運送大量輪胎。圖/取自Dezeen。

Alain Delorme也說明，自己打破紀錄片的規則，刻意增加農民工承載的貨物數量，是為了吸引更多人注意。色彩鮮艷的影像也是他對中國當代社會的反思，暗喻城市高度發展下的不協調感。

作品暗喻城市高度發展下的不協調感。圖/取自Dezeen。

資料來源：Dezeen, The Guardian

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「世界上的孩子，全都有著無邪的雙眸、雙唇與心靈。」─日本繪本大師岩崎知弘

生於1918年的岩崎知弘，從小對藝術抱有濃厚興趣，年少時學習油畫、素描與書法，因創作紙畫劇「母親的故事」，而踏上專業繪本畫家之路。她融合西方水彩畫與東方傳統繪畫技術，留白渲染的表現與細膩柔和的自然筆觸，曾獲得波隆那國際兒童圖書展Graphic獎、德國萊比錫國際圖書設計展銅牌獎等榮耀肯定。

岩崎知弘，《躲雨》，1958年。 © 知弘美術館

岩崎知弘終其一生都以「孩童」為創作主題，有「兒童畫家」的美譽。曾經歷二次大戰的她，體認戰火無情，嚮往和平，期望透過畫筆描繪幼小生命的光輝，持續傳達對孩子的愛與關懷，並訴說每位孩子都能過著幸福生活的心願。

2018年，適逢岩崎知弘百年冥誕，《童•樂－岩崎知弘經典插畫展》將在台灣展出廣為人知的《窗邊小荳荳》系列插畫作品、經典童話繪本《拇指姑娘》與《戰火中的孩子》，以及多幅鉛筆素描與水彩作品，期望讓觀眾近距離欣賞畫家對於孩子內心世界的細膩觀察。

岩崎知弘，《揹著書包排著隊的一年級學生》，1966年。 © 知弘美術館

岩崎知弘的觀察力敏銳、繪畫技巧與素描功力精湛，即便沒有模特兒，她也能以過去親自育兒的經驗，描繪孩子的各種神情與姿勢模樣，甚至畫出十個月大的嬰兒與一歲小孩的不同。偶爾，她只需拾起畫筆，浸入水中，便可悠遊紙間，傳達出小孩子皮膚Q彈水潤與髮絲柔軟的特點。

天生喜愛小孩的岩崎知弘曾說：「只要有小寶寶，我就想把他抱到膝蓋上。做母親的，恐怕永遠都無法抗拒與小孩的肢體接觸吧。像我的孩子就是在肢體接觸下長大的。小寶寶不是都會抓得緊緊的嗎？那種握力的強度令人驚喜。胖嘟嘟的小手，竟然能產生那麼大的力氣。這些動作，光靠觀察或速寫，是很難描繪出來的。」

岩崎知弘，《大姊姊與小弟弟》，1971年。© 知弘美術館

在她的畫作裡，孩子們常置身在四季花卉或自然風景之中，眼眸圓潤、嘴角輕閉，表情活潑生動，帶給觀者溫暖撫慰與療癒感。像岩崎知弘為教育月刊雜誌《孩子的幸福》創作的封面圖《女孩與柿子》，描繪一位表情天真無邪、臉蛋圓滾滾的女孩，前方搭配著秋天熟成的柿子，營造甜蜜幸福的感受。

這幅作品展現岩崎知弘純熟的繪畫技巧，女孩的臉不以線條勾邊，只用顏料的暈染來呈現，背景則是趁前一個顏色還沒乾時，疊上不同濃度的另一個顏色。同時，她也掌握女孩柔軟髮絲的質感，在重點處將鉛筆放平，描繪出細膩的髮流。

岩崎知弘，《女孩與柿子》，1972年。 ©知弘美術館

從1963年至1974年去世之前，岩崎知弘持續為《孩子的幸福》繪製封面，大膽使用各種構圖與技巧，描繪出四季遞嬗下孩子們的姿態，約留下150幅作品。《女孩與香豌豆花》便從上方俯瞰的角度構圖，聚焦在女孩的頭部與手指，進而勾勒她在摘香豌豆花的情景。

不同於《女孩與柿子》的細膩髮絲，岩崎知弘以乾涸的粗線條筆觸描繪頭髮，讓摘花的女孩顯得姿態更加輕盈流暢、表情活靈活現。左側也描繪一朵紅色的香豌豆花瓣，彷彿裝飾在女孩頭髮上，營造可愛逗趣的情景。

岩崎知弘，《女孩與香豌豆花》，1973年。 © 知弘美術館

【展覽名稱】童•樂－岩崎知弘經典插畫展
日期：2018/02/01-04/22 (周一與農曆除夕2/15閉展)
地點：國立歷史博物館
更多資訊請看粉絲專頁「童•樂－岩崎知弘經典插畫展」

【預售票開賣】2018/01/01-01/31
早鳥單人票 NTD 180 (全票原價250元)
早鳥雙人票 NTD 350 (原價500元)
購票請上：Ibon、全家、博客來、UDN售票網

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這篇文章 凝視最純真無邪的心靈 日本兒童畫家岩崎知弘 最早出現於 城市美學新態度。

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《窗邊的小荳荳》插畫繪者、日本家喻戶曉的繪本大師岩崎知弘，經歷二次大戰的無情摧殘後，決心以「孩童」為主題創作。她筆下溫柔唯美的畫面，帶有堅定的意志，試圖傳達愛與和平的理念，希望世界上所有小朋友都能在沒有戰火的地方幸福地生活。

岩崎知弘，《躲雨》，1958年。 © 知弘美術館

岩崎知弘獨特的取材與作畫風格，不只開闢日本繪本的新天地，也在國際間發光發熱。1971年，她以《小鳥來的那一天》獲得波隆那國際兒童圖書展圖像獎，兩年後，更以《戰火中的孩子》獲得萊比錫國際書展銅牌獎。

備受各界肯定的岩崎知弘，卻於1974年因病過世，享年55歲。為了展示她遺留的作品，她個人位在東京練馬區的故居與故鄉長野縣安曇野，日後成立了知弘美術館，向世人介紹她的藝術成就。

東京知弘美術館中畫室。圖/知弘美術館提供，嶋本麻利沙攝影。

2018年，適逢岩崎知弘百年冥誕，知弘美術館與歷史博物館、蔚龍藝術合作舉辦《童•樂－岩崎知弘經典插畫展》，展出廣為人知的《窗邊小荳荳》系列插畫作品、經典童話繪本《拇指姑娘》與《戰火中的孩子》，以及多幅鉛筆素描與水彩作品，期望讓觀眾近距離欣賞畫家對於孩子內心世界的細膩觀察。

「岩崎知弘的作品很少在海外展出，即便有，規模也不大，這次是睽違多年、在亞洲舉辦的大型展覽。」國立歷史博物館代理館長陳濟民表示，這檔展覽不僅具有童趣，藝術性也很高，期望透過展覽讓國內觀眾看到岩崎知弘的藝術成就、對孩童的愛與關懷，同時促進台日藝術文化交流。

岩崎知弘經典插畫展展場一隅。圖/蔚龍藝術提供。

岩崎知弘經典插畫展展場一隅。圖/蔚龍藝術提供。

「岩崎知弘在世的時候，日本還無法想像國立美術館可以展示繪本相關的展覽，當時的繪本作家無論多麼努力、用盡心思創作，永遠都不會被認定為藝術。」知弘美術館副館長竹迫祐子表示，但經過40多年後，岩崎知弘的創作能到台灣歷史博物館展示，是一件非常幸福的事情。

知弘美術館副館長竹迫祐子也感性地說道，此時此刻，大家能在和平國度欣賞展覽的同時，也別忘記世界上還有很多孩子在戰火中生存，或因為飢荒而無法填飽肚子等現況存在。

岩崎知弘展開幕民眾參觀。圖/蔚龍藝術提供。

「我們相信岩崎知弘作畫時，內心總懷抱著夢想，希望世界總有一天不再發生飢荒，也沒有受戰火所苦的孩子存在。」知弘美術館副館長竹迫祐子說，如果每個來欣賞展覽的人，都能在內心埋下同樣的種子，就是世界邁向和平的第一步。

岩崎知弘經典插畫展展場一隅。圖/蔚龍藝術提供。

在岩崎知弘畫作中的孩子們，多置身在四季各式花卉與情境中。她的水彩畫作用色豐富且巧妙，濃淡渲染效果歸功於她融合西方水彩畫與東方傳統繪畫，巧妙運用水彩渲染及留白來表現兒童既活潑生動又柔和細膩的形象。

岩崎知弘敏銳的眼光和精湛的繪畫技巧、以及深厚素描功力，加上身為人母，養育小孩的經驗，但即使沒有模特兒，她也能描繪出孩子的任何一種姿勢模樣。她甚只需拾起畫筆，浸入水中，便可悠遊紙間，傳達出小孩子皮膚Q彈柔軟的特點。

岩崎知弘，《大姊姊與小弟弟》，1971年。© 知弘美術館

因此，不論畫作裡的孩子眼眸是圓潤的、嘴角是輕閉的，表情特徵不僅動人，更能給予觀者一股溫暖撫慰和療癒感，其中蘊藏含著一股力量，讓觀畫者感受到孩子的尊嚴。

針對插畫原作的魅力，蔚龍藝術總經理王玉齡表示，當你欣賞原作後，就會發現繪本作家非常厲害，他們不只是傳達一個故事，而是透過細膩的觀察、捕捉生動的姿態，作品的藝術性相當高。她也期望透過此次展覽，能持續傳遞岩崎知弘作品中愛與和平的訊息，讓世界越來越美好。

國立歷史博物館代理館長陳濟民(中)、知弘美術館副館長竹迫祐子(左四)、蔚龍藝術總經理王玉齡(左三)於開幕記者會合影。圖/蔚龍藝術提供。

【展覽名稱】童•樂－岩崎知弘經典插畫展
日期：2018/02/01-04/22 (周一與農曆除夕2/15閉展)
地點：國立歷史博物館
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新年走春何處去？人文遠雄博物館 X LINE原創市集 X 瘋設計 今年帶大家一起到外太空可愛過新年！集結６位超夯貼圖畫家共同打造５大最新沉浸式體驗展區，融合貼圖角色、科技互動元素的「我是小小太空人─不可思議的星球互動特展」在豐富多元的太空主題展場中，還有限定版的太空人造型公仔，讓民眾觀展好拍又好玩，完成指定任務還可以免費下載限定貼圖！

「我是小小太空人─不可思議的星球互動特展」。圖/邱鈺鋒攝。

「我是小小太空人─不可思議的星球互動特展」結合靜態插畫與動態數位科技。圖/邱鈺鋒攝。

本次特展由人文遠雄博物館、LINE原創市集與瘋設計共同主辦，邀請6位超人氣貼圖畫家一同創作，包含甫於2017年進入貼圖名人堂的貓爪抓、咖波，以及各具貼圖人氣王、銷售王與新人王頭銜的ㄇㄚˊ幾兔、寶寶不說、松尼、懶散兔與啾先生，陣容堅強皆是一時之選。有別於一般插畫展靜態呈現作品，此次特展有完整的太空體驗，從太空船駕駛艙、餐廳到太空宿舍，各式主題場景就是要讓你的相機快門按到停不下來！各展區利用LINE NOW獨特的即時互動任務，民眾走進特定的展區時，可以利用手機輕鬆串起整個展覽內容，不管是接觸各貼圖角色的太空場景或在其中闖關解謎，皆創造出不斷穿梭在線上線下的交互觀展體驗，不知不覺拉長看展的時間，也和貼圖畫家筆下的眾多角色有更多交流。

互動展區「水世界星球」。圖/邱鈺鋒攝。

6位超人氣貼圖畫家一同創作，展區「尖端駕駛艙」。圖/邱鈺鋒攝。

「六位插畫師根據故事腳本，精心繪製角色，共同創造展覽，讓大家能在『看展覽中玩展覽』，在靜態拍照之餘，還能按照展覽的任務指令，留下獨特紀錄，分享給更多人欣賞。」人文遠雄博物館游冉琪館長表示，此次展覽結合靜態插畫與動態數位科技，非常適合大小朋友在寒假與農曆新年期間前來參觀。

游冉琪館長也提到，每年人文遠雄博物館都會固定舉辦互動式展覽，希望為大小朋友與文青創造一個好去處。2018年，館方也期盼注入更多互動科技，讓觀者來到展覽後，成為作品的一部分，因此邀請瘋設計與LINE原創市集共同討論，完成這份夢想。

LINE原創市集貼圖團隊呂苔君總監說，LINE原創市集邁入第三個年頭，在台灣已累積超過18億銷售額，能有如此亮眼的成績，來自台灣用戶的鼓勵，希望用戶們能持續支持，讓台灣創作者在世界舞台發光發熱。此次，LINE原創市集更透過主題策展，邀請六位插畫師一起創作，有別於個人作品的形式，期望集結六人的想像力，能激發不同的能量。

LINE原創市集貼圖團隊呂苔君總監、人文遠雄博物館游冉琪館長、瘋設計張慧菁總經理。圖/邱鈺鋒攝。

位於展覽入口處的太空基地，具未來感又不失童趣的船艙設計，讓人感受到即將航向宇宙的探險氛圍。結合臉部辨識科技的小小太空人報到處，替每個到訪者套上專屬的太空頭盔裝備。只要按下平板上的拍照鈕完成報到手續，就可以將照片下載到自己的手機，或是第一時間發佈到FB社群分享。順利完成展覽內各項太空人任務後，便可以免費下載6位貼圖畫家特別繪製的限定版貼圖，利用互動遊戲與極具吸引力的獎勵誘因，讓看展這個新興的社交活動變得更有話題性。

位於展覽入口處的「太空基地」。圖/邱鈺鋒攝。

互動展區「小花銀河系」。圖/邱鈺鋒攝。

為配合特展主題，遠雄美食秀廚自助餐特別同步推出【秀廚星球食力補給站】，餐點包含選用花蓮香Ｑ富麗米的彩色米食地球、精緻塔皮配上新鮮焗烤鮪魚的熔岩火山鮪魚塔等人氣必點，餐後再來份當季草莓做成的小小宇宙棒棒糖，看完展來份太空餐，觸發你的味蕾小宇宙！

熔岩火山鮪魚塔。圖/人文遠雄博物館提供。

「我是小小太空人─不可思議的星球互動特展」，展期從2018年2月2日到4月22日，於人文遠雄博物館展覽2館盛大展出，你是否準備好跟著他們，一起勇闖外太空，探索更多不可思議的星球！

【展覽資訊】「我是小小太空人─不可思議的星球互動特展」
票價資訊：免費入場
展覽時間：2018/ 02 / 02（五）至04/22（日）（周一及除夕當天休館）
開放時間：周二至周日10:00~18:00（17:30停止入場）
展覽地點：人文遠雄博物館 展覽2館（新北市汐止區新台五路1段95號4樓）

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面對數位時代，台灣出版產業普遍面對著景氣下滑與轉型。然而，聚焦微型出版的「Zine 獨立小誌」卻大相逕庭，近年來蔚為一股風潮。

台灣多元與開放的風氣，讓新一代紛紛透過微型出版，為各式各樣的議題發聲。文化總會推出「誌世代 My Zine-台灣 VS 荷蘭獨立出版展覽暨講座」聚焦台灣、荷蘭的獨立出版文化，共同感受新世代的創作能量與價值觀！

文化總會副會長江春男（左四）、荷蘭貿易暨投資辦事處副代表范安治（左五）、文化總會副秘書長張鐵志（左六）與「田田圈文創工作群」策展人、設計師等合影。圖/中華文化總會提供。

開幕當天，「台灣獨立出版聯盟」理事長劉霽、「田田圈文創工作群」策展人龔維德、空間設計師黃中緯、Eyeson Typ 設計師張軒豪，出席解說台灣、荷蘭出版業現況。「新加坡代表處」副代表邱俊育、「國立臺灣師範大學藝術學院」院長林俊良、新銳藝術家陳怡潔、小誌漫畫家米奇鰻、Shopping Design主編包叔平、秋刀魚主編陳頤華等人亦一同出席，共同感受台灣小誌的蓬勃實力。

文化總會副會長江春男說，自己對出版界有非常多的經驗，戒嚴時代的獨立刊物事實上是黨外刊物、地下刊物，當時冒著性命之憂還會被查禁數十幾次，對比看到現在的年輕人可以用自己喜歡的方式，說自己的話，發出自己的聲音，做自己喜歡的小誌，這些差異證明了台灣民主發展與進步。

台灣現在有多樣的獨立媒體，說明了台灣社會重視人民表達的慾望，以及社會擁有的自由、多元與創意，還有這個社會的活力與生命力。

文化總會副會長江春男。圖/中華文化總會提供。

文化總會副秘書長張鐵志也表示，此次展覽不只介紹台灣獨立出版，也邀請荷蘭的獨立出版作品。之所以邀請荷蘭，是因為荷蘭的創意力、設計力在國際上表現相當傑出，尤其在出版界，荷蘭在「全世界最美麗的書籍」競賽中積分最高，此次將展出超過20家荷蘭出版社的作品，也希望藉由這檔展覽，促進台灣與荷蘭書籍出版業的交流。

荷蘭貿易暨投資投資辦事處副代表范安治（André Verkade）說，荷蘭從1926年來，每年選出最美的荷蘭書本設計，也是歐洲第一個類似的活動。在「誌世代My Zine」，大家也會看到31本獲得國際表揚的荷蘭書籍，希望這個展覽可以讓老一輩的人擁抱書本、讓年輕一代的人探索書本，很高興能代表荷蘭來推廣臺灣和荷蘭的獨立出版文化。

數位化的時代，紙本的存在仍然不可取代，它讓我們有創造的空間、有記憶的媒介、有收藏的價值。

荷蘭貿易暨投資辦事處副代表范安治。圖/中華文化總會提供。

| 展區介紹 |
荷蘭最美麗的書籍　The Best Dutch Book Design
德國書藝基金會自1991年開始，每年為書本舉辦一場國際選美大賽，從來自世界上32個國家的眾多書籍中(會員大多以歐洲國家為主，美洲有美國、加拿大、委內瑞拉、哥倫比亞等國，台灣在2004年正式加入) ，評選出當年度的「全世界最美麗的書」（International Competition Best Book Design from all over the World）。

經統計，荷蘭的出版及書籍設計，在「全世界最美麗的書」項目積分為全世界排名第一名，德國居二、瑞士居三，可見荷蘭在書本設計的概念及製作優於其他國家，策展團隊希望透過此次展覽，將荷蘭在書籍及出版上的設計經驗，帶入台灣，促成交流。

「誌世代 My Zine」展場主視覺，以紙鈔紋路象徵小誌的豐富層次與內涵。圖/中華文化總會提供。

台荷獨立雜誌　Independent magazines from Taiwan and the Netherlands
獨立雜誌能表現一個國家的創作活力，更是最能展現一個國家出版多樣性與風貌的形式。展出台灣的獨立雜誌，除了能讓民眾看到台灣近幾年發展出以城市、鄕鎮甚至街區為主要報導的「地方誌」之外，也可以藉此展出台灣各地以及不同屬性的年輕人的創作活力。而展出荷蘭的獨立雜誌，則可以讓我們觀摩歐洲的出版趨勢，以及荷蘭本身在出版創作方面的呈現。

台荷獨立雜誌與台灣、荷蘭獨立出版區塊，展現近年代表性的小誌，是本次展覽一大特色。圖/中華文化總會提供。

台荷獨立出版　Independent publishing from Taiwan and the Netherlands
此區綜合了台灣獨立出版聯盟的三十組聯盟成員，以及荷蘭近二十個獨立出版機構，展現各式以小量印刷，包括文學、攝影、插畫、影像類等創作型作品。

Zine小誌　Zines from Taiwan and the Netherlands
Zine 的內容為個人、私密，也可以很公開。Zine 一般多為個人或二人為一組，借由自身的故事或個人生活經驗，發展成圖與文的結合，基至只是圖案及印刷技巧。有些Zine 的創作者有其他的正職工作，Zine 的作品則成為自我成就的一種方式，甚至也有zine的創作者有自己的讀者和粉絲族群。

進入閱讀小屋，享受與獨立小誌資訊與心緒的激盪。圖/中華文化總會提供。

「誌世代 My Zine-台灣vs荷蘭獨立出版展覽暨講座」包括獨立出版書籍、獨立雜誌與ZINE（小誌）三部分，希望透過這些作品，讓大家更理解新世代的創作能量與價值觀。為深化交流，另有三場系列活動，包括「台灣VS荷蘭獨立出版交流會」、「獨立出版工作坊」、「獨立出版的趨勢對談」，希望透過台灣及荷蘭獨立出版的互動，為台灣出版界注入新活水。

「誌世代 My Zine」展廳。圖/中華文化總會提供。

獨立出版當道，一同感受新世代的創作能量與價值觀！。圖/中華文化總會提供。

「誌世代 My Zine-台灣vs荷蘭獨立出版展覽暨講座」

| 時間 | 2018.2/3 – 3/4止（年節期間 2月15日- 2月20日休館）
| 地點 | 中華文化總會  城南空間 NO.1

延伸閱讀：西班牙設計金童 – Jaime Hayon 亞米‧海因台北特展
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城市美學新態度

「我的作品裡有真正的傷感和難受」- 藝術家 劉野。

童話是用小孩的口吻說大人的故事，而劉野又說了些什麼故事呢？

《蒙德里安、迪克布魯納和我》。all images © 劉野

劉野，1964年出身自北京，是中國當代知名畫家。劉野的作品往往有著鮮豔濃郁的亮麗色彩、無邪的兒童及女子。其作品被上海美術館、成都當代美術館與北京今日美術館等收錄，並多次參與威尼斯雙年展等矚目展會。

劉野的父親為一名兒童文學家，其成長階段正值文化大革命期間，彼時紅色浪潮席捲中國，大量文革宣傳藝術也形塑了日後其畫作中那些紅如炙火的意象。運動年代與童書記憶，不僅造就劉野筆下人物既有純真的童心，大量刀槍、軍艦、教鞭的元素即便看似生硬相悖，卻又令人難忘。

《天使合唱團》。all images © 劉野

1989 年，劉野以中央美術學院壁畫系學生身分，遠赴德國柏林藝術學院深造，1994年以碩士返回中國。在歐陸時，深受蒙德里安與馬格利特等畫作影響。蒙德里安的點線面與色彩，和馬格利特繪畫特色，往往以劉野的方式詮釋於畫中。

另外，米菲兔（Miffy）也是劉野畫中常見元素之一。當劉野在荷蘭首次遇見藝術家 – 迪克布魯納（Dick Bruna）所畫的米菲兔時，便立刻愛上這個有著圓潤身形卻同樣無情緒的小白兔。

《小海軍》。all images © 劉野

90年代，劉野彷如「還童」般，開始藉由創作宣洩腦海中的「紅色記憶」。不論是小水兵、紅太陽與童軍，都成了他創作的經典標誌。不過這些巨艦、槍砲的畫作，並無過多的政治意圖，劉野僅是喜歡用通俗語言，來描繪他的內心世界。

紅色的厚重布幔令人想起革命浪潮的滾滾旗海，一個個小士兵呆萌天真的臉龐，引領觀者進入劉野陽光燦爛的回憶裡。而以周璇、張愛玲、阮玲玉、張曼玉等系列中國近現代春半桃紅的女性群畫，更訴說傳統中國女性婉約豐沛的畫中情。

《阮玲玉》。all images © 劉野

《百老匯往事》。all images © 劉野

暖陽映照在粉嫩紅牆上，一名稚齡女孩與一隻翹首豬仔相遇了，這是劉野創作於2000年的代表作《溫柔的殺我》。

畫中的小女孩，手持銳利小刀，彷彿時間靜止般定視迎面而來的豬仔，縱使在暖色畫面中，仍能感到一絲詭譎不安。《溫柔的殺我》令人分不清孰者為善、孰者係惡？驕傲或順從、欣喜或悲傷？而最後小女孩跟豬仔的命運會是怎樣？誰贏誰輸？恰如劉野每個看似艷麗而明媚的繪畫，總有訴不盡的百無聊賴。

《溫柔的殺我》。all images © 劉野

《劉野×Jaime Hayon “溫柔的殺我” 限量版雕塑系列》

《溫柔的殺我》甫面世便走紅藝壇，成為劉野藝術生涯的標誌性作品，並與西班牙設計金童 – 亞米．海因（Jaime Hayon）聯手創作出了「劉野 x Jaime Hayon 溫柔的殺我」限量版雕塑組，讓小女孩與豬仔走出畫框，成為現實世界中的美麗雕塑。由亞米‧海因設計的展櫃，圓弧形的玻璃罩搭配著純白的底座，豬仔坐下了、小女孩也放下武器，兩者終於和平共處。

2017年末，「劉野 x Jaime Hayon 溫柔的殺我」於瘋設計主辦的「FUNTASTICO | Jaime Hayon亞米‧海因的設計狂想 亞洲巡迴特展」競拍會中正式跟台灣觀眾亮相，並以新台幣 720,000 元高價拍出。

《紅色戰艦》。all images © 劉野

《國際藍》。all images © 劉野

FUNTASTICO|Jaime Hayon亞米．海因的設計狂想 亞洲巡迴特展
展覽日期：2017/12/30(六) – 2018/3/4(日) 除夕休館
展覽時間：10:00~18:00（17:30停止售票及入場）
展覽地點：松山文創園區 五號倉庫

生於1974年的 Jaime Hayon 亞米‧海因，被歐美設計圈封為「下一個菲利浦‧史塔克」、「設計界的達利」，是當代最受矚目的西班牙設計師，創作中充滿潮流塗鴉感的手繪圖樣與兼具後現代風格的洗鍊線條，設計範疇橫跨公仔、珠寶，藝術品與室內設計等各領域。經典華麗又帶點俏皮玩心的獨特作品魅力，迅速在全球設計界闖出高度知名度，並相繼與法國Baccarat巴卡拉水晶、義大利Bosa陶瓷、西班牙BD Barcelona傢俱等國際頂級知名品牌合作。

洽詢專線 02-6616-9928 | Facebook 亞米‧海因的設計狂想 亞洲巡迴特展
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城市美學新態度

作為開春後首場的藝博會，第六屆台南藝術博覽會（ART TAINAN 2018）將於3月16日至18日再度於大億麗緻酒店盛大登場，呈獻51間來自台灣以及亞洲地區的優質畫廊，今年展出名單更勝以往，突破歷年來國外參展數量紀錄，含括中國的K空間、菲律賓的Qube Gallery等畫廊熱情參與，展出近180位國內外優秀藝術家的創作，藝術品橫跨經典大師、中壯輩藝術家至年輕藝術家，類型囊括油畫、雕塑、繪畫、裝置、錄像以及攝影。

克里斯蒂安‧格林，《Vier-II》，2016年。圖/Bluerider ART Gallery提供。

匯集國內外優質畫廊 近距離感受藝術多元面貌

輕巧精緻的飯店型展會儘管規模相對精煉，參展畫廊仍紛紛推出令人驚奇的藝術品。自東方現代水墨之父劉國松至西方著名波普當代藝術家Jeff KOONS，以及東南亞抽象藝術家的作品，包括來自菲律賓的莫德拉（Sio MONTREA）和馬來西亞的阿旺．達密．阿麥德（Awang Damit AHMAD）。

同時，來到現場亦可親睹台灣前輩藝術家楊三郎、李石樵、張萬傳、劉其偉、張義雄、陳銀輝和張炳堂，如同細細品嘗一捲20世紀的台灣藝術史。其中凡亞藝術空間將展出張炳堂的《台南古廟》，作品透過充滿地域性色彩的「台灣紅」呈現地方廟宇建築之美。張炳堂為台南在地藝術家，台南美術研究會創辦人之一，擅長運用鮮豔以及對比色彩描繪府城景點，為廖繼春、郭柏川後典型野獸派藝術家。

宋勝浩，《石柱列上的松》，2017年。圖/美丘美朮提供。

首次參展來自菲律賓宿霧的Qube Gallery將呈獻以街頭藝術著名的Mark COPINO，作品以記錄生活中遭遇事故而受傷的人們為主題，試圖喚醒人們對週遭事務的關心。來自中國成都的K空間，則將展出中國當代藝術家周春芽、方力鈞、以及沈勤的作品，其中方力鈞的一系列木刻版畫，作品顏色特別明亮鮮豔，探討著人的感覺與表情，幽默中帶有玩笑和放浪之感。

方力鈞，《2013-2016》，2016年。圖/K空間提供。

其他參展的國外畫廊包括來自韓國的Woo Gallery、日本東京的Röntgenwerke AG、以及大阪的YOD Gallery。國內畫廊則匯集台灣北中南地區的優質畫廊參與，呈獻來自台灣以及亞洲藝術家的精彩作品。索卡藝術將展出林葆靈、王韋中、王永衢等人，其中王永衢深受幾何抽象與極限主義的影響，潔白作品的表面邊緣被螢光色點綴著，試圖透過對比強烈的顏色配置，改變以往的觀看模式。其他台灣當代藝術家包括柳依蘭、蕭北辰、曹文瑞、吳繼濤、龎銚、張騰遠、林書楷、蕭珮宜、鄭崇孝等人。

王永衢，《Fifth Ave Sky》，2017年。圖/索卡藝術提供。

觀眾亦可在展會中欣賞到來自日本、韓國、香港、美國、西班牙等地藝術家，精彩藝術家包括由CC Gallery推出的日本金工藝術家鈴木祥太（Shota SZUKI），雕塑作品透過超寫實手法呈現精緻的金屬工藝。韓國當代水墨藝術家宋勝浩，擅長以老墨與韓紙描繪滄勁挺拔的松樹和壯闊群岩的山景，由美丘美朮展出。大象藝術空間則將呈獻香港藝術家麥翠影的水墨作品，藝術家透過古老精煉的水墨語言，以簡約的筆觸傳達漫遊自然的意趣。

鈴木祥太，《White-Dandelion》，2017年。圖/CC Gallery提供。

開創先河 國際遊艇展的跨界合作

本次展會更首開先河，與台灣國際遊艇展合作，將展會範圍擴展至高雄展覽館，於遊艇展區內規劃當代藝術特展區，以《偉大的航行—當代藝術藝境》為展覽主題，帶出藝術家如何透過自身生命經驗展現蓬勃的藝術創造力，預計將展出一系列以海洋為主題的作品，呈現當代語境下藝術的多元樣貌。在兼具簡潔與流利線條的白色遊艇展區中呈獻當代藝術作品，不僅能讓港都市民親身感受藝術氣息，同時活絡台南和高雄雙城間的交流。皆於3月中旬且同時段展出的台南藝術博覽會與台灣國際遊艇展，雙方藉由這次的合作，分享彼此的經驗和關係網路，同時開拓未來更多跨產業合作的可能性。

侯珊瑚，《态象系列》，2016年。圖/大象藝術空間館提供。

加深在地連結 推廣臺南新藝獎

今年展會以「人文古都—再造城市風華」為主題，期望透過一系列豐富多元的活動，讓台南市民感受府城的藝術活力，同時看見文化傳承的延續和再創新的力量。為增強展會與在地的連結，台南藝博持續與台南市政府合作，推廣「臺南新藝獎」。

畫廊協會理事長鍾經新表示，台南藝博提供了新藝獎得主進入市場平台的機會，同時讓作品與社會產生連結，提升了藝術家在國內的能見度與知名度，創造產官學三贏的局面。2018新藝獎得主中的三位藝術家，包括林書瑜、謝佑承以及吳家昀，展期間將以主題個展形式，完整呈現其藝術創作面貌，媒合畫廊名單將在2月中旬公佈在台南藝博官方網站。

唐多鵬，《悄悄生長》，2017年。圖/傳承藝術中心提供。

林書瑜對於自然和科學保有濃厚興趣，並將其轉化成自身經驗體悟與感知，作品多以互動感測、機械動力、空間裝置等方式呈現。謝佑承近期創作多以螢光漆料與視覺經驗的錯視感知為主，關注虛/實、內/外空間、觀看方式的可能性，繼而探索發光體與影像之間主體位置的辯證關係。吳家昀透過詩的影像傳遞「人的狀態」和「影像時間」，作品多以電影、影像裝置和攝影。

藝術講座 開啟藝術與大眾的對話

台南藝術博覽會將於3月17至3月18日舉辦4場藝術講座，主題從藝術收藏、作品修復、原住民南島藝術，到國際藝術家創作分享會。3月17日舉行兩場講座，《一個需要藝術的時代》邀請到資深顧問陸潔民和在地著名的收藏家陳聰徒，兩位將以輕鬆對談的方式，分享藝術收藏的經驗；《藝術品的保存與修復》講座將由奇美博物館修復師吳宛瑜，針對不同媒材的藝術品保存，分享修復實例與經驗。

Robert PAN，《TA 5,666》，2015年。圖/尚畫廊提供。

3月18日首場講座《當代原住民藝術的展望》，邀請到高雄市立美術館研究員曾媚珍以及第20屆國家文藝獎得主撒古流．巴瓦瓦隆，兩位將探討當代原住民藝術的現況與未來發展；《「2018臺南新藝獎」國際藝術家創作分享》則將由臺南新藝獎策展人陳明惠擔任主持人，邀請到3位新藝獎國際藝術家得主，包括阿修庫瑪．密斯特律Ashokkumar Mistry（英國）、莎雅．沃爾法克Ashokkumar Mistry（美國）、以及黃柳Krisaya Luenganantakul（泰國），藝術家們將分享他們對創作的看法和歷程。

【展覽資訊】2018 台南藝術博覽會

展覽地點
台南大億麗緻酒店 8F & 9F （台南市西門路一段660號)

貴賓預展
2018年3月15日（星期四）下午3時至晚上8時

公眾開放
2018年3月16日（星期四）中午12時至晚上7時
2018年3月17日（星期五）中午12時至晚上7時
2018年3月18日（星期六）中午12時至晚上6時

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藝術家 – 伊亞拜迪歐匹可（Iabadiou Piko）來自印尼蘇門答臘島南部的「普拉布穆利」（Prabumulih）。2005年於「日惹視覺設計學院」取得藝術攝影學位，其作品融合了攝影的紀錄性與符號寓意，結合印尼的地理素材，將繪畫視為某種內在世界的「視覺日記」。

匹可 曾於柏林與萬隆舉辦個展，並在苗栗與杜拜進行駐村創作。2016 年獲《The Top 10 of Asia》雜誌選為「2017年10大最受矚目亞洲視覺藝術家」，並於2018年1月，於台北路由藝術畫廊（NUNU Fine Art）舉辦「知覺風暴」個展。

印尼藝術家 – 伊亞拜迪歐 匹可（Iabadiou Piko）。圖/邱家琳攝

綠色扭曲 Green Distortion (2017)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供

被稱為「萬島之國」的印尼，全境有400多座火山，其中活火山就幾佔了半數。躁動的地殼與隨時噴發的火山活動，無形地成為匹可的一大靈感。

除了炭筆、油彩、壓克力、麥克筆外，2013年，匹可首度嘗試將火山灰、瀝青與二氧化硅等媒材，高溫熔於畫作中。透過融解與重塑，火山碎屑與浮石除了讓繪畫的肌理與母國有了情感上的連結，更豐富了匹可作品中華麗而荒誕的幻想。

紅色景觀 Landscape In Red (2016)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供

見藍 Seeing The Blue (2017)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供

 匹可視美國藝術家 – 巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat）與西班牙藝術家 – 安東尼塔皮埃斯（Antoni Tàpies）為影響創作最重要的兩位藝術家。除了匹可與安東尼塔皮埃斯同樣都是靠自學走上繪畫之道外，兩者亦都以類似拼貼方式進行媒材混搭。

創作是藝術家不斷與自我對話與戰鬥的過程，匹可用非碎片式的創作語言，完整記敘其對內心世界的探索與周遭人事物的觀察。漫遊於童畫與塗鴉間的分野，匹可時而溫柔舒展、時而狂蕩野放，抒發內心私密的想法、衝突與糾結。

喧鬧中的綠 Green Among The Noisy (2017)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供。

台灣旅行 Taiwan Trip (2016)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供。

形容本身個性木訥、唯有在繪畫時才能展現真我的匹可，經常透過一個個頻繁出現的抽象符號，如「尖角」、「植物」、「獸爪」與「鳥喙」來象徵自己隱藏的動物性格與個人意念：「當我在繪畫時，最能舒展自己的動物知覺。好比我在創作時，腦海中不斷浮現飛鳥的形象。」

鳥類象徵著自由，同時也代表天使的翱翔。匹可將自我意識投射於畫中，隨心所欲地抒發內心真實感受，也帶領著觀者，一同游離於他如同詩意般抽象的日記詩篇中。

Focus (2016)。圖 NUNU Fine Art 路由藝術 提供。

淨白的清新展廳，與匹可搶眼豐富的繪畫風格，呈現地相得益彰。圖/邱家琳攝

匹可透過自學，走上繪畫創作之路，並運用其所學的攝影專業，在繪畫中帶入「紀錄」的概念。圖/邱家琳攝

匹可除了使用火山灰、瀝青入畫外，亦將油彩顏料高溫融入在畫中，形成肌理。圖/邱家琳攝

匹可用紛亂的繪畫筆觸，將「0至1」的內心對話過程，表現在畫作上。圖/邱家琳攝

時而舒緩、時而激烈，呈現匹可赤裸裸的心緒世界。圖/邱家琳攝

伊亞拜迪歐．匹可 Iabadiou Piko
國別 | 印尼 普拉布穆利（Prabumulih）
展覽 | 知覺風暴：伊亞拜迪歐．匹可個展 – 2018/1/13- 3/11 | Nunu Fine Art

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城市美學新態度

文/邱家琳

「香港藝術月」登場（3月1日至31日），各種藝術活動將遍佈香港不同角落。最重要的三大藝文活動：香港藝術節、藝博會Art Central、巴塞爾藝術展，將帶來大師級的藝術創作及重量級的演出團隊。另外還有香港社區內的本地藝術創意，像是「城巿閘誌2018」、「南港島藝術日」和「火炭藝術工作室開放日」，在主題、角度、規模、形式都各具特色，今年三月，就以藝遊香港為主題規劃一個香港之旅吧！

第46屆香港藝術節，英國國家劇院《深夜小狗神秘習題》。圖片版權ⒸBrinkhoff-Mögenburg

香港藝術節，令人欲罷不能的百場節目表演

「第46屆香港藝術節」為「香港藝術月」揭開序幕。逾1,700位來自海外及本地的藝術家，將於2月23日至3月24日期間帶來130場演出。節目類型包括歌劇、舞台劇、舞蹈、音樂、雜技、歌唱等，今年重點節目包括美國芭蕾舞劇院的《芭蕾小忌廉》的亞洲獨家演出、英國國家劇院的《深夜小狗神秘習題》及威爾斯國家歌劇院的德布西《佩利亞斯與梅麗桑德》。

美國芭蕾舞劇院《芭蕾小忌廉》。圖片版權© Gene-Schiavone

藝博會Art Central，聚百間畫廊帶來多元展演

緊接上場的第4屆藝博會Art Central，於3月27日至4月1日在香港中環海濱活動空間舉行，並於3月26日舉辦貴賓預覧及開幕夜參展藝廊超過100間，其中30間更是首度參展，逾七成以上的藝廊來自亞太區，陣容是歷年之冠。百家藝廊涵蓋水墨、紡織藝術、攝影、新媒體和街頭藝術等方式展現藝廊的特色，除了靜態展示亦包括互動裝置、表演及研討會等。

第四屆 Art Central Hong Kong 即將登場。圖片版權© Flowers Gallery

巴塞爾藝術展香港展會，呈現前瞻藝術創作

壓軸的世界頂尖盛事「第6屆巴塞爾藝術展香港展會」，將於3月29日至31日在香港會議展覽中心舉行。合計共248間來自32個國家及地區的頂級藝廊參展，其中28間亞太區及歐美藝廊首次參與。展會將呈現多元的藝術視野、歷史素材及知名與新晉藝術家的前瞻作品。

2017年香港巴塞爾藝術展現場，第6屆巴塞爾藝術展香港展會即將登場。圖片版權© Art Basel

深水埗個性店鋪、青年鐵閘導賞體驗

香港近年藝術風氣盛行，藏於社區中的藝術空間非常值得旅客前往探索，不妨走入社區感受香港的本土創意動力。今年「香港藝術月」的其中一個焦點落在滿佈舊式店鋪的地道社區深水埗。由香港青年藝術協會主辦的社區藝術計劃「城巿閘誌2018」於深水埗啟動，多位本地藝術家為區內十間舊式民生小店設計會說故事的鐵閘畫作，讓遊人透過「閘誌」一探店主個性或店鋪歷史點滴。三月下旬至四月中的週末，民眾可免費參與文化導覽團（粵語或普通話導覽），欣賞特色鐵閘畫作之餘，更可細味舊區小故事。名額有限，先搶先贏。(Facebook @HKUrbanCanvas)

本地藝術家為深水埗區內十間舊式民生小店設計鐵閘畫作。圖片版權© 城巿閘誌HK Urban Canvas

南港島藝術日，新興藝術小區免費導賞

如果你計劃前往巴塞爾藝術展，不妨趁機遊覽附近的南港島藝術區。近年，不少藝廊陸續遷入曾為工業區的港島南黃竹坑，加上港鐵南港島線已經通車，那裡遂成為藝術愛好者的最新聚集處。於巴塞爾藝術展及Art Central期間舉行的「南港島藝術日」將於3月29日舉行，區內約16間藝廊將同時開放，旅客可以email或於藝廊現場報名參加免費導覽團，深入了解南港島藝術區的獨特之處。(www.sicd.com.hk)

南港島藝術日，刺點畫廊 。圖片版權© Blindspot Gallery

火炭工業區，藝術家工作坊一日體驗

新界區亦有鮮為旅客認識的藝術社群。自2000年以來，火炭工業區的低廉租金吸引了藝術工作者在區內設立創作室。畫家、雕塑家、陶藝家、書法家等的進駐，令火炭從一個主要工業區漸變成充滿活力的藝術社區。多個創作室將於3月31日的「火炭藝術工作室開放日」開放，旅客不單可參觀創作過程和作品，更可直接與本地藝術家溝通交流。(www.fotanstudios.org)

火炭工業區，「消歎場」的藝術家蕭愛冰。圖片版權© Winnie Davies

在地響應，香港藝術體驗猶如繁星

其他還有一連串藝術活動將於香港主要藝術文化空間如PMQ、藝穗會等，酒店及商場如K11及太古廣場等不同地點進行。當中不得不提的有香港第一個國際級雕塑公園「藝遊維港」，2月22日至4月11日於中西區海濱長廊舉行，此免費活動將展出超過18 位新晉及知名本地及國際藝術家的多件雕塑作品。於維港美景旁近距離欣賞國際級雕塑，機會難得。

旅客在火炭工業區參觀情景，圖片版權© FoTan Joy Art Club

另外，3月3至29日於太古坊ArtisTree舉辦的音樂展演「NOTATING BEAUTY THAT MOVES」，將會展出從世界各地搜集的樂譜手稿以及不同藝術媒界的作品，由香港小交響樂團樂師將與著名的澳洲組合Ensemble Offspring一同演出，引領觀眾走進演奏者的世界。(了解更多節目詳情)

延伸閱讀：亞洲最大的藝博會 2017香港巴塞爾藝術展
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城市美學新態度

嘉義國際藝術紀錄影展 CIADFF （Chiayi International Art Doc Film Festival）今年正式⾛入第五年，持續聚焦於「藝術紀錄」領域，呈現影像紀實的多采面貌。今年以「找不到的我（Lost Piecesof Me）」為主題，聚焦於自我與外在環境之連結，以藝術探尋自身價值的同時，為生命臨摹更準確之定位，呈現45部優秀之國內外藝術紀錄片，其中包含4部世界⾸映、12部亞洲⾸映和2部台灣首映。

本年度影展為了鼓勵於各展覽、藝廊、電視及線上媒體曝光過的優秀作品，首度開創「影展首映」之分類，並選擇共計15部作品，期望藉此鼓勵傑出藝術家與創作者，並敦促影劇界與藝術界之共進共榮。

影展共由六⼤放映單元所組，依序為「⼈群摸索」、「揮灑⼤前程」、「地理漂流」、「藝術螺旋」、「法國全景窗」以及「喀什海默爾⼤師專題」，並以多達12位國際影⼈來台出席創下歷屆影展之最，包含加拿⼤導演秋旻DorisLiu、印度導演Rafeeq Ellias、印度樂⼿Joseph Valerian Vessoakar、印度剪輯師Abhro Banerjee、荷蘭導演Stephane Kaas、荷蘭劇作家Rutger Lemm、捷克導演Marketa Tomanova、旅美台籍藝術家楊金池、⾹港導演馬智恆、香港攝影師⿈瑋納、南韓藝術家崔旴嵐、以及重量級國際策展人湯尼·雷恩（Tony Rayns）亦破格獲邀來台。嘉義市涂醒哲市長也親臨現場表示，⿎勵民眾⼀同參與共襄盛舉。

放映單元「揮灑⼤前程」。圖/取自嘉義國際藝術紀錄影展粉絲專頁。

嘉義市涂醒哲市長致詞。圖/嘉義國際藝術紀錄影展提供。

嘉義市結合固有的「畫都」與「音樂」⼆⼤元素，並佐以「影像紀錄」的概念，從2014年起舉辦⾸屆的「嘉義國際藝術紀錄影展」，以藝術紀錄為主軸，拓展城市國際視野。今年更以社會關懷、藝術鑑賞、及個⼈探索角度切入，以「找不到的我」為主題，延伸主體性與外部環境的相互疊加，揉蘊出更為深層的觀影體驗。⽽影展⾃創⽴起就不斷強調的「⼤南⽅精神」，更藉由本次⼤量的短⽚選擇更為彰顯，藝術總監⿈明川表⽰，南⽅並非單純指涉地理上的南⽅，更同時兼具非主流、弱勢和被壓抑的南⽅精神，⽽嘉義國際藝術紀錄影展的使命就是不斷發掘這些進不了主流影展的優秀作品。

藝術總監黃明川導演致詞。圖/嘉義國際藝術紀錄影展提供。

嘉義國際藝術紀錄影展今年除了在固有的嘉義市⽴博物館播映之外，更與嘉義在地兩處特⾊店家共同舉辦合計六場次之教育推廣放映，分別為25×40藝⽂空間以及承億⼩鎮慢讀，其中兩處各有⼀場「搶先看」場次，挑選數部將有影⼈出席之作品進⾏搶先放映，讓觀眾能夠在影展正式放映時與影⼈有更深入的互動機會。影展期間亦舉辦相關講座與論壇活動，包括兩場校園推廣講座、兩場選⽚指南、⼀場⼤師專題講座和兩場藝術紀錄⽚論壇。

放映單元「藝術螺旋」。圖/取自嘉義國際藝術紀錄影展粉絲專頁。

校園推廣講座將於天主教輔仁⼤學及稻江科技暨管理學院兩所大專院校舉辦，前者邀請到輔⼤應⽤美術系廖繼坤⽼師，⽽後者則邀請到稻江管理學院表演藝術學⼠學程沈孟湄⽼師，兩位將分別與影展藝術總監⿈明川導演進⾏對談，為兩所學校帶來富含活⼒及深度的影像鑑賞。⽽選⽚指南則邀請到策展⼈陳怡君及影評⼈游千慧，於25×40藝⽂空間、承億⼩鎮慢讀兩處，分享他們於本屆影展選⽚中的推薦作品。

記者會合影。圖/嘉義國際藝術紀錄影展提供。

藝術紀錄⽚論壇則以「跨境影像碰撞（From Borders to the Round Table）」和「從實驗到主流（Experiments Made to Public）」為兩大主題，邀請眾多藝術圈重要⼈⼠共襄盛舉。前者將以三位國際導演：印度導演Rafeeq Ellias、荷蘭導演Stephane Kaas、捷克導演Marketa Tomanova以及藝術總監⿈明川導演擔任主講⼈，以全英⽂論壇的形式探討跨境影像的悠揚美學；後者則邀請到藝術家許家維、廖祈⽻，電影導演吳靜怡、張博洋以及台北當代藝術館策展⼈⿈⾹凝，⼀同評析主流藝術及實驗型創作的相互交錯。

本屆影展所規劃的⼤師專題講座以「藝術瞬間（Artistic Moments）」為題，更是邀請到亞洲影壇的教⽗級⼈物：策展⼈湯尼·雷恩。舉凡王家衛、楊德昌、侯孝賢、賈樟柯等亞洲影像巨擘，都曾與湯尼有著極為深厚的淵源，⽽湯尼本次來到嘉義擔任⼤師專題講座之主講⼈，更將成為台灣影壇年度⼀⼤盛事。

「2018嘉義國際藝術紀錄影展」活動辦理於3⽉17⽇起至4⽉1⽇期間，每週五至每週⽇於嘉義市⽴博物館1F放映室準時播放，教育推廣放映場次則於承億⼩鎮慢讀和25×40藝⽂空間巡迴放映，所有場次皆免費入場。更多活動詳情，請至活動網站（http://2018.chiayi.film/）與活動官⽅Facebook（https://www.facebook.com/ciadff）查詢。邀請全國民眾前來嘉義市、欣賞優秀藝術紀錄⽚，並感受嘉義市獨有的藝術⽂化。

延伸閱讀：發掘內心寶藏 嘉義國際藝術紀錄影展
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城市美學新態度

被譽為亞洲最具價值的19及20世紀中國水墨書畫私人收藏之一的「梅潔樓藏畫」榮幸呈獻「方寸之間 ── 梅潔樓藏手卷冊頁」展覽。繼2017年11月北京首次展覽大獲成功，今次展覽將在香港展出極少公開亮相的50件書畫作品。這些世界級的藝術傑作出自享負盛名的國畫大師，包括丁衍庸、居廉、陸儼少、溥儒、吳昌碩、吳湖帆、于非闇和張大千，體現了水墨藝術數百年來的非凡創意和多元面貌。這次備受注目的展覽將於2018年3月24日至4月5日在香港中環元創方智方舉行。

張大千，《大千黃山遊》，1993年。圖/梅潔樓藏畫提供。

梅潔樓藏畫聯合創辦人羅仲榮先生表示：「我們很高興在香港呈獻今次手卷和冊頁作品展覽。香港對梅潔樓藏畫有著重要的意義。手卷和冊頁這兩種繪畫形式在國畫傳統和美學中非常重要，也是我們多年來藝術收藏的焦點所在。欣賞手卷時須按照次序把它慢慢打開，邊捲開邊看，而欣賞冊頁作品時要逐頁細看，徐徐欣賞紙上縱橫筆墨和無盡創意，更添箇中樂趣。我們很高興可以邀請廣大市民齊來欣賞這些作品，而不局限於個人或少數朋友的分享。」

展出的50件作品創作於19至20世紀，是梅潔樓藏畫過去30多年來悉心搜羅的珍罕書畫傑作，其中手卷和冊頁平分秋色，各佔半數。手卷及冊頁均為書畫作品的裝裱形式，手卷為橫幅長畫，欣賞時置於桌上，從右至左，慢慢捲開，猶如開啟一次互動旅程。冊頁則將多幅繪畫集結，裝裱成書本形式。梅潔樓藏畫的「方寸之間 ── 梅潔樓藏手卷冊頁」展覽旨在突顯這些藝術形式可以近距離接觸的特質，讓參觀者感受驚喜和探索的樂趣。

居廉，《花卉冊》，1877年。圖/梅潔樓藏畫提供。

進入展覽場地，率先映入眼簾的是香港和嶺南地區的藝術家畫作。亮點作品之一是丁衍庸的冊頁，猶如手風琴般的作品兩面分別繪有幽默有趣的人物、花鳥和其他生物，格外別致。丁衍庸出生於廣東，是中國水墨畫、油畫以及印章雕刻的大師。他的作品受到八大山人的極簡風格，以及亨利·馬蒂斯（Henri Matisse）作品線條和色彩的影響。《人物花鳥什寫雙面冊》十六頁冊頁體現了藝術家個人獨特的創作活力和魅力。

神情誇張的人物充滿了諷刺的同時，又顯露出無忌的童趣。憑著對動植物的悉心觀察而為人熟知的清朝畫家居廉，他的《花卉冊》十二頁冊頁亦是今次展覽的亮點作品。畫面花卉和書法並重，更充分展現居廉的「撞水」繪畫技法，在畫面上未乾的顏色上蘸水，從而形成自然的紋理和光澤。

丁衍庸，《人物花鳥什寫雙面冊》（其中四頁），1944年。圖/梅潔樓藏畫提供。

第二展廳展出來自上海及其周邊地區的畫家傑作。焦點展品是國畫大師張大千的《大千黃山遊》十二開冊頁，並與其兄長張善孖的手卷作品《黃山全景》同場展出。《大千黃山遊》創作於1933年，是尺幅小而精秀的冊頁畫，繪於罕有的宋朝紙張上，並運用了多元化的筆墨技法，呈現被列入聯合國教科文組織世界遺產名錄的黃山與眾不同的景貌。透過十二開冊頁展示的絕美景色，畫作追蹤創作者的意識流動，從親身體驗以至詩詞畫作，體現了視覺創作的錯綜復雜，以及其中投入的深刻情感。

另一位焦點藝術家溥儒有多件作品展出。這位被譽為滿清皇族中最具才華的畫家在作品中彰顯他演繹經典題材的獨特手法，糅合了刻畫傳神的細緻線條及具感染力的畫面情緒。當中最能展現此者乃長11米（36呎）的手卷《江山無盡》。

溥儒，《江山無盡》，年代不詳。圖/梅潔樓藏畫提供。

梅潔樓藏畫策展人及高級顧問毛岱康女士（Catherine Maudsley）表示：「這些手卷和冊頁作品總是讓人忘我地陷入沉思。儘管題材各不相同，包括詩情畫意、風趣幽默、嚴肅和輕鬆等不同主題，繪畫手法方面既有自然隨心的『寫意』風格，也有線條工整細致的『工筆』手法，不論是手卷或冊頁，同樣值得大家近距離欣賞。為了方便觀眾欣賞，展覽將手卷打開放平，將冊頁畫裱貼在畫框中展示或按照冊頁的次序平鋪於陳列櫃內展出。我們希望觀眾可以透過這次展覽，親身體驗和享受這兩類水墨作品帶來的親近感。」

「方寸之間 ── 梅潔樓藏手卷冊頁」展覽精選了逾百年來中國畫兩種基本裝裱形式的傑出作品，不僅展示梅潔樓藏畫的學術和鑒賞能力，更彰顯手卷和冊頁在風格上的變化多端，邀請觀眾暫且忘卻當前的速食文化， 並重返昔日藝術創作及收藏珍品帶來的從容樂趣。

溥儒，《龜壽千年冊》，1933年。圖/梅潔樓藏畫提供。

梅潔樓藏畫一直致力於加強文化教育和普及，配合是次展覽將於元創方S214室特別設置親子活動區。其空間經過特別設計，將丁衍庸、溥儒和張大千的作品轉印到牆壁上，營造適合觀眾互動的氣氛。專為小朋友準備的空白冊頁印有開放式問題，鼓勵創意思考和想像力的遊戲。特製的橡皮圖章繪有國畫的三大主題：花鳥、人物和山水，邀請參與活動的小朋友在豐富的視覺刺激下，創造出發自心靈的場景。

「方寸之間 ── 梅潔樓藏手卷冊頁」展覽

媒體預覽：2018年3月23日（星期五）下午2時
展覽日期：2018年3月24日（星期六） 至 4月5日（星期四）
開放時間：每天上午11時至晚上8時
地點：香港中環鴨巴甸街35號元創方智方
親子活動區：每天上午11時至晚上8時
地點：香港中環鴨巴甸街35號元創方S214 室（免費開放，先到先得，無須預先登記。）

這篇文章 「方寸之間──梅潔樓藏手卷冊頁」 集結中國水墨書畫大師作品 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

由國立臺灣美術館主辦之 2018「威尼斯建築雙年展」臺灣館主題「活在宜蘭：連結山海水土」將於 2018 年 5 月 24 日於義大利威尼斯普里奇歐尼宮展出。

2018 威尼斯建築雙年展臺灣館，「活在宜蘭：連結山海水土」。圖/ 丁紹原 攝

「田中央工作群」以人與宜蘭在地的環境作連結，呈現作品與宜蘭人、植物、動物、水、風、光交融的狀態。圖/ 丁紹原 攝

本次威尼斯建築雙年展臺灣館策展團隊，特別於新竹市「風 live house」舉辦「展場一比一試組裝展」公開本次參展作品。記者會由 國美館 蕭宗煌館長主持，參展團隊代表：田中央 黃聲遠建築師、策展人王俊雄教授、展場設計林聖峰、紀錄片導演江國梁等來賓出席，期待藉由本展在威尼斯與國際建築界深度交流，將臺灣當代建築推展到全球。

今年由臺灣第一位獲邀至日本及歐洲重要美術館、建築博物館巡展的建築師 黃聲遠 及「田中央工作群」代表，以「活在地方」回應雙年展主題「Freespace」。

展覽地點落戶於威尼斯聖馬可廣場旁的普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）。由該廣場行至雙年展綠園、軍火庫等雙年展會場，必定經過普宮，可謂威尼斯核心區。參展團隊由11組建築團隊中脫穎而出代表參展，必能讓臺灣建築享譽國際。

威尼斯建築雙年展「活在宜蘭：連結山海水土」工作模型。蔚龍藝術 提供

展覽展示了團隊工作紀錄片與生活縮時影片，重現「活在宜蘭」的美好景象。圖/ 丁紹原 攝

黃聲遠及「田中央工作群」以營造「活在場所」的獨特方法，切中本屆總策展人愛爾蘭建築師 – 伊凡法瑞爾（Yvonne Farrell）和薛莉麥克娜瑪拉（Shelly McNamara）之命題「Freespace」，強調建築之價值在於創造人與場所之間綿密的對話，與環境中各種自然元素產生總體關係。

田中央團隊成員於宜蘭實際生活，切實從事將人與環境綿密連結的場所營造，其作品與宜蘭的人、植物、動物、水、風、光等元素亦關係密切。今次提出「活在宜蘭：連結山海水土」參展主題，展現將山海水土連接而營造出生活場所的企圖，精確回應本屆概念。

威尼斯建築雙年展「活在宜蘭：連結山海水土」1：1 展覽會場。蔚龍藝術 提供

黃聲遠 X 田中央工作群《櫻花陵園納骨廊》2005-2009。蔚龍藝術 提供

為詮釋田中央的創作理念，策展人「臺灣現代建築學會」王俊雄理事長邀集「嶼山工房」林聖峰創辦人與江國梁導演攜手合作紀錄片，呈現田中央工作群追求自由開放與輕盈流動的本質。

展覽規劃與威尼斯展場現地融合的工作模型及影片展區，並搭配團隊工作與生活縮時影片、展示相關書籍等，打造宜蘭山海水土與田中央工作群空間創作的獨特氛圍，強調場所與人、與環境交融的狀態，使「活在宜蘭」之整體樣貌再現。

團隊以「活在宜蘭：連結山海水土」切合本回威尼斯建築雙年展之主題。圖/ 丁紹原 攝

台灣是一個辛苦又美麗的地方。有颱風、地震，有揮之不去的資本發展迷思，有衝突不斷的公共政策，還有個老是認為世界由他們定義的大鄰居。戰爭的幽靈盤繞，而我們仍然可以有自由的心靈。- 建築師 黃聲遠

「活在宜蘭：連結山海水土」展示歷年代表性作品。圖/ 丁紹原 攝

「田中央工作群」歷年作品。圖/ 丁紹原 攝

圖左5起：吳思瑤立委、新竹市長林智堅、王俊雄教授、建築師黃聲遠、國美館蕭宗煌館長及陳昭榮副館長(右2)，等貴賓出席展覽。蔚龍藝術 提供

黃聲遠（1963- ）

臺灣東海大學建築學士，美國耶魯大學建築碩士，早年曾於Eric Owen Moss Architects擔任Project Associate，回臺灣前於North Carolina State University任教。堅信建築的根基是紮在真實的生活上，但生活最真實的狀態，卻非物理驗體般固定不動，而是無時無刻變化。因此，這精確的認知本身，卻潛在地指向不精確的或變動的狀態，這就是黃聲遠與後來成形的田中央創作的特質。

田中央工作群

同時是居民和專業者，選擇在臺灣宜蘭，是因為那裡有一股難言的悸動，支撐他們擺脫所有束縛，放心的從自己的生活起航、探索、作。他們的空間想像如藤蔓莖脈葡爬於宜蘭小鎮與鄉野，沒有必然的主要空間，也不必急著用答案來限定未來的發展；只要提供足夠的養分，更多的想像力就可以蔓延、連結、開放，長出不同的枝節，拓展出更多的空間契機。

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2018威尼斯建築雙年展臺灣館「活在宜蘭：連結山海水土」
展期：2018年5月24日至11月25日
地點：義大利 威尼斯 普里奇歐尼宮

國立臺灣美術館
40359臺中市西區五權西路一段二號
開放時間：週二至週五 09：00 – 17：00．週六日 09：00 – 18：00．週一休館

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城市美學新態度

台灣服裝設計師葉珈伶同名品牌 CHARINYEH，於2018年3月16日-3月21日，在台北市濕地首次舉辦服裝展-｢蚵畫人生｣。

將台灣五零年代西部海岸耕蚵景象，完整呈現於都市一角。隆重邀請到傳統手繪電影看板畫師－顏振發師傅，和新銳攝影師－登曼波、林建文，一同展出富含台灣文化情感的作品。

CHARINYEH服裝將設計與西海岸耕蚵生活融合呈現。圖/ 濕地 venue 提供

CHARINYEH實際走訪蚵田，以「耕蚵」為題，將台灣傳統耕蚵樣貌「蚵畫」於服裝之上。展場利用台北市濕地venue的空間，把民國50年代的「蚵田」和「漁網」風情實地帶進台北都市，打造出早期的耕蚵印象；同時邀請到傳統手繪電影看板大師顏振發師傅，以及新銳攝影師登曼波和林建文一同攜手展出，呈現傳統與現代的文化與藝術之美，讓喜愛文化及藝術的朋友細味台灣故事。展覽吸引許多藝文界名人一同到場，包含知名文字創作者Mr. 布雷蕭、夏維恩，以及知名獨立樂團。

CHARINYEH實際走訪蚵田，將傳統耕蚵樣貌「蚵畫」於服裝之上。圖/ 濕地 venue 提供

這是CHARINYEH品牌首次以靜態展的方式演繹春夏設計，運用台灣第一部彩色電影《蚵女》做為靈感，重現50年代的台灣意象。設計師葉珈伶也帶領團隊實際走訪彰化芳苑村蚵田取材，將文化結合到本次的服裝設計，展現台灣人的韌性以及能屈能伸的精神。

葉珈伶表示：「CHARINYEH品牌理念是以服裝展示台灣文化。在看完電影『蚵女』時，我們都深受感動，一起前往蚵田尋找我們的設計靈感，甚至在冬天冰冷的海水之中拍攝，實際接觸、體驗，只為讓服裝真正呈現台灣當時的豐盛以及生活樣貌，希望更多關心、在意台灣文化的人可以藉此感受、體驗這段美好的故事。」

CHARINYEH服裝將設計與西海岸耕蚵生活融合呈現。圖/ 濕地 venue 提供

展覽從一首詩開始，預告著故事即將展開。整個展廳以環狀的方式安排，從清晨的海波開始，一直到日落的夕陽，讓參展的觀眾彷彿和蚵農一起度過了一天。

設計師將「漁網」與「蚵串」也實際搬進了展場。CHARINYEH的服裝置於蚵田之中，猶如蚵農日出而作的身影。環顧四周的攝影作品，耕牛和漁村紀實以強烈的色彩表現人物濃厚的情緒，飽含了早期蚵農的堅毅精神。現場不僅打造了台灣西海岸風光，也將電影《蚵女》劇照搬進傳統映像管電視機，並邀請到顏振發師傅手繪大型油漆看板，演出「蚵畫人生」這場如穿越電影般的展覽。

CHARINYEH服裝設計以蚵和殼的形狀來體現服裝結構。圖/ 濕地 venue 提供

CHARINYEH以「耕蚵」為題創作，以柔順中性的風格，不為服裝設限，任何人都可以自在的穿著。除了將蚵及殼的形狀化為服裝結構，本次的設計亦大膽挑戰服裝剪裁的極限。品牌設計師葉珈伶在剪裁、布料、圖案以至顏色的選用上皆別出心裁，只為呈現台灣質樸漁村的活潑氣息。如裁片一體成形的服裝，呈現出蚵的球狀和沒有斷點的特色；將不同的布料材質，表現出海浪、潮汐及淤攤的紋路，帶出台灣海岸的柔軟線條；圖案方面，堅硬的線條圖紋以及圓順的線條筆畫，代表著蚵農外表堅強、內心柔軟的意象；顏色則以沙灘的米色、咖啡色和浪花的白色、藍等色調，重現西海岸覆蓋數百公頃的淤攤蚵田。

CHARINYEH服裝設計以蚵和殼的形狀來體現服裝結構。圖/ 濕地 venue 提供

本次參與合作的國寶級藝術家顏振發老師，也共同展出台灣即將失傳的「傳統手繪看板」，印證台灣50年間沒有印刷技術的時代，同時邀請到登曼波、林建文攝影師，運用現代攝影技術傳遞人物的喜怒哀樂。一場精采的CHARINYEH「蚵畫人生」靜態展，為你道出台灣本土的故事。

「CHARINYEH靜態展－蚵畫人生」
| 場地 | 濕地 venue
| 地點 | 台北市中山區林森北路107巷10號5F

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這篇文章 「蚵畫人生」 用時尚重現50年代台灣西海岸耕蚵風光 最早出現於 城市美學新態度。