城市美學新態度

台南的迷人之處，不只是歷史與文化的百年古都，也匯聚當代藝術的豐沛能量與多元樣貌。3月16日至18日，第六屆台南藝術博覽會盛大登場，共匯聚51間來自台灣與亞洲地區的優質畫廊，展出近180位國內外優秀藝術家的作品。

第六屆台南藝術博覽會隆重登場。圖/取自台南藝術博覽會粉絲專頁。

台南藝術博覽會現場人潮。圖/取自台南藝術博覽會粉絲專頁。

今年，台南藝術博覽會也持續與台南市政府合作，推廣「台南新藝獎」，鼓勵國內新銳藝術家創作。同時，邀請其中3位得主林書瑜、謝佑承與吳家昀，媒合么八二空間、B.B.Art、伊日藝術等畫廊，以主題個展形式參與台南藝術博覽會。

林書瑜 X 么八二空間

有話想說，卻不能傳達給其他人知道，內心會感到鬱悶、與外界有所隔閡。藝術家林書瑜常透過互動感測、機械動力與空間裝置，轉化自身經驗體悟與感知，此次在台南藝博展出的作品《困囿》，便表達這種無法訴說真實情感的痛苦與被困住的情緒。

林書瑜《困囿》。圖/么八二空間提供。

《困囿》運用馬達動力結構高速拋甩棉線，能量從上而下傳達，再反彈回來構成波形，發出令人焦躁的雜音。但不管能量如何傳遞，都是困在棉線的兩個端點間，無處可以宣洩與釋放，就像講話詞不達意、沒辦法跟他人適切互動與交流的狀態。

林書瑜《困囿》在台南藝博展出。圖/邱家琳攝。

而《困囿》的創作靈感來自林書瑜配戴朋友的助聽器，生活將近一個禮拜的體悟。在這一周內，他發現自己的感知被扭曲，看東西或站在捷運站內十分鐘，就滿頭大汗，他也因此深入思索聽障者的處境、自己與朋友之間的生命經驗。

「我發現自己與他們很有共鳴，我過去也曾有封閉的狀態。」林書瑜表示，他以前會迎合外界的期待，很難真實去傳達情感，也不太清楚自己真正的感受到底是什麼，而生命是不斷被堆疊的過程，你只能嘗試去理解與同理對方。

林書瑜《困囿》。圖/么八二空間提供。

謝佑承 X B.B.Art

在新媒體藝術的領域中，許多創作者思辨數位科技與物質的關係。藝術家謝佑承擅長複合媒體與空間裝置，近期以螢光漆為媒材創作，探索視覺經驗的錯視感知，並從材料的角度觀看數位科技。

在台南藝博展出的「Monitor」系列作品，外觀看起來像電視螢幕，但實際上是將螢光漆融入版畫，在黑暗中營造類似數位科技的光線感。如果仔細觀察，能隱約發現繪畫的筆觸、有物質性存在，讓觀者感覺這些作品既是版畫，又像是新媒體。

謝佑承「Monitor」系列作品《No signal》。圖/B.B.Art 提供。

謝佑承「Monitor」系列作品在台南藝博展出。圖/邱家琳攝。

對謝佑承來說，觀看圖片與影像的時候，大家常忽略紙張或電腦螢幕等媒介，現場的物質性雖然微弱，但也很重要。而螢光漆不只可以創造數位畫面的光線感，也能做出自然光的效果，另件作品《夕照》將螢光粉噴在攝影圖像，模擬落日時刻與黃昏情景。

「《夕照》刻意對照古典藝術語言，思索『新』與『舊』是否有其他可能性。」謝佑承表示，藝術一直都在談論光，從最早印象派畫家塞尚（Paul Cézanne）開始，到當代透過新媒體藝術探索真實與光的關聯。

謝佑承，《夕照》，2017年。圖/邱家琳攝。

吳家昀 X 伊日藝術

在遠方生活，記憶中的家鄉與它真實的樣貌，差距可能越來越大。藝術家吳家昀畢業於英國皇家藝術學院動態影像研究所，目前專職影像創作，主題多關注內在情感與對自身文化的省思，交織文本、意識、時間、空間與記憶等元素，營造詩意的氛圍。

吳家昀，《空》，2017年。圖/伊日藝術提供。

前往英國讀書期間，吳家昀發現自己對台灣的記憶日漸模糊，當她重新檢視過去拍攝台灣的自然風景時，發現記憶與現實間存在極大落差。黑白影像中的人事物都是寂寥、荒蕪的，宛如台灣在國際被孤立無援的境遇。

吳家昀，《孤島》，2017年。圖/伊日藝術提供。

《孤島》是一系列動態燈箱作品，每張黑白照片都是台灣的自然風景，人事物皆處於被孤立的狀態。透過黑色箱子封裝，讓光源在影像中閃爍，節奏彷彿呼吸或心跳般變化，光與影像的色彩也形成強烈的對比。

吳家昀，《孤島》，2017年。圖/伊日藝術提供。

「出國後，我跟外國人一樣，對台灣的印象就是很熱鬧，街道上有很多霓虹燈，鮮豔花俏。」吳家昀表示，當她看見以前拍攝的照片，卻發現台灣不是自己想像中的樣子，心裡有些失落，也懷疑台灣到底是不是真的，因此運用彩色 燈光重疊在影像上，象徵自己對台灣忽明忽滅的印象。

吳家昀《孤島》與《空》在台南藝博展出。圖/邱家琳攝。

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城市美學新態度

「2018城南有意思」將於4月1日至4月8日登場，聯手打造今年春天，台北最有意思的嘉年華。

「2018城南有意思」活動記者會邀請多達 20 個串聯與協力單位共襄盛舉，對城南有濃厚情感的名人包括作家小野、臺藝大前校長黃光男、作家趙天儀與歌手黃玠亦一同讚聲，為「2018城南有意思」揭開序曲。

「2018 城南有意思」系列活動熱鬧開跑。圖/中華文化總會提供。

台北城南，層疊著豐厚的文史底蘊，是台北市引以為傲的文藝櫥窗。在這塊文化美地，誕生了臺灣第一座植物園、牯嶺街舊書珍寶街町，與密度最高的博物館群、歷史古蹟與校園。

為了使民眾更認識與重溫台北城、活化南區的人文藝術與獨特魅力，文總舉辦「城南有意思」系列活動，範圍以重慶南路與南海路口為活動核心，串聯周邊14個場館與70多間店家，適逢兒童節假期，展開為期一周以親子為主軸的音樂、戲劇、電影、市集等系列活動。搭配活動，文總也於一樓城南空間NO.1規劃「穿越時空大冒險-認識城南的起點」特展，提供民眾有個認識在地的公共空間。

作家小野表示自己的文學觀與美術涵養都在台北城南養成。圖/中華文化總會提供。

作家小野表示，自己童年就是在城南地區長大，包括聽的音樂、看的書是從牯嶺街買來的，菸酒公賣局球場時常也有拳擊賽、籃球賽，因此從小到大的運動觀、美術觀、文學觀都在城南地區孕育而成。被台灣博物館界譽為永遠的館長的黃光男表示，自己在城南地區當了10年的館長，對這裡有相當深的情感，城南有意思活動不只是活動，更是讓大家看看台北城的文化底蘊，相信文總能好好的充實這裡的把文化性、教育性、美感性。

在「國立歷史博物館」擔任館長十年的黃光男教授，對城南有深刻情感。圖/中華文化總會提供。

為了重溫台北城南的人文藝術，文總特別以趙天儀教授的《牯嶺街》詩作為發想，作為活動背景主題。不但找出詩作中所描繪的欣欣客運1號公車作為宣傳載體，打造城南公車，並節錄詩作，為郵政博物館佈置一張巨幅明信片。趙天儀教授回憶說：「以前常常跑牯嶺街，那時，靠牆就有書，平時找不到的，去牯嶺街可能就能找到，但可惜現在只剩兩家。對城南區濃厚的情感，也傳遞給女兒孫女。」

牯嶺街，好一條街頭的名字，好一座舊書攤的金字塔。當雨後沒有微塵飛揚的時候，當晚風沒有螢火蟲相依為伴的時候，也許是你、也許是我，藉著燈光，且讓咱們在此不期然地邂逅，也不期然地分手罷。《牯嶺街》- 趙天儀

文化總會特別以作家趙天儀教授的《牯嶺街》詩作為發想，化作活動視覺。圖/中華文化總會提供。

文化總會副秘書長李厚慶介紹系列活動表示，4月1日開幕當天會泉州街與南海學園舉辦「城南童樂會」，把旋轉木馬與海盜船置入街道，搭配「紙風車兒童劇團」演出，打造城市遊樂園。4月2、3日雖是上班日，但仍會在南門市場舉辦「城南狂想曲」快閃演出。4月4、5日將在牯嶺街以6個帳棚打造一個大書店，舉辦「春日晒書市集」，也會邀請「蘋果兒童劇團」在南海劇場帶來精彩活潑的兒童劇。4月6、7日將以推廣綠色消費為概念舉辦「春日好好市集」，市集也將納入動保議題，邀請動保團體設攤，使孩子在遊戲中學會尊重生命。

「2018 城南有意思」系列活動記者會現場，來賓雲集。圖/中華文化總會提供。

同時，二二八國家紀念館也將舉辦「城南聽聽歌」草地音樂會以及「星空電影院」，播放得獎電影《幸福路上》與《太陽的孩子》。4月8日「城南Wonderful」將在南海學園壓軸登場，舉辦大型音樂會，以及特色工作坊，為2018城南有意思畫下完美句點。

歌手黃玠表演，為活動揭開序幕。圖/中華文化總會提供。

「2018城南有意思」將於4月1日至4月8日登場。圖/中華文化總會提供。

2018 城南有意思 系列活動 節目表

「穿越時空大冒險 – 認識城南的起點」特展 

「穿越時空大冒險 – 認識城南的起點」特展，展覽設施。圖/中華文化總會提供。

「穿越時空大冒險 – 認識城南的起點」特展，展現城南魅力。圖/中華文化總會提供。

「穿越時空大冒險 – 認識城南的起點」展期自 3月23至5月27日。圖/中華文化總會提供。

2018 城南有意思 系列活動
| 主辦 | 文化總會、台北市政府
| 時間 | 2018 年 4 月 1 日（日）至 4 月 8 日（日）
| 地點 | 台北市城南地區（重慶南路二段與南海路一帶街區）
| 官網 | GACC TAIWAN 

「穿越時空大冒險 – 認識城南的起點」特展
| 主辦 | 文化總會
| 時間 | 2018 年 3 月 23 日（五） 至 5 月 27 日（日）．免費進場
| 地點 | 中華文化總會 城南空間No.1（台北市中正區重慶南路二段15號）
| 官網 | GACC TAIWAN 

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這篇文章 2018 城南有意思開催！台北城南變身城市遊樂園 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

翻開台灣藝術史，1960到1970年代是人才輩出、風起雲湧的時代，歐美前衛藝術風潮與本土美學意識相互激盪，蕭勤、廖修平與霍剛等人留下精彩作品。但身為台灣戰後第一代留歐藝術家的徐寶琳，卻因為英年早逝，名字逐漸被人們遺忘，淹沒在歷史長河之中。

《敬，臺灣》徐寶琳紀念展在人文遠雄博物館隆重登場。圖/邱家琳攝。

為了讓徐寶琳重返藝術史的舞台，他的女兒徐馨慧從20年前開始各方奔走，替逝世的父親舉辦展覽。2016年，徐馨慧委託臺南藝術大學吳盈君教授修護遺作，研究生陳雯婷也發表相關論文《滄海遺珠；徐寶琳油畫作品修護與研究》，同時在臺北藝術大學廖仁義教授的協助下，在國立歷史博物館舉辦「滄海遺珠：徐寶琳遺作展」。

這位曾被遺忘的藝術家，再次被看見與研究，獲得他應有的歷史地位。今年，人文遠雄博物館邀請廖仁義教授擔任策展人，以「敬，台灣」為主題，舉辦徐寶琳紀念展，挑選藝術家在台北、澎湖、大溪與高雄各地的寫生作品，表達他對台灣這塊土地的關注。

藝術家徐寶琳在台灣各地的寫生作品。圖/邱家琳攝。

徐寶琳，《水源路成功教練場砂石廠》，1976年。圖/邱家琳攝。

「徐寶琳曾浪跡天涯，但他生命最後的歸屬是在台灣。」策展人廖仁義表示，徐寶琳是1949年從中國來到台灣的人，曾經離開自己成長的土地，留學歐洲、前往美國，最後又回到台灣，卻因為早逝，導致他跟台灣的淵源沒有被看見，期望透過這次展覽，讓大家看見他與台灣之間緊密的結合。

策展人廖仁義教授。圖/邱家琳攝。

前半生顛沛流離 最終在台灣扎根

徐寶琳生於1932年，出身中國瀋陽的書香家庭，在時局動盪不安、戰爭頻繁的情況下，他獨自跟著撤退人潮前往北京、天津、上海與廣州各地，最後輾轉來到台灣。而無家可歸、沒有經濟基礎的他，透過當時建中校長的協助，寄居校園，並半工半讀完成學業。

20歲時，他考取臺灣省立師範學院美術系(今國立臺灣師範大學)。兩年後，徐寶琳獲得教育部提供的西班牙國家獎學金，成為首批公費留學的藝術家，前往西班牙就讀聖費爾南度皇家藝術院，在當地藝術圈受到重視，開始舉辦個展。

徐寶琳《自畫像》，1987年。圖/徐馨慧提供。

聖費爾南度皇家藝術院是西班牙歷史最悠久的藝術大學，約在18世紀創立，數百年來孕育許多藝術大師。徐寶琳在此接受古典繪畫訓練，從肖像畫的構圖、空間格局與人物穿戴的服裝，都能看見典型的巴洛克藝術風格，其風景畫則展現西方19世紀以來的寫實主義精神。

但好景不常，徐寶琳在旅行紐約期間，替他銷售作品的西班牙藝術經紀商突然過世，頓失經濟來源，於是暫時擱下畫筆，仰賴攝影維生，在當地養家餬口。而攝影也對他日後返台的繪畫風格有深遠影響，許多作品都擁有廣角構圖。

徐寶琳，《風景（臺北）》，1982年。圖/邱家琳攝。

1968年，他回到母校臺灣師範大學美術系任教。直到55歲病逝前，他創作不懈，寫生的足跡橫跨台北、澎湖、大溪與高雄各地，描繪大量城市街景、工廠建築與鄉村風光，並紀錄台灣推動現代化建設與邁向工業社會的歷程。

在他返台教書10多年期間，政府正好推動十大建設計劃，透過機場、鐵路、港口到發電廠等基礎設施，帶動社會與經濟快速成長。過去曾想就讀建築系的徐寶琳，也特別關注城市建築與工業化發展，目前留下的百餘幅作品多數以此為題材。

徐寶琳，《臺北磚廠》，1976年。圖/邱家琳攝。

「在台灣藝術史上，除了徐寶琳之外，很少有藝術家注意1970年代現代化建設與工業化議題。」策展人廖仁義表示，徐寶琳年輕時對攝影、建築與藝術皆有興趣，但考量經濟層面，最終選擇考師大美術系，當時師大不僅能公費就讀，畢業之後也提供教職，相對來說更有生活保障。

策展人廖仁義也提到，徐寶琳對現代化建設的突破，流露一份驚喜之情。1931年生於中國的他，從小經歷戰爭，所處的社會不太可能有所建設，當台灣逐漸進入安定的時代，新的建設總讓他感到興奮，才會畫出這些題材。

徐寶琳，《高雄》，1982年。圖/邱家琳攝。

以畫筆紀錄台灣邁入工業化社會

1970年，澎湖跨海大橋正式完工通車，全長約2494公尺，連接澎湖群島中的兩大島嶼─白沙島與西嶼島，便於居民與遊客來往。它不僅是台灣最長的一座橋，建好當時也曾是東亞第一長的跨海大橋，或許就是因為這些特點吸引徐寶琳前來創作。

《澎湖跨海大橋》的構圖採取寬廣視域，含括海洋、島嶼、村落與跨海大橋等風景。同時，這幅畫也展現徐寶琳精確的寫實功力，他細膩地刻劃土地與岩石的構造、質感與色澤，遠方的聚落還能看見船隻、房屋與漁村生活的樣態。

徐寶琳，《澎湖跨海大橋》，1982年。圖/邱家琳攝。

畫面中央的步道並非澎湖跨海大橋，而是海水漲潮就被淹沒的小路，真正的澎湖跨海大橋則隱約畫於右方。徐寶琳選擇將作品主題藏在這裡，也讓畫面構圖顯得更加獨特。

「澎湖跨海大橋啟用，在台灣是一件大事，對當時的建築技術來說，也是一份驕傲。」策展人廖仁義表示，徐寶琳的作品大多可以分為城市建築與鄉土風景兩類，在台北市中心與近郊外，澎湖的題材也特別多。

《澎湖跨海大橋》局部細節。圖/邱家琳攝。

《澎湖跨海大橋》局部細節，遠方漁村的生活景色。圖/邱家琳攝。

策展人廖仁義也強調，大家很少把工廠當作漂亮的建築或視為創作題材，綜觀台灣美術史發展，除了徐寶琳外，台灣找不到第二位描繪工廠的畫家。徐寶琳能夠掌握這種設施的特色，也顯露他在繪畫的專業技巧與鑽研。

像1978年的作品《楊梅工廠》，兩根煙囪豎立，左右兩側皆有著穩固的金屬線索、試圖保持平衡避免倒塌的設施。徐寶琳在畫布塗抹油彩後，再透過畫刀逐一刮出痕跡，讓工廠建築呈現斑駁不堪的景象，擁有殘破的視覺效果。

徐寶琳，《楊梅工廠》，1978年。圖/邱家琳攝。

「一位好的藝術家，不是在於把東西畫得很美，而是將東西的本質畫出來。」策展人廖仁義說明，梵谷畫的鞋子並不漂亮，他的功力在於把鞋子的破爛感描繪出來，徐寶琳也是將工廠斑駁的氛圍畫出來，讓觀者不想住在這種不舒適的環境裡。

《楊梅工廠》局部細節。圖/邱家琳攝。

值得一提的是，徐寶琳描繪城市建築的題材時，大多都會描繪鷹架，呈現建築物還在建造中的狀態。《臺北街景》留下仁愛圓環1970年代的建設情景，畫面左方為現已拆除的財神大酒店，過去它曾是備受矚目的建築工程，也一度是台北的重要地標。

徐寶琳，《臺北街景》，1978年。圖/邱家琳攝。

無論是鄉村風光、工廠建設或城市建築，從徐寶琳的風景畫中，找不到任何人物存在。針對此項特色，策展人廖仁義以「悲憫滄桑」形容，「滄桑」是景物的變遷、流變的時間痕跡，並帶有些許感傷，而「悲憫」不是同情，是藝術家面對風景變化的心境。

「風景有很多不同畫法，有的藝術家把醜的畫成美的，有的藝術家則是將美的畫為醜的，各有各的表達方式。」策展人廖仁義表示，徐寶琳也有自己的立場與觀點，表面看似冷清，但實際上流露著情感，呈現他觀看景物的心境。

徐寶琳，《澎湖小門嶼》，1982年。圖/邱家琳攝。

出版台灣第一本馬賽克藝術專書

在西方前衛與抽象藝術風行的年代，徐寶琳堅持以寫生風景作為繪畫題材與創作表現。同時，他也是第一位將西方馬賽克藝術引入台灣畫壇的藝術家，在師大美術系教授馬賽克課程之外，也於1973年出版台灣第一本馬賽克藝術專書《嵌畫》，至今仍是台灣研究馬賽克藝術的參考書目。

在油畫藝術興起以前，鑲嵌藝術，也就是馬賽克藝術蔚為流行，西方宗教建築常運用小石塊、玻璃碎片或有色塊狀物拼貼圖案，作為空間裝飾使用。而在中國與台灣文化中，廟宇建築與裝飾品也可以看見類似的創作手法，前輩畫家顏水龍更是台灣第一位將馬賽克鑲嵌表現在公共藝術的創作者。

藝術家徐寶琳生平與台灣大事紀。圖/邱家琳攝。

繼顏水龍之後，徐寶琳與陳景容是第二代研究鑲嵌藝術的畫家。徐寶琳遠赴西班牙求學期間，看見當地許多天主教建築都是採用鑲嵌畫裝飾，並在聖費爾南度皇家藝術院學習如何創作，可惜的是，目前尚未發現他的鑲嵌畫作品。

就讀聖費爾南度皇家藝術院時，徐寶琳也接受大量古典繪畫訓練，學習瓷畫創作。返台任教期間，他以城市街景為題材，持續在瓷板上作畫，但由於溫度與光線損傷，畫面大多褪色，此次在人文遠雄博物館也展出修復後的瓷畫作品。

在人文遠雄博物館展出的素描與瓷畫。圖/邱家琳攝。

除了瓷畫不易保存外，徐寶琳於1987年突然驟逝後，隨著時間流逝，其油畫作品也開始出現劣化情形。直到女兒徐馨慧長大成人後，才開始委託專家修護作品，也在修復的過程中，整理出一百多件作品的時間脈絡。

對於徐馨慧的孝心，策展人廖仁義感嘆地說道，他期望每個台灣藝術家的後輩都能積極奔走，就能免於在美術史上被遺忘的境遇。而身為藝術史研究者，他認為策劃展覽不只是找到場地，也要進入藝術家的世界，從題材與內容去思考，喚起大家對徐寶琳的記憶。

策展人廖仁義接受城市美學新態度專訪。圖/邱家琳攝。

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城市美學新態度

現在，就讓我們搭上時光機，一起作夢、一同幻想！

繼「燈著你回來」、「邂逅那道光」、「創作像海洋，愛你像光」後，2018寶藏巖光節將深化關注寶藏巖現地的直接經驗，以「平行時空」為軸，帶領觀者乘坐「時光機」，穿越寶藏巖的前世、今生、未來。

劉致宏《DELTA》。圖/台北國際藝術村提供。

寶藏巖由60、70年代所興建的自造房舍所形成，建築依山傍水而建，為臺北市絕無僅有的特殊聚落樣貌。2004年寶藏巖正式登入為臺北市第一處聚落形態之「歷史建築」，2010年以「藝居共生」概念引入「寶藏家園」、「AIR駐村計畫」與「閣樓青年會所」作為其營運發展之方向，成立寶藏巖國際藝術村，藉由當代藝術的「創造」與「美感」進入這處充滿「對話」與「痕跡」的寶藏之地。

洪韵婷《影子》。圖/台北國際藝術村提供。

寶藏巖座落於臺北市西南區的城南博物園區，從公館蟾蜍山文化景觀向外擴散至周邊的溫羅汀人文街區；並結合鄰近新店溪沿岸一帶自來水博物園區、客家主題公園至紀州庵文學森林。此區域紀錄了這座城市重要的眷村文化、移民社會、自然生態景觀、水道文化、文學思潮、獨立音樂，孕育出豐富的人文內涵，塑造城南博物園區別具風格的文化生活圈。

置身此地，總會在某些時刻出現時空錯置的經驗，像是搭乘時光機穿梭在過去與未來，而自開村以來，為數眾多的國內外藝術家參與，也不時出現以藝術創作關注寶藏巖的獨特時空經驗。從它的歷史與現況、居民、藝術家與民眾、園區與周遭，爬梳可能的線索。對此，今年策展方向將關注「時間」與「空間」的錯置交會，利用作品展示及其系列活動，觀看寶藏巖過往的時空對話，現在的藝居共生及未來之於城市的角色與定位。

2018寶藏巖光節記者會大合照（藝術村總監、策展人、藝術家）。圖/台北國際藝術村提供。

錯置交會的時空

今年寶藏巖光節透過兩位策展人李德茂及侯昱寬的帶領，以物理論述的理性直觀為出發點，找尋存在於寶藏巖平行時空中的感性語彙。首先，讓我們坐上時光機到宇宙創始之初，在《G先生：關於宇宙創造的小說》書中，造物者第一個在宇宙中創造出的物質，是一張給嬸嬸的椅子。因為先創造了時間，而後又創造出了空間，有了空間，就必須有落腳之處，於是嬸嬸要求造物者給她張椅子。如何想像製造宇宙場所中的椅子，與現實的椅子有何不同？如果都難以窮盡宇宙，那製造宇宙的空間又該如何想像？

姚仲涵《光電獸#6-草地》。圖/台北國際藝術村提供。

接著，我們再次坐上時光機來到1915年，愛因斯坦發表廣義相對論，徹底推翻牛頓力學的絕對時間、絕對空間及重力理論。即使牛頓力學足以解釋日常現象，但它並不是簡化版的相對論，也就是說，相對論發表至今100年，我們依然使用不正確的理論思考所處的世界。然而，對於「平行時空」這個議題，我們是否也錯認了本質上的差異？「宇宙」、「時空」、「錯置」及「平行」，四個關鍵字帶領我們，藉由「藝術作品」重新觀看寶藏巖的記憶。

在光影的折射中、時間的暫留下，它成為一處不容於此處的聚落，如同異質地置入在公館這區域，平行地存於此處。留存著所有的痕跡，卻如同初生於此處般。2018寶藏巖光節透過10位藝術家作品所特有的創造性經驗，從「理性」與「感性」兩個方向來進行提問，重新檢視對於時空的感覺、想像和理解。現在，就讓我們一同搭上時光機，來趟寶藏巖時空之旅。

利安‧摩根《使用壽命終止前》。圖/台北國際藝術村提供。

理性直觀的實驗

作品《光電獸#6-草地》中，姚仲涵敏銳地掌握細微處的線索，作品像是一個有機的裝置銜接兩端，一端是可感的知覺內容，它捕捉環境中的震動能量傳遞；另一端長出一隻似人非人的光電獸，轉換後的聲光流動在綠野地的環境中框出另一種空間。

姚仲涵《光電獸#6-草地》。圖/台北國際藝術村提供。

李德茂的作品《干涉波》以觀測重力波的實驗原型為基礎，透過探討一個測不到的重力波，指出重力波存在的事實。另一方面，作品轉換放大投影的干涉波紋，在展場中成為可感的內容，使觀眾能透過抽象連結，重新對時空經驗產生思考及想像。

李德茂《干涉波》。圖/台北國際藝術村提供。

走進邊境52號，光線和空間之間發生微妙的交互作用，張永達作品《相對感度N°5》中，藝術家藉由熱空氣流動，在空間中創造出一層不穩定的、混沌的動態薄膜。光學的物理現象中，流動的不可預測性所造成的動態折射偏移，在作品中形成一種感性的藝術表達。

張永達《相對感度N°5》。圖/台北國際藝術村提供。

許家禎以GPS定位的方式，找尋對應著十字藝廊牆面所延伸至臺灣島嶼的界線，將界線面向海洋拍攝一張照片，再將照片繪製在展間的牆面上，如同四扇穿越地景的窗戶，重現於窄小的展間中，藉此聯想到繪畫在早期的幾何透視原理、國家領土量測及室內窗戶景致的延伸。

許家禎《有限之線》。圖/台北國際藝術村提供。

感性語彙的呢喃

2011年許哲瑜在邊境71號周遭牆面以抗爭行動為題材繪製大量壁畫，重複出現高舉著雙手的人像，在建築體外繁生。2018年許哲瑜再次回到同樣的創作地點，面對原有斑駁掉落、逐漸消逝的人像，在建築體內創作新的作品，呼應著過往。

許哲瑜《哥哥的肖像》。圖/台北國際藝術村提供。

吳權倫記錄臺灣家家戶戶門口的盆栽景象，除了一般的盆栽樣式，他還注意到臺灣人將充滿工業色彩的藍色塑膠桶當作盆栽使用。盆栽如同移動的土地，藝術家重新以此形製燒製陶器，散布在寶藏巖的鄰里間，同時亦將長時間搜集的檔案放置於山城53屋頂平臺。

吳權倫《街替器》。圖/台北國際藝術村提供。

劉致宏的作品《DELTA》在數學、化學、物理學、符號學等領域，有其各自的用途與意義，在英文裡則意指「三角洲」，而幾何學中成為三角形符號的代表。巨大的發光三角形符號鑲嵌在歷史斷面，理性絕對的幾何符號在感性有機的聚落建物背景中產生強烈對比，可以從不同的距離看見此「標記（Mark）」出寶藏巖聚落的所在。

劉致宏《DELTA》。圖/台北國際藝術村提供。

洪韵婷在作品《影子》，試圖用光將屬於寶藏巖聚落的一切寫於半樓廣場之中，印記於土地之上，只要有光的地方，影子就會出現，這個影子世界所指的是我們的生活，大家所共有的歷史，一直存在，就像現在，河流為它自己存在，是過去的影子，也是未來的影子。

洪韵婷《影子》。圖/台北國際藝術村提供。

另外，賈斯汀‧泰勒‧泰特與利安‧摩根為「2018台北藝術進駐」加拿大籍駐村藝術家，皆以空間裝置呈現進駐寶藏巖國際藝術村後所觀察到的一切，配合策展主軸與自身創作經驗結合，呈現出別於臺灣藝術家的所感所知。

賈斯汀‧泰勒‧泰特《照亮》。圖/台北國際藝術村提供。

利安‧摩根《使用壽命終止前》。圖/台北國際藝術村提供。

2018寶藏巖光節透過策展團隊所規劃的戶內外藝術作品呈現、開幕式活動暨座談、市集、表演藝術、行銷（攝影徵件）活動及深度導覽等內容安排，試圖在3.24至5.6的展期間，帶領觀者反轉、錯置，感受有別過往的此時此地。寶藏巖，其實一直在這裡。

此外，寶藏巖光節今年更特別與實踐大學建築設計系及臺北藝術大學新媒體藝術系跨界合作，攜手於寶藏巖國際藝術村呈現 「輕量級」－跨校工作營，近80位實踐建築二年級與北藝新媒二年級同學，在寶藏巖國際藝術村呈現7座現地製作的結構體，搭配2018寶藏巖光節，與「光」元素結合，「平行」呈現白天與夜晚的兩種表情。

「輕量級」跨校工作營作品。圖/實踐大學建築設計學系提供。

「輕量級」跨校工作營作品。圖/實踐大學建築設計學系提供。

「又在這裡，又在那裡」－2018寶藏巖光節

● 展覽日期／2018.3.24(Sat.)-5.6(Sun.)
● 展覽時間／11:00-21:00(週一公休)
● 展覽地點／寶藏巖(台北市汀州路三段230巷14弄2號)

延伸閱讀：隨地虛構 讓新的風吹過寶藏巖邊境
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城市美學新態度

3月29日至31日，亞洲最大型的國際藝術博覽會，香港巴塞爾藝術展即將開放公眾參觀。今年香港巴塞爾藝術展邁入第六屆，吸引32個國家及地區、248間畫廊參展，規模與聲勢再創新高。

亞洲最大的藝博會─香港巴塞爾藝術展。圖/邱家琳攝。

第六屆香港巴塞爾藝術展，除了頂尖畫廊回歸外，更有28間畫廊首度登場，其中14間來自亞洲及亞太地區，另外14間則是美洲及歐洲的畫廊。

亞洲畫廊佔整體比例高、陣容也相當強勁，香港當地共有26間畫廊展出，印度則有9間畫廊參與。台灣同樣有9間畫廊共襄盛舉，包含耿畫廊、誠品畫廊、尊彩藝術中心、TKG+、Chi-Wen Gallery、就在藝術空間、索卡藝術中心、亞洲藝術中心與安卓藝術。

國際參展畫廊，英國The Modern Institute。圖/邱家琳攝。

台灣參展畫廊，誠品畫廊。圖/邱家琳攝。

在展區部分，今年香港巴塞爾分為「藝廊薈萃」（Galleries）、「亞洲視野」（Insight）、「藝術探新」（Discoveries）、「策展角落」（Kabinett）、「藝聚空間」（Encounters）、「光映現場」（Film）、「藝文出版」（Magazines）等七個專區。

香港巴塞爾今年分為七個展區。圖/邱家琳攝。

其中，由策展人格拉斯坎特（Alexie Glass-Kantor）規劃的「藝聚空間」，展示全球知名藝術家創作的大型雕塑與裝置。作品展出形式突破傳統展會展位的界限，沒有特別設計專區，在展會現場寬闊的大道上呈現，給予觀眾另一番的藝術體驗。

今年，「藝聚空間」共有12組/位藝術家、12件作品，主軸聚焦在人與物件互動。有些作品需要大家直接參與，有些作品則會反映或投射觀者身體，或讓人們成為作品的一部分。

「藝聚空間」專區，Nyapanyapa Yunupingu《Gäna (self)》。圖/ Art Basel HK 提供。

「藝聚空間」專區，Alfredo & Isabel Aquilizan《Left Wing Project (Belok Kiri Jalan Terus)》。圖/ Art Basel HK 提供。

德國藝術家烏拉．馮．勃蘭登堡（Ulla von Brandenburg）長期關注劇場、空間、時間與動態等概念，探索過去的故事、儀式與符號如何影響現今社會。此次，她在香港巴塞爾展出的裝置《七塊幕布》（7 Curtains），由一組七面極大的彩繪布幕構成，外觀與戲劇舞台相似。

當參觀者走過用繩索搭建的門洞，會發現裝置內放了許多日常用品，令人聯想這個空間即將、已經或可能發生一些事情。這些宛如面紗的布幕，就像幻想與真實生活之間的媒介，將觀眾隔離於現實之外。

「藝聚空間」專區，德國藝術家烏拉．馮．勃蘭登堡《七塊幕布》。圖/ Art Basel HK 提供。

日本藝術家大卷伸嗣（Shinji Ohmaki）的作品同樣給予觀者想像空間。《臨界之氣—時空》（Liminal Air Space-Time）以絹布為媒材，透過系統程式操控，並隨著燈光、溫度與濕度等自然因素影響，讓半透明的布料持續晃動與變化，進而使觀者感受重力與時間的關係。

在空間流動飄浮的絹布，不僅消除人們對身體與想像之間的界線，也創造類似禪觀或日式庭園的冥想空間。觀者更可以透過絹布的動態與狀況，對存在的脆弱與不確定性提出反思。

「藝聚空間」專區，日本藝術家大卷伸嗣《臨界之氣—時空》。圖/邱家琳攝。

「藝聚空間」專區，日本藝術家大卷伸嗣《臨界之氣—時空》。圖/ Art Basel HK 提供。

對印度藝術家蘇伯德．古普塔（Subodh Gupta）來說，最平庸的即是最神聖的，廚房裡的鍋碗瓢盆象徵印度文化，食物則是他最重要的創作主題。《開始．結束》（Start. Stop）以類似迴轉壽司的輸送帶構成，大量閃閃發光的便當盒與鍋子在上方來回移動，暗示食物沿著時間穿越世界之中。

同時，這件作品也講述印度的生活與文化。在人潮洶湧的孟買大街，許多便當外送員「達巴瓦拉」（dabbawallas），懷抱熱情好客的心意，以手推車販售自家新鮮製作的便當，在瞬息萬變的城市環境中不斷走動。

「藝聚空間」專區，印度藝術家蘇伯德．古普塔《開始．結束》。圖/邱家琳攝。

2018香港巴塞爾藝術展 展覽資訊

貴賓預展（只限獲邀請人士出席）
2018年3月27日（星期二）
2018年3月28日（星期三）

開幕之夜
2018年3月28日（星期三）下午5 時至9 時

公眾開放日
2018年3月29日（星期四）下午1 時至9 時
2018年3月30日（星期五）下午1 時至8 時
2018年3月31日（星期六）上午11 時至下午6 時

地點：香港會議展覽中心（香港灣仔港灣道1號）

延伸閱讀：亞洲最大的藝博會 2017香港巴塞爾藝術展
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城市美學新態度

台北當代藝術館 2018 年 03 月 26 日至 04 月 01 日於 MOCA Studio 實驗展場展演 河床劇團 -《開房間計劃：腹語術》，讓戲劇施展魔法，賦予生活周遭無生命物件話語權，針對單一觀眾量身打造的表演實驗。

《開房間計劃：腹語術》打破觀眾與表演者之間的界限。圖/ 台北當代藝術館 提供。

展演期間限定43個場次43位觀眾1分鐘內全數預約完畢

《開房間計劃：腹語術》於 3 月 19 日中午開放預約，3 月 26 日至 3 月 30 日間短短五天 43 場的限定演出，在一分鐘內全數預約完畢！河床劇團常年累積演出口碑，其「開房間計劃」強調「一次只為一位觀眾」的精心安排引起廣大迴響。未能成功預約的民眾，仍可把握 3 月 31 日至 4 月 1 日這兩天的週末，於開館時間進入 MOCA Studio 實驗展場參觀，遊走在劇場空間中注入獨自想像的戲碼。本劇特別與「美國格林奈爾學院國際交流事務處」（The Grinnell Institute for Global Engagement）合作，激起國際間藝術能量的交流。

《開房間計劃：腹語術》建構表演、空間、觀眾的立體思維。圖/ 台北當代藝術館 提供。

「開房間計劃」將展場打造成抽離現實的奇幻劇場空間

河床劇團「開房間」系列計劃於 2011 年首演，建構表演、空間、觀眾的立體思維，藉此打破觀眾與表演者之間的界限，2013 年起將現場表演帶入美術館，結合展覽與演出的實驗受到各界矚目。此次在台北當代藝術館展演的《開房間計劃：腹語術》將展場層層切割，觀眾小心翼翼地彎腰進入窄小的入口後便發現被隔牆所包圍，完全與外界現實隔絕，不自覺沉浸在詭譎奇幻的氛圍中，在不同的空間轉移，感官與注意力都集中放大同時，戲也隨時上演著，提供零距離的親密互動。

《開房間計劃：腹語術》將展場打造成抽離現實的奇幻劇場空間。圖/ 台北當代藝術館 提供。

《開房間計劃：腹語術》跨越了視覺藝術與表演藝術之間的界線。圖/ 台北當代藝術館 提供。

| 河床劇團 |

河床劇團成立於 1998 年，以「意象劇場」的創作理念，跨越了視覺藝術與表演藝術之間的界線。評論家曾讚賞河床劇團這些有機、深具雕塑性的「潛意識」劇場作品，可與山繆‧貝克特及大衛‧林區最精湛的作品相比。近年參與的藝術節包括：法國亞維儂off戲劇節、德國想像國際偶劇節、臺灣國際藝術節、臺北國際劇場藝術節、高雄衛武營玩藝節、臺北藝術節、臺南藝術節及臺北混種現場藝術祭。

| 郭文泰 導演 |

河床劇團藝術總監，西北大學表演藝術研究博士，已編導過四十多齣原創的意象劇場作品，演出足跡包括巴黎穆浮塔劇院、亞維儂絲品劇院及走索人劇院、德國斯圖加特 JES 劇院、新加坡濱海藝術中心、溫哥華泰勒斯劇院等。他也是裝置藝術家及雕塑家，作品曾於亞洲藝術雙年展、威尼斯雙年展及神戶雙年展展出。目前亦擔任格林奈爾學院劇場舞蹈系系主任暨副教授。

導演 Director／郭文泰 Craig Quintero。圖/ 台北當代藝術館 提供。

| Andrew Kaufman 導演 |

南佛羅里達大學藝術碩士，現任美國格林奈爾學院藝術與藝術史系系主任暨副教授。創作形式多樣，包括錄像、雕塑、繪畫、數位影像等，作品曾被收錄於藝術期刊 New American Painting，並常於美國各地展出，2013 年曾於台北國際藝術村擔任駐村藝術家。曾與河床劇團合作《unspoken》及《開房間計劃―催眠》於澳門。

導演 Director／Andrew Kaufman。圖/ 台北當代藝術館 提供。

「開房間」計劃：親密的藝術 講座
時間 | 2018/03/31 sat. 14:30-15:30
地點 | 台北當代藝術館一樓活動大廳
講者 | 郭文泰/河床劇團導演
官網 | 開房間計畫 – 腹語術

延伸閱讀：亞洲最大的藝博會 2017香港巴塞爾藝術展
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這篇文章 《開房間計劃：腹語術》 Ventriloquism: Just for You Project 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

3月27日至4月1日，香港藝術月三大展覽之一，以聚焦亞洲、創新實驗聞名的香港Art Central，磅礡登場。

香港Art Central磅礡登場。圖/Art Central 提供。

今年Art Central邁入第四屆，吸引102間畫廊前來參展，其中超過75%的畫廊來自亞太地區，刷新歷年紀錄，持續作為亞洲區域的藝壇盛事。同時，也作為國際藝術探索與實驗平台，展示藝術大師經典與新銳藝術家作品。

Art Central邁入第四屆。圖/Art Central 提供。

「在短短四年間，Art Central 已發展成為亞洲區內的藝壇盛事，雲集國際收藏家、藝術愛好者及普羅大眾。」Art Central常務總監Charles Ross表示，他們作為影響深遠的藝術展會及文化交流平台，地位不斷提升，而他們亦期待為大家精心搜羅出類拔萃的藝術傑作。

吸引102間畫廊前來參展。圖/Art Central 提供。

Art Central 作為國際藝術探索與實驗平台。圖/Art Central 提供。

Art Central 展會總監楊淑茵表示，在2018年度的Art Central，精挑細選的參展藝廊將呈獻連串精彩的個展及群展，參展者包括獲得藝術機構支持的藝術大師、在市場上實力雄厚的藝術家，以至才華洋溢的新晉菁英。

像總部設在倫敦的畫廊Paul Stolper，便帶來當代藝術市場寵兒、英國藝術家達米恩．赫斯特（Damien Hirst），於2014年的經典系列作品「Schizophrenogenesis」。他企圖透過醫藥瓶、盒子、安瓿、注射器、手術刀與藥丸等元素，探索生命與死亡的意義。

英國藝術家達米恩．赫斯特的系列作品「Schizophrenogenesis」。圖/Art Central 提供。

美國藝術家托尼·奥斯勒（Tony Oursler）與瑞士藝術家諾特·維塔爾（Not Vital），則於1977年創辦、北歐當代知名畫廊Galerie Forsblom同場展出。他們兩位皆為21世紀重要的多媒體藝術家與裝置藝術家，作品大膽前衛，影響人們的視覺感官與心理體驗。

瑞士藝術家諾特·維塔爾在Art Central 展出作品。圖/Art Central 提供。

致力推廣中國與國際當代藝術作品的李安姿當代空間，此次展出中國藝術家呂山川的繪畫作品。《海No.4》以新聞媒體圖片作為素材，在畫布上層層堆疊描繪，形成一幅幅巨大而厚重的油畫，反映他對社會事件的看法。

中國藝術家呂山川《海No.4》。圖/Art Central 提供。

除了現代藝術大師之外，Art Central也雲集多位優秀的新銳藝術家，勇於挑戰當代藝術的界限。馬來西亞藝術家安妮沙末（Anne Samat）常透過蒐集的現成品與城市瓦礫，編織為活潑鮮明的紡織雕塑，作品最近也廣受歡迎，受邀到橫濱三年展與挪威VestfossenKunstlaboratorium美術館展出。

馬來西亞藝術家安妮沙末《Alpha and Omega》。圖/Art Central 提供。

展覽邀約不斷的法國藝術家洛朗．馬丁（Laurent Martin, 又名Lo），擅長以竹子創作雕塑，去年也曾來到台灣，為台南吳園藝文中心設計隨風流動的巨型裝置。此次在Art Central展出的作品，《Flying Junk》線條自然流暢，宛如中國書法般和諧優美，讓觀眾感受竹子的物理與精神特性。

法國藝術家洛朗．馬丁《Flying Junk》。圖/Art Central 提供。

Art Central 2018 展覽資訊

VIP 預覽(只限邀請)
2018 年 3 月 26 日(星期一)下午 2 時至 5 時

開幕夜
2018 年 3 月 26 日(星期一)下午 5 時至 9 時

公眾參觀時間
2018 年 3 月 27 日(星期二)上午 11 時至下午 5 時
2018 年 3 月 28 日(星期三)上午 11 時至下午 5 時
2018 年 3 月 29 日(星期四)上午 11 時至下午 9 時
2018 年 3 月 30 日(星期五)上午 11 時至下午 7 時
2018 年 3 月 31 日(星期六)上午 11 時至下午 7 時
2018 年 4 月01 日(星期日)上午 11 時至下午 5 時

地址：中環海濱活動空間 (香港中環龍和道9號)

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這篇文章 聚焦亞洲與創新實驗 2018年香港Art Central 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

東歐雕塑家 – Stefan Papco 藉由作品，刻劃特定環境與社會長期以來的發展與互動。本次台北個展 「Vertical．垂直線」源自其親身的登山經歷，隱喻斯洛伐克民族由共產體制到爭取民主自由過程中的漫長掙扎。

年輕有潛力的雕塑家 – 史蒂芬帕博丘 （Štefan Papčo，前捷克斯洛伐克，1983年生）現居住與創作於斯洛伐克。史蒂芬帕博丘常藉由雕塑，刻劃特定環境與社會長期以來的發展與互動。透過當代視角詮釋阿爾卑斯山巒的景色，並以「願處於生命危險邊緣狀態的知名登山者們」為主軸創作。

帕博丘認為在險峻氣候和地勢條件下形成的登山文化值得長期觀察並為其創作。

史蒂芬帕博丘 Štefan Papčo。圖片 Bluerider ART 提供。

帕博丘擅長掌握多種媒材材質，更常憑藉其細膩手法與獨特少見的題材概念，榮獲多項大獎。包括 2015 年獲得「斯洛伐克 NOVUM Foundation」首獎、2013 年「德意志銀行基金會藝術獎」年輕藝術家獎項、2011 年「紐約布魯克林 Dumbo Arts Festival的Best Open Studio 獎」等，實力與潛力備受多方肯定。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

此次個展 「Vertical．垂直線」源自阿爾卑斯山群中一條最長也最艱鉅的登山路徑「Psycho Vertical」。對於熱愛登山的帕博丘，這條路徑不僅代表對於登山者的極限挑戰，也隱喻斯洛伐克民族由共產體制到爭取民主自由過程中的漫長、艱辛與掙扎。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

帕博丘將登山者的經歷，透過對大自然獨到的體察，以冷調、內斂的調性和線條刻劃面對未知的勇氣與挑戰；他本身也以一位登山家的角色，自十年前起，進行長時間的登山計畫「Citizen．公民」，將作品帶進大自然更迭的氣候環境並融入其中，用行動實踐將想法與創作作連結。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

| Bluerider ART 藍騎士藝術空間 |

Bluerider ART 藍騎士藝術空間秉持「當代藝術國際新視界，提供亞洲收藏新領域」的信念，長期代理經營歐美當代藝術家，為亞洲少數以西方當代藝術為主軸並具指標性的畫廊之一。2018年開春第一檔推出雙個展，首次展出兩位新代理藝術家，分別來自前捷克斯洛伐克的雕塑家 – 史蒂芬帕博丘（Štefan Papčo）和德國藝術家 – 克里斯蒂安格琳（Christiane Grimm），呈現東西歐當代藝術截然不同的風格與調性。

Bluerider ART 雙個展：「垂直線Vertical」、「Transformation」
展期 | 2018 年 3 月 17 至 2018 年 4 月 28 日
時間 | 仁愛館 週二至週六 9 : 00 – 18:00．敦仁館 週一至周日10:00 – 19:00 
地點 | 仁愛館 台北市大安區仁愛路四段 25 – 1 號 9、10 樓．敦仁館 台北市大安區大安路一段 101 巷 10 號 1 樓 

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這篇文章 《Vertical．垂直線》將山稜挑戰化作細膩雕塑 東歐藝術家 – Stefan Papco 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

克里絲蒂安格琳（Christiane Grimm，德國，1957年生）以建築師與藝術家的身份活躍於德國斯圖加特、柏林與海德堡。畢業於斯圖加特大學建築所，作品獲收藏於德國海德堡市政府、德意志銀行，以及私人美術館 Das Kleine Museum，並擁有多項私人收藏紀錄。

圖片 Bluerider ART 提供。

格琳由建築結構觀點出發，創作結合層次性的幾何與色彩，將偌大空間中光影與知覺互動關係，透過與觀者的互動呈現。利用圖形疊合起的不明確性，將客觀的構圖移交主觀詮釋，並傳遞幾何擴張而成的漸變美感。

圖片 Bluerider ART 提供。

過去於金屬、玻璃或紙材上的繪畫，以二維的色彩和結構組織起畫面，因油彩的飽和光澤及載體 的物理反射特性，曖曖映出空間的深度，鮮活的色彩組合則帶出作品的脈動。

近期，格琳更將創作層次推向三維的探索，疊合單色或無色的有機玻璃(plexiglass)，俐落劃分空間的同時也模糊色與色的絕對區隔，作品表面的波狀處理，看似發散了感知的維度，卻為靜態作品添加了動態元素，並建起觀者與作品的連結。

圖片 Bluerider ART 提供。

圖片 Bluerider ART 提供。

藝術家 克里斯蒂安格琳  Christiane Grimm。圖片 Bluerider ART 提供。

| Bluerider ART 藍騎士藝術空間 |

Bluerider ART 藍騎士藝術空間秉持「當代藝術國際新視界，提供亞洲收藏新領域」的信念，長期代理經營歐美當代藝術家，為亞洲少數以西方當代藝術為主軸並具指標性的畫廊之一。2018年開春第一檔推出雙個展，首次展出兩位新代理藝術家，分別來自前捷克斯洛伐克的雕塑家 – 史蒂芬帕博丘（Štefan Papčo）和德國藝術家 – 克里斯蒂安格琳（Christiane Grimm），呈現東西歐當代藝術截然不同的風格與調性。

Bluerider ART 雙個展：「垂直線Vertical」、「Transformation」
展期 | 2018 年 3 月 17 至 2018 年 4 月 28 日
時間 | 仁愛館 週二至週六 9 : 00 – 18:00．敦仁館 週一至周日10:00 – 19:00 
地點 | 仁愛館 台北市大安區仁愛路四段 25 – 1 號 9、10 樓．敦仁館 台北市大安區大安路一段 101 巷 10 號 1 樓 

延伸閱讀：亞洲最大的藝博會 2017香港巴塞爾藝術展
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這篇文章 以玻璃的幾何漸變 擴張感知的維度 – 克里斯蒂安格琳  Christiane Grimm 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

「每座山水都是個大生命，岩層是它的身軀、樹林是它的肌膚、風雲是它的呼吸、溪流是它的血脈，蟲魚鳥獸人是它無盡的欲念。」- 藝術家 鄭福成

藝術家 鄭福成。圖/ 丁紹原攝。

藝術家 鄭福成，2017 年大型個展《江山如此多嬌 – 鄭福成當代山水展》於新北市 人文遠雄博物館 登場，為其近年來最大的回顧展。《江山如此多嬌》意為「大自然如此美麗。」這聲詠嘆，不僅來自藝術家對於臺灣四時風物與山川河脈的熱愛，更折射出其對於生活的甜蜜與生命的喜悅。

《江山如此多嬌》 鄭福成當代山水展。圖/ 鄭福成提供。

鄭福成，1954 年出生於古稱「二八水」的彰化縣二水鄉。北倚八卦山、南臨濁水溪，八堡圳、十五莊圳涓涓地淌過斯民生息的土地。從小便展現繪畫天賦的鄭福成，即在這樣一派依山傍水的典型臺灣農庄中，形塑了對於世界的初始印象。對於大自然的熱愛，更是後來藝術家鍾情於山水間的重要養分。

升學期間，考慮到當時國立臺灣師範大學為公費校系；對於當時出身清貧農家、 力爭上游的鄭福成，無疑是夢幻的第一志願。經過一番苦練，終以最高分數，錄取臺灣師範大學美術系就讀。

《八卦山與文武廟》- 2011。圖/ 鄭福成提供。

「大一大二時，學校主要訓練學生的繪畫基本功，因此素描、油畫、國畫的課程非常紮實。到了大三要依照適性分成西畫組與國畫組時，我兩者都很熱愛而曾陷入抉擇。但考量到水彩、油畫材料對當時的我仍是一筆負擔，種種因素讓我最後選擇了國畫組。」

當時，臺灣藝術教育資源有限，想在西洋繪畫表現上精益求精，不少人選擇負笈海外求學。而相較於投資西畫的高成本，僅需要筆、墨、硯台的傳統書畫就較為便利，價格上也是學生時代的鄭福成所能負擔。加上《谿山行旅圖》、《早春圖》、《萬壑松風圖》、「宋代四大家」、「元代四大家」等，享譽國際的故宮博物院藏品與文獻資料可就近接觸，更滿足鄭福成的學習渴望。

《飛越東海岸》- 2015。圖/ 鄭福成提供。

雖然當時鄭福成選擇了國畫組，卻未曾放棄西畫的修習，反而同步充實了東、西方兩種畫派的技法。彼時，更曾以西畫作品報名「臺灣省全省美術展覽會」（今全國美術展與臺灣美術雙年展）獲得佳作殊榮。1977 年於臺灣師範大學美術系國畫組第二名畢業後，持續創作不輟。先後於 1983 年參與國立歷史博物館的韓國國際現代水墨特展、1984 年臺北市立美術館《新展望》特展與 1996 年國立臺灣美術館之個展等，成就斐然。

鄭福成出身自臺灣首屈一指的藝術畫苑，卻未曾被古舊思維所束縛；反而透過結合水墨、壓克力與油彩等，跳脫傳統繪畫的框架，重新演譯東西方繪畫結合的可能性。

除了結合各方繪畫技巧與理論觀點外，鄭福成更從當時崇尚復古的表現形式中解放，以回歸臺灣風土情懷思考作品，走出一條屬於自己的創作之路。

圖左右《江山如此多嬌》系列 – 2014。圖/ 鄭福成提供。

臺灣島，七成面積為山岳，其中海拔 3,000 公尺以上的高峰就超過 269 座，是全世界高山密度最高的島嶼之一。山與臺灣人，始終是相生相伴的關係。不論是臺灣平埔族群、原住民，臺灣民間信仰普遍認為萬物有靈。小至一花一草、大到整個山嶽溪河，整個世界就是一個圓滿的生命體。

「臺灣傳統文化深深影響我們對於山林的看法：世界就是一個生命體：岩石有『石頭公』、樹木有『大樹公』。用現代的角度來看，大自然就是個龐大複雜的生態體系。如果保護的好，生態就會繁茂昌盛，如果破壞了山林，自然就會遭受浩劫，最終反撲人類。」

圖左起《紅牆鄉居》- 2011、《金門一隅》- 2012。圖/ 鄭福成提供。

大自然即是生命，萬物生息繁衍有其神明。鄭福成在描繪心中山水的同時，也將人類的愛恨情仇，借喻於沉浮天地間的蟲魚鳥獸。

現代人的生活被各種欲望所維繫支撐，如有一方過多或過少，都會讓生態體系衰敗或興盛。繪畫中，磅礡而抽象的天地、山體與海洋，搭配上渺小的人類、屋廟及景物，除了有北宋時代「巨碑式」山水的繪畫風格，更隱喻人類面對宇宙大自然終究要保持謙卑之心。

《雲橫秀嶺》- 2013。圖/ 鄭福成提供。

早期的鄭福成生活苦悶，身體又有氣喘症狀，沉甸甸的生活壓力讓創作氛圍也相對抑鬱。後來透過運動健身改善體質，而夫妻生活的扶持相伴，更重新地找回動力。

如今不論是家庭的甜蜜或生活的喜樂，都讓鄭福成的創作迸發出繽紛亮麗的色彩。熱愛運動的鄭福成與妻子伉儷，各大馬拉松競技賽、爬山、慢跑無役不與，體適能仍然保持在壯年狀態。

「為了心愛的創作，我要好好地保持好體力，一直畫下去。」慢跑時的一吐一息講求跑者的步伐節奏與身體律動，藝術創作也是如此。鄭福成有時能為一件創作，來來回回細調、修改數十回。

「有時確定不再動筆了，每天看著看著，還是會忍不住地修飾一些細節，因此我每當畫到一個階段，就得攝影保存，因為這些畫面可能再過不久，又要全盤改變。」

「我認為創作是種持續性的行為，所以當你看到以前有所不足的作品，就會有動力與慾望，想繼續修改它。」而正因為經常保持「身體小宇宙」的健康運行，使鄭福成至今仍保持創作的高度熱情。

《群鳥》- 2010。圖/ 鄭福成提供。

《奇幻之旅》- 2010。圖/ 鄭福成提供。

鄭福成每一段時期的創作風格大相逕庭，自成一格的繪畫表現，舉凡傳統、寫實、表現主義、立體主義、民俗或母性崇拜，都能發揮自如。除了來自學院訓練與長年鑽研繪畫外，更多是參透生命歷程的體悟而成。

「我認為畫畫是先有想法才有畫法。它不是單靠技術讓畫面看起來漂亮而已，繪畫是要表現出對於事物的見解。不論是古典、寫實、印象派、立體主義，其實都是想法來驅動畫法的改變。」

在鄭福成的觀念中，人的世界分為外向跟內向。外向世界固然多樣繽紛卻有限，唯有深入自己的內心世界、實際置身於生命的氛圍中，才能找到更多重要的東西，內心才是無止盡的寶藏。

「我常常在作畫時問自己，為什麼要這樣畫？為何要選擇這個顏色？這形狀為什麼這麼美？這樣的搭配又會對畫面與架構產生怎樣的影響？複製自然可以交給相機，畫畫則是透過自己的思考與情感去感動人。如果只是一直鑽研畫技，卻沒有思想，那作品便沒有靈魂去感染別人。」

繪畫創作就是種「修」，是心境的修行、繪技的修道與自我的修為。每一次的落筆與著色，都是自己對生命的提問與省思。

《紅葉滿林間》- 2006。圖/ 鄭福成提供。

書法有著閱讀的功能性與審美的藝術性，而慣於打破現狀、追求獨特表現形式的鄭福成，這番創新性也展現在舞文弄墨的書藝上。

「曾經，我的高中美術老師曾經問我：『為什麼要把書法寫成這樣？』我回答，因為我想要打破框架、跳脫出傳統，把書法字跟繪畫結合在一起，寫出臺灣的特色跟美感。然而，後來證明我是對的，我果然寫得比老師還好。」每個時代對於工具的使用與藝術的看法都不一樣，在鄭福成充滿想像力的筆觸之中，看見藝術另一種的詩意與表現縱深。

《抱樸守真》- 2015。圖/ 鄭福成提供。

江山如此多嬌，歲月何等甜蜜。回首漫長的藝術之路，鄭福成認為自己已是幸福的創作者：「我的家庭、藝術創作，再到整個生命，都算蘊含在『江山』的概念之中。像我們這種年紀，會發現生命的流程是很可愛的。我很珍惜所走過的生命路途，因此會將很多生命的回憶與歲月的想法，也放在畫面之中，兩相對應。」

從西方巴比松畫派的畫師們開始走向楓丹白露森林，描繪心中的風景，到東方集大成的南北宋書畫大家，揮灑「物我兩忘」的山水昇華，都有著一股致力於探索大自然內在生命，追求「萬物一體」的和諧宇宙觀。1970 年代，臺灣本土意識復甦，藝術家著眼探索腳下熟悉而陌生的土地。解嚴後，臺灣文化藝術發展，更是迸發出了多元的風格與豐富的種類。

選擇以臺灣山水作為出發點，在家庭的樂園中尋求內心藝術淨土的鄭福成，持續不隨波逐流、恣意創作，盡享歲月如茵的靜好江山。

《粉紅山》- 2015。圖/ 鄭福成提供。

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這篇文章 《江山如此多嬌》 鄭福成心中的絢爛山水 最早出現於 城市美學新態度。

城市美學新態度

在香港添馬公園，不僅能欣賞維多利亞港與沿岸摩天大樓的美景，也有著翠綠的大草坪，提供遊客散步、野餐或閒坐。而與其相連的中西區海濱長廊，現在更成為香港首個國際級雕塑公園「藝遊維港」（Harbour Arts Sculpture Park），展示20位藝術家、22件藝術品，帶來全新的視覺體驗。

Conrad Shawcross《Paradigm》。圖/邱家琳攝。

草間彌生《Pumpkin: big》。圖/邱家琳攝。

「藝遊維港」由香港藝術中心主辦、英國皇家藝術學院藝術總監Tim Marlow、日本森美術館館長暨香港藝術學院藝術教育國際總監南條史生共同策展，邀請國際藝術家與香港在地創作者參與，期望為藝術品、海岸、城市與觀者之間，留下有趣難忘的互動。

Michael Craig-Martin《Gardenfork (magenta)》。圖/邱家琳攝。

「藝遊維港正是香港藝術中心的代表作——我們是個開放平台，讓藝術、藝術家、教育家與公眾交流，引起關注，並互相影響。」香港藝術中心監督團主席梁國輝先生表示，他們相信藝術和創意的力量能為不同社區穿針引線，讓社區市民生活更安康。今年正值香港藝術中心40 周年，這次活動將更別具意義。

Antony Gormley《DAZE VI》。圖/邱家琳攝。

「我衷心希望這個無牆的博物館，能進一步鞏固香港國際藝術中心地位。」策展人Tim Marlow 表示，他很榮幸能夠挑選出不同媒體、文化、年齡及身份的藝術家，以各種方式呈現在世界最美的天際綫之下，並讓他們的作品得以與大眾互動，締造出一個精彩的藝術創舉。

曾敏富《Before Collapse》。圖/邱家琳攝。

● 瑞胥德‧阿爾恩《Hong Kong Blues》

巴基斯坦裔英國籍藝術家瑞胥德‧阿爾恩（Rasheed Araeen），生於1935年，早年接受土木工程訓練，是極簡主義雕塑的先鋒之一。1970至1990年代，他發表許多行為藝術、攝影、繪畫與雕塑作品，挑戰歐洲中心主義的觀念。

此次，他也特別為「藝遊維港」創造新作品，以藍色的十字型線條，在中西區海濱長廊重複堆疊出《Hong Kong Blues》。無論從哪一個角度欣賞，都能看到不同的高低起伏。

瑞胥德‧阿爾恩《Hong Kong Blues》。圖/邱家琳攝。

同時，《Hong Kong Blues》也呼應香港建築「中銀大廈」，試圖為藝術與城市之間產生新的連結。「中銀大廈」是香港最知名的建築之一，由享譽國際的美籍華裔建築師貝聿銘操刀設計，他運用三角幾何圖案打造竹子造型的摩天大廈，讓建築在陽光下呈現不同的空間感，象徵生機茁壯、節節向上。

瑞胥德‧阿爾恩《Hong Kong Blues》。圖/邱家琳攝。

● 漢克‧威利斯‧湯瑪斯《The Truth Is I Love You》&《Ernest and Ruth》

美國藝術家漢克‧威利斯‧湯瑪斯（Hank Willis Thomas），創作主軸大多圍繞種族、身分、歷史與流行文化等議題，探索不同文化對語言與事實的理解。在香港藝術中心附近，他打造兩個以卡通對話框為題材的作品，一個放在人行道的大樹旁，一個放在門口外。

《The Truth Is I Love You》是一座大型的鋼鐵樹，每個分支如同白紙般，寫上不同中文、英文與廣東話文字，拼湊成句子「The truth is I love you! 事實上係我愛你！」。隨著觀者站在不同的位置，每個人都會有不同的見解，讓作品的意義留給觀者詮釋。

漢克‧威利斯‧湯瑪斯《The Truth Is I Love You》。圖/邱家琳攝。

漢克‧威利斯‧湯瑪斯《The Truth Is I Love You》。圖/邱家琳攝。

另件作品《Ernest and Ruth》則是一個巨大的對話框，它既是雕塑，也可以作為長椅，供人們攀爬、坐著休息，或在其中互相交流。對此，他表示：「當觀眾身處於藝術品時，我鼓勵他們去思考生活在自己的言論與信仰之中意味著什麼。」

漢克‧威利斯‧湯瑪斯《Ernest and Ruth》。圖/邱家琳攝。

● 高倩彤《清幽翠綠》

高倩彤是香港最具潛力的年輕藝術家之一，擅長運用霓虹燈創作文字造型的裝置，反映城市居住問題。此次，她透過綠色霓虹燈勾勒「清幽翠綠」四個字，點亮灣仔西園，與周圍草木青翠的環境相互對照，令觀者反思文字在房地產扮演的角色。

高倩彤《清幽翠綠》。圖/邱家琳攝。

「清幽翠綠」經常出現在香港房地產的廣告中出現，又特別指香港西半山豪宅區的網路廣告。高倩彤試圖以大膽明亮的文字，提出「香港是否真的有清幽翠綠的自然景色」、「灣仔西園算不算清幽翠綠」等疑問，探索房地產商是否以誇大手法去吸引人們購買。

作為香港藝術家，高倩彤近距離觀察城市與市民。對此，她感到好奇，卻又認同他們因珍藏物品而形塑的價值觀，並觀察這些物件是如何反映人們的生活，投射哪些心理作用，或者他們所期望的生活方式。

高倩彤《清幽翠綠》。圖/取自Harbour Arts HK。

藝遊維港 Harbour Arts Sculpture Park 展覽資訊

日期：2018 年2 月22 日至4 月11 日
地點：中西區海濱長廊至灣仔一帶
參展藝術家：Rasheed Araeen（英國）、Michael Craig-Martin（英國）、Tracey Emin（英國）、何冠廷（香港）、Jenny Holzer （美國）、金泓錫（南韓）、Antony Gormley（英國）、鄭國谷（中國）、草間彌生（日本）、 Tony Oursler （美國）、Conrad Shawcross （英國）、Bosco Sodi （墨西哥）、Hank Willis Thomas（美國）、曾敏富（香港）、Mark Wallinger （英國）、展望（中國）、王志勇（香港）、黃國才（香港）、黃榮法（香港）， 及高倩彤（香港）。

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城市美學新態度

「2018台北雙年展」策展主題「後自然：美術館作為一個生態系統」正式公布，由策展人吳瑪悧與范切斯科．馬納克達（Francesco Manacorda）共同訂定。兩位策展人將以此論題探究自然生態系統持續演變的特質，以及這項特質如何被反映在藝術與機構的運作機制中。本屆展覽則欲審視系統理論如何體現在藝術與機構的運作上，並藉以凸顯各系統賴以維生的依存關係。

1. 柯金源，《1993臺北八里海岸嚴重侵蝕，碉堡地標變遷》，1993。攝影。©影像權利為藝術家柯金源所有，臺北市立美術館提供。

「後自然：美術館作為一個生態系統」旨在結合生態系統的概念與其相互依存的結構形式。因此，我們將美術館與館外環境設想為一相互緊密關連的結構，透過展覽探索、描繪及研究不同的連結性與相互依存模式，以維持系統的活力。在本屆雙年展中，藝術、理論、社會和政治環環相扣，將有助於全面理解生態系統是如何產生，以及生態系統如何透過各種協作與適應變化而再生。
——〈「後自然：美術館作為一個生態系統」策展理念〉

兩位策展人將藉由本屆雙年展重新思考美術館（museum）的自身機制。一般展覽（exhibition）侑於展期的限縮，往往發展迅速，難以發揮持續且長期的影響力；相較美術館則能緩慢而有機地生發，細緻地回應周遭環境，並延續它的生命週期。同時，一個美術館如過於僵化地自限於建築體與概念本質的框限，它將會成為一個孤立的藝術沉思場域，無法接納生態系統持續的轉化、滲透與增生。

2. 黃信堯，《印樣白冷圳》，2018。單頻道錄像。©影像權利為藝術家黃信堯所有，臺北市立美術館提供。

正如策展理念中所描述，「後自然：美術館作為一個生態系統」將與不同的生態系統模式建立關係，特別關注這些機制中相互依存的重要性，以及此運作機制如何趨向於整體的共同利益。「臺北市立美術館」作為台北雙年展的基地，將成為展覽的中樞神經系統，透過實驗性操作讓美術館成為跨學科討論的平臺，藉以向外擴展，在展館的範圍之外引發更多的迴響。

2018台北雙年展  「後自然：美術館作為一個生態系統」

時間：2018.11.17–2019.03.10

地點：臺北市立美術館

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城市美學新態度

新故宮的核心精神是「日常」，博物館可以延伸與生活多面向的美學文化建立連結，以配對跟串連的精神發展出形象設計，同時強調故宮的角色是踏出博物館，走入生活。

國立故宮博物院南部院區於4月12日別開生面舉辦一場「鏈結藝文好伴，文化旅行賞味」媒體見面會，由故宮林正儀院長親自登台以新視角、新形象、以及生活與地方的切角，帶大眾重新聚焦故宮南院。林正儀院長更真摯地獻出一份連結文化與生活的提案，宣告故宮南院即日起推出月月有亮點的大型藝文展演活動，並成功跨業與優質生活品牌台灣麥當勞展開雙品牌合作，以及未來將更積極與在地藝文好伴攜手打造「故宮南院共榮圈」，推薦故宮南院為文化旅行的首選，邀請全台灣民眾前來體驗日常美感、共創美好生活與記憶。

故宮南院建築夜景。圖/ 許傑攝影，國立故宮博物院提供。

推開「新故宮」的大門，故宮邀請全民前來體驗日常美感，共創美好生活與記憶。圖/ 國立故宮博物院提供。

林正儀院長上任以來，施政致力於推動博物館公共化、專業化、多元化、國際化、在地化與年輕化，在其大力鼓動和領銜下「新故宮運動 #NEWNPM Link to you」已正式起跑。記者會開場，他首先闡述「新故宮」新形象，表示將透過擴大民眾與社會各界參與，創造故宮南院與在地「新」與「心」的鏈結，力圖讓故宮南院走入生活、深入地方，提供民眾可親性的生活美學及多元文化體驗。

林院長更進一步揭示，故宮南院以「文化扎根，藝術走入生活」作為政策方針，將擴大「藝術與生活連結」、「文化與教育連結」、「在地文化連結」與「博物館事業連結」四大行動策略，現場並預告包括「藝術生活化專案」、「青年藝遊專案（夏季為青春藝動、秋季為亞洲藝術節）」、「百萬學子遊故宮（南院）專案」、「在地文化觀光產業串連計畫」、「博物館群合作行銷計畫」以及「臺灣博物館文物維護體系建構計畫」隨即啟動，預期在故宮南院開創新局。

林正儀院長於記者會致詞。圖/邱家琳攝。

為具體宣示行動決心，記者會現場首度曝光「南院限定！年度亮點活動與藝文年曆」搶先報，由林院長預告多達二十六項精采活動。藝術生活專案內容包括：生命之樹竹藝大道啟用、社區可食地景體驗、美好生活與記憶、生活美學課、發現南院之美、邂逅南院下午茶。百萬學子遊南院專案內容包括：親子友善博物館串聯行動、百萬學子遊南院代言表演、打開孩子的藝術眼－百萬學子文化扎根工程、認識亞洲兒童戲劇月、亞洲文化親子廣場啟用活動。

夏季青春藝動季內容包括：玩原藝－原住民服飾精品展暨文化體驗、考古嘉義－嘉義史前文化展、聖旨到－品牌的故事特展、看品牌展玩創意－朕知道了╱朕臨南院╱包装創意設計、愛上南院－陳瑞斌浪漫台灣演奏會、再現琉璃古樂器－琉璃樂團全球首演、博物館輕旅行－串連南部博物館好康優惠遊、南院鐵馬自由行－尋找嘉義長壽村、亞運在南院－戶外青春Party。秋季時尚繽紛浪漫季內容包括：FUN故宮－創意時尚秀、FUN故宮－南院光雕秀、亞洲藝術節－新加坡藝術月（娘惹文化）、深秋千人野餐音樂會－國台交音樂巡迴演奏會、浪漫花事．品味花器與生活展－南院與臺中世界花博套裝遊、東亞第一帝國－商朝文化特展（三鼎齊聚振天響）。

尋訪南院公共藝術，王文志《戲分茶》。圖/邱家琳攝。

除了展演活動吸睛，故宮南院在文物特展方面也精采可期！6月份推出「臺灣原住民服飾精品聯展」，結合中央研究院民族學研究所博物館、國立臺灣博物館、國立臺灣大學人類學博物館、國立臺灣史前文化博物館、北投文物館與順益臺灣原住民博物館典藏，呈現臺灣原住民族群服飾文化的獨特性與多元性；10月的「故宮南院亞洲藝術節－新加坡月系列活動」，提供民眾透過五感體驗亞洲多元文化及獨特的異國風情；12月的「商王朝及其周邊關係特展」由故宮與中央研究院歷史語言研究所聯合策展，展現商王朝在東亞興盛時與周邊民族的關係，為當時東西文化交流歷程帶來見證。

記者會上，故宮南院與藝文好伴起步走也是一大亮點。林正儀院長會中正式宣布，故宮跨界與優質生活產業台灣麥當勞展開聯名合作，並串連南院鄰近周邊觀光景點、在地藝文聚落成為藝文好伴，攜手共推「文化扎根，藝術走入生活」。林院長表示，故宮欣喜與台灣麥當勞達成品牌合作意向，雙方共同願景為整合服務性社會資源，促進文化與生活連結，故宮有信心以特有的文化藝術資產為產業加值，故宮也期待透過生活產業通路走入民眾生活，與台灣麥當勞激盪創意火花，共同來提供民眾多元體驗、在地參與的生活文化場域，扮演與年輕世代族群共同學習與成長的平台。

新故宮×新視角_南院建築實量體「墨韻樓」。圖/ 國立故宮博物院提供。

今日記者會宗旨希望傳達出故宮南院作為博物館正視當代與未來的社會發展需求並積極回應，未來將更努力整合帶動文化、生活與觀光資源。因此，會中也推薦南院建築與公共藝術巡禮、文化「輕／青」旅行、「日常生活美學課」等主題，呼應博物館新形象將以日常生活為核心，從「生活」重返「歷史」，透過新時代語言連結歷史風物，帶領民眾發現「不同時代，一樣日常」，讓故宮南院真正走入民眾生活，成為承載過去、現在與未來的時代風物誌。故宮南院期許，透過新形象塑造與社群關係經營的整體性溝通推廣計畫，開發潛在目標觀眾群，並以務實行動方案主動積極與南院在地社區人文觀光產業連結，形成共享的經濟與藝術資源綜效。

藝文好伴相揪夥合影：故宮與在地藝文好伴攜手打造「故宮南院共榮圈」。圖/ 國立故宮博物院提供。

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2018臺灣文博會，即將邁入第8屆。今年以「Design Thinking」為軸，主題設定為「從身體創造Body Knowledge」，試圖在自身文化尋找設計創作的新可能，成為亞洲最具思考力的展會！

臺灣文博會展前記者會於華山1914文創園區舉行。圖/邱家琳攝。

臺灣文博會將於4月18日至22日盛大登場，共分為華山1914文創園區、松山文創園區、花博公園爭艷館三大展區，分別展出「文化概念」、「設計品牌」、「圖像授權」。

松山文創園區展出「設計品牌」作品。圖/邱家琳攝。

花博展區展出「圖像授權」作品。圖/台灣創意設計中心提供。

4月9日，臺灣文博會展前記者會於華山1914文創園區舉行，公開三大展場精選亮點。文化部次長李連權、文博雙大使黃子佼與曲家瑞，也分別以戶外運動愛好者、時尚登山客、摩登藝術家的身分，透過Live伸展台的走秀方式，展現日常時尚的文化態度，並傳達從身體創造的文博精神。

文博雙大使黃子佼、曲家瑞共同出席文博展前記者會。圖/台灣創意設計中心提供。

文化部次長李連權表示，文博會邁入第八屆，從去年開始以「文化策展」的形式推動，期望能激發所有創作者或全國民眾的關注，未來能在作品中注入文化能量，提升產品特色與價值，有助於整體文創產業的發展。

文化部次長李連權於展前記者會致詞。圖/邱家琳攝。

在三大展區內，華山1914文創園區以「從身體創造」為概念，邀請各界人士共同參與策展，提出「一座高山博物館」、「身體視文化」、「手造工藝」、「嘻哈囝」與「時尚的日常」等文化議題。同時，也規劃創意市集與影展活動，讓每個場館與活動區塊都是一個思考的容器，開啟想像與討論文化的空間。

華山1914文創園區展出「文化概念」。圖/邱家琳攝。

其中，「一座高山博物館」呼應「高山」意象，重現在臺灣高山上被喚醒的感動和知覺。odor funder氣味製造所特別調製一款高山味道的香水，雪薇亞九號香（Sylvia No. 9），在香氣與Cicada樂團團長江致潔創作的音樂聲中，邀請大家打開五感，激發創造力。

「台灣是全世界高山密集度最集中的國家，超過3000公尺的高山有268座，卻沒有高山博物館，這是很可惜的。」華山展區總策展人王耀邦表示，他期望這座高山博物館不是推廣標本或訴說植物知識，而是知性的博物館，他相信唯有身體才有創造力、人類身體是客觀的語言。

華山展區總策展人王耀邦。圖/邱家琳攝。

Cicada樂團團長江致潔也分享自己攀爬雪山、以此為靈感創作音樂的經驗。她說，自己以前沒爬過百岳，在這次過程中相當辛苦，但她關注身體的感覺，發現自己腳步很慢、心跳很快，而山中重複性的聲響，像雨和風都具有音樂性。

Cicada樂團團長江致潔分享攀爬雪山經驗。圖/邱家琳攝。

此次，文博會將齊聚臺灣與全球23個國家、559個單位參展，並推出超過200場活動，預估超過30萬人次參觀、總成交額能達到六億。文化部也期待透過今年展會，鏈結各產業、匯聚國際交流，打造全新臺灣文化美學，以設計共創未來！

2018臺灣文博會 展覽資訊

● 松山文創園區、花博爭豔館 (免費參觀)

2018年4月18日至4月19日 10:00 至 18:00(僅開放專業人士參觀)
2018年4月20日至4月21日 10:00 至 18:00(開放一般民眾參觀)
2018年4月22日 10:00 至 17:00

● 華山1914文創園區 (全時段免費參觀)

2018年4月18日至4月29日 10:00 至 20:00 (僅東2館展區延展至4/29，華山其餘展區至4/22)

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「遵循開放形態的建築原則，向人類的萬能雙手致敬」- 馬可卡薩格蘭 Marco Casagrande

「未來，人、自然和城市將和平共生，這是第三代城市，是座零城。」此概念由2013年歐洲建築獎與2015年全球可持續性建築大獎得主「馬可卡薩格蘭」（Marco Casagrande）提出，將完整呈現於忠泰美術館在4月21日推出的「零城 – 馬可卡薩格蘭：邁向第三代城市」展覽之中。展覽名稱《零城》意味「無人之城」，道出「第三代城市」概念的前衛性和未來感，同時又務實地回應，也許，未來城市能有更多開放性的可能！

來自芬蘭的馬可卡薩格蘭，是建築師也是藝術家，16歲即擔任地方報社的記者，更是生物都市主義學者，我們難以用單一領域來定義他多重的身分，而自童年時期即成長於大自然中的生命經驗，亦塑造出他獨特且具原創性的個人風格。2003年馬可初來到台灣，以各種行動帶領我們重新觀看這個自認熟悉的家鄉。在當時處於官方與非官方之間的寶藏巖他看見真實的「第三代城市」，更體認到那是因生活需求自然而生的都市菜園、自建房舍和灌溉系統，小規模卻生機盎然地存在，孕育飽滿的「在地知識」。

身體力行是最佳溝通管道 親手搭建的工作室

馬可卡薩格蘭認為，建築務必要進入現場，感受基地的風向和太陽的移動，身體力行是最佳的溝通管道。

位於展場內的建築師工作室，是馬可於現場親自動手揮汗搭建完成，將人類的萬能雙手發揮地淋漓盡致。除此之外，工作室中展出他的手繪設計圖，以及啟發他向昆蟲學習如何蓋出巢穴的「泥壺蜂」模型，一窺馬可獨特的創作發想過程和靈感來源。

五感甦活的展場 建築師腦內探險

本展突破建築與藝術領域，共展出17件代表性作品的建築模型與攝影。位於美術館一樓大廳的《反相城市》（Paracity），是以開放形態原理發展的生物城市有機體，方格構成的大尺度模型向上蔓生至二樓天井，一座巨型立方體群落油然而生，提供人類對於「第三代城市」的想像。去年成為國際熱門話題的《停車棒屋》（Tikku），專為被汽車所佔領的都市所設計，擁有工作室、花園和臥房，卻僅需一晚即能完成的停車格尺度的房屋，也許是人們未來居住的新選擇。位於比利時沙灘的《沙蟲》（Sandworm），為馬可和年輕建築師們，以柳樹編織而成的有機空間，創造出他所稱的「弱建築」。

而馬可在台灣設計的許多作品，金門《牡蠣人》（Oyster Men）、台北《三芝陳宅》（Chen House）和《終極廢墟》（Ultra Ruin）、《台東廢墟學院》（Taitung Ruin Academy）等，亦在本展同步呈現。

在展場設計上，本次將馬可提倡的開放形態和重視自然的理念融入其中，將美術館變身為一座有機建築實驗室。

展場由眾多循環回收而來的異材質建構而成，觀者將踏著鋪滿地面的晶瑩剔透玻璃砂、白色鵝卵石和破碎水泥塊，穿梭於紅磚、水泥和鏽鐵板交錯的路徑，彷彿置身於建築師腦內的創意世界，有如探險般發現隱藏於其中的精彩作品。

除此之外，美術館更企圖突破過往建築展示的框架，自由開放的參觀動線，讓觀者可隨心所欲漫遊其中，每條路徑皆引領觀者回到建築原點，和人、城市與自然和平共生的「零城」、「第三代城市」不期而遇。

芬蘭建築師 馬可卡薩格蘭 Marco Casagrande。pic via wikipedia

除了參觀展覽的空間體驗，忠泰美術館更將出版《馬可卡薩格蘭：邁向第三代城市》專書，內容包含多篇獨立的開放式訪談，當你閱讀完整本書，像是參與了一場聚集所有馬可生命鏈中的合作夥伴、研究者、建築師等人相互對話的紙上沙龍，從各種角度來認識這位來自芬蘭的建築師，亦為建築界建立重要的研究文本。本書預計於今年夏季正式上市。

| 馬可卡薩格蘭 Marco Casagrande |

馬可卡薩格蘭1971年出生於芬蘭，2001年畢業於阿爾託大學獲碩士學位，主修建築及都市規劃。2000年始擔任教職，教授建築設計、生態都市規劃及環境藝術，擅長以跨學科的教學手法啟發學生，2004至2008年間授聘為台灣淡江大學建築系客座教授。2000年至2006年連續三屆（2000、2004、2006年）受邀參展威尼斯建築雙年展的丹麥館和台灣館。2009年和謝英俊、阮慶岳組成「弱！建築」（WEAK! At work）團隊。榮獲2013年歐洲建築獎與2015年全球可持續性建築大獎。目前於挪威卑爾根建築學院擔任教授。

零城 – 馬可．卡薩格蘭：邁向第三代城市 
ZERO CITY—Marco Casagrande: Who Cares, Wins the Third Generation City
展期 | 4 月 21 (六) – 8 月 5 (日) 10:00-18:00．週一休館
地點 | 忠泰美術館 台北市大安區市民大道三段178號

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「幸運曲奇」為裡面藏著幸運詩籤的奶油口味餅乾，一邊吃餅乾一邊猜詩籤，頗有飯後來算命的休閒樂趣。

1950年代「幸運曲奇」廣受歡迎，成為英美華人飲食特色的一部分，也漸漸讓許多當地人誤以為這是「亞洲華人的傳統」。

《鄭亭亭_聯合國藍I》

其實「幸運曲奇」是經由在美華人改良日本食譜後，於美國發揚光大的跨文化產物。由此可見，西方人眼中的東方文化，實為適應當地文化色彩所改良之物，因為符合刻板中的印象，往往成為他們眼中的東方。

本次「幸運曲奇 Fortune Cookie」參展藝術家 – 鄭亭亭、吳孟真與空間編輯翁浩原一同策畫，採用商業攝影的背景和燈光向觀者提出跨文化的現象與疑問。藝術家在相似的視覺語彙裡，企圖從凝視的角度出發，提出對於不同文化在觀者眼中詮釋的疑問。

《鄭亭亭_聯合國藍II》

《The Color Chart》

藝術家從倫敦亞洲超市蒐集具東方韻味或異國情調的食物和器具，把午餐肉、猴頭菇、芋頭等亞洲食材，配合法國麵包、中國風情的杯子等，以擺拍手法拍攝，再刻意將物件的圖像以裱框和無裱框的方法並列呈現，對映出「被建構的亞洲形象」。

尤其在帶有政治意涵的彩色背景紙的條件下，提出食物在不同文化詮釋下產生的指涉：如「聯合國藍」、「印度綠」與「西點灰」等。

鄭亭亭_印度綠_I

鄭亭亭_印度綠II

《芥蘭牛四號》

藉由拍攝菜餚從美式中餐盒取出後凝固的狀態。菜餚燈光操作與背景設定下，呈現果凍般的狀態，帶出獨特的可塑性和凝聚力，象徵文化移植後的適應過程，同時也表現移民文化被環境定型的樣貌。然而在顏色迴異的背景下，說明著同一個文化也會因外在眼光或所處脈絡的轉變而有所不同。

《吳孟真_芥藍牛四號之二》

《吳孟真_芥藍牛五號之一》

Handscape手形線
概念源自東京地鐵的環狀山手線，是東京的核心，希望Handscape成為富錦街的「藝術、工藝、設計」平台，讓各種有趣的活動和展覽都可以在這裡發生，觸動這寧靜街區的大人小孩們享受品味生活的心。

Fortune Cookie 幸運曲奇
時間 | 04 月 21 日至 05 月 13 日
地址 | 台北市松山區富錦街359巷3弄11號
網站 | handscapetw.com/

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城市美學新態度

對某些人來說，他們眼中所及的事物都與藝術有關，藝術就是這個世界的一切。近日，馬德里工作室CESS推出的「藝術字母表」（art-phabet），便是以26位現當代藝術大師為靈感，結合他們的姓名與重要作品，創造出26個英文字母的3D字體模型，提供給藝術愛好者使用。

馬德里工作室CESS推出的「藝術字母表」，代表荷蘭藝術家梵谷的「V」。圖/取自behance。

代表西班牙藝術大師畢卡索的「P」。圖/取自behance。

這些字體挑選活躍於20至21世紀之間的藝術大師，包含梵谷、馬格利特、達利、畢卡索、芙烈達·卡蘿、達米恩·赫斯特與班克斯等人，回顧從印象派、超現實主義、立體派到當代各種流派的發展。

代表超現實主義畫家達利Salvador Dali 的「S」。圖/取自behance。

代表英國當代街頭藝術家班克斯的「B」。圖/取自behance。

在CESS的巧思下，每個字體都是一件精美的作品，也與真實存在的物品相似。代表普普藝術家安迪·沃荷的「A」，是將他的知名作品《康寶罐頭》改為「A」的形狀，而象徵美國藝術家傑夫·昆斯的「J」，則是把他的代表作氣球狗，模擬成「J」造型。

代表普普藝術家安迪·沃荷的「A」。圖/取自behance。

代表美國藝術家傑夫·昆斯的「J」。圖/取自behance。

值得一提的是，部分字體是來自藝術家的創作元素與人物，再經由拼貼構成。「C」是由荷蘭藝術家蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）的幾何色塊堆疊成形，「H」的靈感來自美國塗鴉藝術家凱斯·哈林（Keith Haring）的黃色小人，讓他們牽起雙手組成字體形狀。

代表荷蘭藝術家蒙德里安的「C」。圖/取自behance。

代表美國塗鴉藝術家凱斯·哈林的「H」。圖/取自behance。

參考資料：Designboom

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城市美學新態度

以《藝術家就是藝術》為宗旨所打造的「台北新藝術博覽會」（Art Revolution Taipei 2018），於5月18日至5月21日於台北世貿三館盛大開展。致力於推廣文創，透過展覽、教育與國際交流為藝術發聲的人文遠雄博物館，本次推出柯鴻圖、鄭愛華與蒲宜君三位傑出藝術家參展，展現台灣藝術創作的廣度與深度！

參展藝術家(左起)：鄭愛華、柯鴻圖、人文遠雄博物館游冉琪館長與蒲宜君。圖/ 邱家琳攝

本屆「台北新藝術博覽會」共有來自全球 74 國 471 位藝術家、超過 3,000 件作品參展，展件數量與水準為歷屆之冠。主辦單位特別規劃十大展區，包括：大會策展區、國際當代藝術、紐約當代藝術基金、中國當代藝術、台灣當代藝術等區塊。參展作品囊括國際知名大師、藝壇新秀與台灣前輩藝術家作品。

人文遠雄博物館展示水彩、油畫與雕塑等多面向作品。圖/ 邱家琳攝

人文遠雄博物館既有博物館的能見度，亦具備靈活的推廣性與活力。游冉琪館長表示，柯鴻圖的工筆水彩畫細膩雅致、鄭愛華藉山海抒發奔放的情感，與蒲宜君運用最硬的鋼材所雕鑄出最柔軟的美學詩意，紛紛展現三位藝術家對生活的熱愛。不僅與人文遠雄博物館「生活即是藝術」的理念不謀而合，更呼應本屆大會期待讓藝術品面向市場，走入人群的宗旨。

「既然要推廣，我們就將各種藝術品呈現出來，讓更多人看見台灣多元的藝術創作。」- 游冉琪館長

藉由參與藝博會，提升台灣優秀藝術家的能見度，讓藝術走入生活中。圖/ 邱家琳攝

| 藝術家 介紹 |

柯鴻圖

柯鴻圖教授珍視自然生態與本土文化，是一位兼具攝影、設計、繪畫的創作者。成長於鄉間的他，從事創作已達四十餘年。

透過細膩的生態觀察與寫實技巧，描繪出自然景物的獨特風貌。近年來喜歡以動物為題材，運用淡彩、線條與畫面的留白，造就其繪畫獨有的形貌。

《貓的幸福人間》。圖/ 人文遠雄博物館提供

《豐收季節》。圖/ 人文遠雄博物館提供

鄭愛華

鄭愛華出生於馬祖，大學修習國貿專業，畢業後一腳踏入藝術領域，現為畫家、雕塑家。鄭愛華的作品展現出以女性視角觀看世界的溫柔。

鄭愛華善於把生活事物轉化為花卉、山水、風景等視覺語言，以綿綿絮語傾訴所感所思。創作多圍繞著藝術家獨特情感抒發。或熱情奔放、或溫柔婉約，真誠呈現生活所觸發的每刻心靈感動。

《夢語．6》。圖/ 人文遠雄博物館提供

《花語．5》。圖/ 人文遠雄博物館提供

蒲宜君

蒲宜君，其祖父為臺灣寫實雕塑先驅 – 蒲添生，其父親蒲浩明則為知名雕塑家，外曾祖父為台灣國寶級畫家陳澄波。她從小耳濡目染，在祖父及父親的影響下，從古典雕塑發展出屬於個人的獨特風格，作品充滿著詩意與纖細的文學氣息，曾七次獲得巴黎秋季沙龍的入選肯定。

《風的通道》。圖/ 人文遠雄博物館提供

《戀人系列 3》。圖/ 人文遠雄博物館提供

「2018台北新藝術博覽會」
攤位 | 台北世貿三館「G3 攤位．人文遠雄博物館」
地址 | 台北市松壽路6號
時間 | 2018年5月18至5月21日．11:00至19:00

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城市美學新態度

來源： Uniqlo

2112年¹，被老鼠囓破耳朵的貓型機器人「哆拉A夢」因為傷心流淚三天三夜，眼淚洗掉了身上鮮黃色烤漆而露出藍色底漆，如今2017年藝術家村上隆率先出手，為哆拉A夢塗布了村上隆他知名的「微笑花朵」設計，陽光笑容，要哆拉A夢莫再傷心。位於日本東京六本木的「森美術館」在2017年11月，集結了村上隆、奈良美智、會田誠、蜷川實花、山口晃、鴻池朋子等28位藝術家跨界聯展， 名為「THE 哆啦Ａ夢展 TOKYO 2017」，而平價流行服飾大廠UNIQLO於隔年2018年更相中村上隆此次的作品，推出聯名服飾與玩偶，在遊走商業活動與如何親近大眾的這個命題上，村上隆簡直如愛撫般近乎親暱。

村上隆與潮牌VANS的聯名滑板

村上隆與UNIQLO聯名T-shirts

早在2008年村上隆的雕塑《My Lonesome Cowboy》(我的寂寞牛仔)² 以1516萬美元天價售出的前一年，也就是2007年，身兼饒舌歌手與唱片製作人的Kanye West便看上了村上隆的商業潛力，帶著第三張專輯《Graduation》（畢業特典）找上他，希望與其合作該專輯的視覺設計、封面、MV（Musci Video）等等。村上隆重新再製Kanye West的象徵角色「Dropout Bear」（輟學熊），完成專輯並推出一部3D動畫³與系列雕塑，日後找上村上隆的商業合作案如花季盛放不曾間斷，更遑論與超級名牌Louis Vuitton合作的「櫻花包」系列。

歌手Kanye West第三張專輯《Graduation》，來源：Sony Music Studios

在動漫產業中，商業取向的周邊商品、相關展覽、再製動畫、後續漫畫、改編小說等等被戲稱「粉絲向」的作品一直是該產業的重要一環，觀察村上隆早期與最新的商業活動，經過爬梳並設定其藝術走向時，必定吸納了這樣相互綁定的動漫精神與特質—「創作」與「販售」。在1994年左右，村上隆創造了一個混雜米老鼠、凱蒂貓、哆拉A夢、音速小子特徵的形象「DOB君」，將風行全世界的東西方標誌形象結合，且強化了日式漫畫圖像特徵，並藉著「DOB君」系列作品提出了他重要的「超扁平」宣言：「將來的社會、風俗、藝術、文化，都會像日本一樣，都變得極度平面（two-dimensional）……今天，日本電玩和卡通動畫最能表現這種特質，而這些又在世界文化中具有強大的力量。」

DOB君

從「DOB君」或是美少女玩偶「Second Mission Project Ko」等大量汲取吮吸動漫產業精華的作品；到2006年開始，運用DOB君形象與傳統日本畫相結合或重新詮釋（如借用日本國寶「信貴山緣起繪卷」中卷雲造型的作品《727—727》）；至2010年，村上隆消化了關於動漫與超扁平概念，推出為了證明自己超扁平理論，同時也最為知名、佈滿笑臉小花的作品《Flowers In Heaven》(天國的花圃)。

值得注意的是，相對於市場熱烈歡迎的肯定看法，日本動漫產業的許多業界人士們對此感到不以為然，針對村上隆策略性地運用動漫文化與西方當代藝術交杯的行為，抱有很大的敵意，富野由悠季⁴直指他「掠奪」了動漫界的努力，不過村上隆的態度謙卑而堅定地認為，富野等知名動畫導演天才般引領潮流的大眾藝術，與必須透過大跨度時間檢驗的當代藝術，兩者分屬不同領域，各自有各自的角色責任。

觀望《機動戰士鋼彈》作品到相關產業，模型的銷售與作品關係相互影響，雖然這是體系運作下的結果，並非富野導演的本意，然而身處當代藝術產業鏈與體系之中的村上隆，運用「商藝並行」的概念，透過商業包裹藝術的手法，達到表裡相互支援，富野由悠季的機器人鋼彈與村上隆的微笑小花，看似風格不同，其實有著血緣般的共通點。

Second Mission Project Ko，來源

富野由悠季與2014年動畫版《機動戰士鋼彈—GUNDAM Reconguista in G》海報合影 ，來源

註解：
1 《2112年哆啦A夢的誕生》（2112年 ドラえもん誕生）是1995年3月4日上映的哆啦A夢電影版，片長約30分鐘。
2《My Lonesome Cowboy》(我的寂寞牛仔)，1998，油畫、壓克力、玻璃纖維、鐵，1998。
3《Good Morning》，Kanye West 。（https://www.youtube.com/watch?v=6CHs4x2uqcQ）
4 富野由悠季（1941年11月5日－），本名富野喜幸，為日本的動畫導演，代表作為《機動戰士鋼彈》系列。

特約編輯：許兵慰

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城市美學新態度

空山基繪製的C-3PO和R2-D2，圖片來源

《Star Wars Episode IV: A New Hope》 ¹（星際大戰四部曲：曙光乍現）第一幕，經典的宇宙追逐戰，紅綠光束比拼交火間，忽有一艘帝國軍戰艦龐然降至，輕易擄獲逃跑中的外交大使船，而在女主角莉亞公主之前更早現身於螢幕中的，就是禮儀機器人C-3PO和航太機器人R2-D2，他們兩「機」在往後四十年間，擔任星際大戰系列電影的第一形象。星戰電影初登場，彈幕四射的震撼畫面，觀眾無不臣服，當時，日本Suntory（三得利株式會社）欲乘上這股當紅熱潮，利用機器人C-3PO喋喋不休，卻有著迷人的愚懦人格特質，來為自家產品做廣告，但牽涉版權與時間壓力，空山基在設計師好友的邀約，接下該挑戰，以科幻默片《Metropolis》 ²（大都會）中仿造女主角Maria（瑪利亞）美麗身形的女性型機器人為藍本，創造出了線條與質地更加魅惑婀娜，完全位於C-3PO拙笨肢體的對立面—精緻的全新機器人形象「Sexy Robot」。

《Metropolis》中的女性型機器人，圖片來源：電影畫面

Sexy Robot，圖片來源

1999年，由空山基一手設計外殼造型，與Sony（索尼公司）合作的玩具「機器寵物狗AIBO」上市；接著，搖滾樂團Aerosmith（史密斯飛船）2001年的專輯《Just Push Play》，封面再度出現騷首弄姿的機器女郎，多不勝數的合作案之後，這些閃著銳利光芒，熠熠動人的金屬女體，終於也反射進了星戰導演George Lucas（喬治·盧卡斯）的眼眸裡。

在2013年，空山基受邀為星戰中的虛擬種族—Twi’lek（提列克人），繪製設計概念圖；提列克人在星戰故事設定中，富有雌體柔媚優雅的特質，沒有任何種族在姿態上比提列克人更美麗，導演看中了該設定與空山基的創作慾望導向不謀而合，兩人成功駕馭出一幅跨越種族、充滿誘惑力的作品—有著海洋般藍色肌膚的提列克人，同時也是絕地武士的Aayla Secura（艾拉・賽庫拉）。

不同世代的AIBO，左三為第一代，圖片來源：Sony

《Just Push Play》封面

George Lucas與空山基合作的Twi’lek形象

風俗女郎與機器人，兩個看似無關的概念，空山基讓他們交融，誕下天生麗質的「Sexy Robot」，破除了「機器人」仍是「機器」的冷硬藩籬，為機器人注射了「人」具有的情慾特質。縱古至今，在科幻領域的藝術作品中，當「人」與「機器」的界線越發交雜混合，人類首當其衝必須要面對的命題是：「人類的定義是什麼？」

我認為空山基借由情慾下手（雖然他亦製作動物、男性的金屬形象，不過他鍾愛的性感女體仍舊是壓倒性的多數），藉由換位思考，當人們將生物本能的情色凝視，投射在無機物質的女體肌膚之上時，卻仍舊能夠觸動觀眾自身的深層情慾，以此去刺激人們思考—那道「人類定義」的永恆哲學命題。縱然反骨的空山基曾幽默地表示：其實自己未曾在處理科幻或者未來的問題，只是將人類的肌膚置換為金屬爾爾，不過我能大膽地說，當空山基以Maria為原型的女性型機器人為靈感時，已經將機器人從未來幻想的科學角度，藉著色情凝視，推進到了人類定義的哲學領域。

Sexy Robot的金屬雕塑，圖片來源

註解：
¹ 《Star Wars》（星際大戰），在1981年後被重新命名為《Star Wars Episode IV: A New Hope》（星際大戰四部曲：曙光乍現），由George Lucas（喬治·盧卡斯）編寫及執導的美國太空科幻片，是《星際大戰》系列最初的一集（按所有劇情排序是第四集），於1977年上映。
²《Metropolis》（大都會）是德國電影導演Fritz Lang（弗里茨·朗）所執導的科幻默片，於1927年於德國柏林首映。

特約編輯：許兵慰

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