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安迪・沃荷POP ART 系列講座|沃荷的電影靠在哪?

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城市美學新態度

影評人但唐謨曾在自己的書《約會不看恐怖電影不酷》中,大談恐怖電影哲學,同時,這本書也是一本「靠片」(cult movie)指南,恐怖類型的電影特別容易出靠片,因為恐怖與荒謬往往只隔了一層紗,妖怪的紗蓋掀起來,很可能只是一顆花椰菜,或是火影忍者的影分身,啪咻一下,只剩下騙術的煙霧。

主講人:但唐謨

研究恐怖電影的但唐謨,顯然特別著迷於靠片這一塊。靠片即「邪典電影」,可以說它是非主流中的非主流電影,只受特定的圈子的人所狂熱,喜歡的人超級喜歡,不喜歡的人極度不喜歡,例如1975年的經典靠片〈洛基恐怖秀〉,即便到了現在,鐵粉們仍舊會定期包下電影午夜場,化妝成角色的裝扮共同出席,現場宛如狂歡派對;近年來則有〈大災難家〉,用靠片電影〈房間〉的導演作為故事主角,嘗試從導演的角度來解讀一部靠片是如何誕生的。
靠片不是一種特定風格,它像是一種標籤或現象,導演們無法設定:「我要把這部電影要拍成靠片!」,靠片是被觀眾決定的,而但唐謨特別把邪典電影的特質與安迪沃荷的電影拉在一塊,應該是看到了安迪沃荷作品「靠」的精神。

安迪沃荷,〈沉睡〉

他簡單播放了安迪沃荷早期的電影:〈沉睡〉、〈吃〉、〈吻〉、以及長達七小時的〈帝國大廈〉(還有害羞而沒有播放的〈口交〉),觀眾要知道沃荷這些電影的劇情太簡單了,看名稱就行,〈沉睡〉就是一位詩人睡了六個小時,〈吃〉就是一個男人花四十五分鐘吃一顆蘑菇,而且沃荷不剪輯,除了換膠卷的時間,開拍直到關閉攝影機,這段積累的時間就是他的電影。

安迪沃荷〈帝國大廈〉:

普遍的當代觀眾對於看電影,與其說是去觀賞,不如說是更習慣被電影娛樂和取悅,要我們待在電影院七個小時,觀賞一部拍攝一棟高樓從白天到天黑一動也不動場景的電影,這不存在的,但我們也不需要高估60年代當時觀眾的耐心,我相信看完的人寥寥可數。那麼安迪沃荷,這位怪咖的腦到底在想什麼?

我認為,沃荷的電影與他的瑪麗蓮夢露絹印作品是一體兩面,安迪沃荷是一個當代藝術家,他認為他印出的瑪麗蓮夢露就是瑪麗蓮夢露,A即A,B即B,也就是普普的哲學:「你看的所有就是一切,沒有更多了」,你看到沃荷拍攝自己吃完一份漢堡王套餐,沒了,它可以是資本的嘲諷、日常的百無聊賴、名人效應,但也可以什麼都不是,沃荷的電影也是如此。

安迪沃荷吃漢堡王:

他的電影從電影劇情故事轉移到了形式與觀念上,我們不需要真正看完七個小時的〈帝國大廈〉,〈帝國大廈〉這種沃荷電影最有趣的地方反而在於,提供我們一個機會去玩味與猜測藝術家意圖與創作情境。但唐謨說靠片的精神就是反叛,我想一般的靠片是一種「劇情」上的靠,而沃荷的電影則是一種「電影形式」上的靠吧。

安迪沃荷的〈試鏡〉系列,拍攝各種名人,提供他們約三分鐘,要做什麼都可以。地下絲絨樂團的主唱兼吉他手盧里德喝掉了一瓶可口可樂。

安迪沃荷〈試鏡—盧里德〉:

以現在來說,沃荷這類完全實況的電影形式,不禁讓人聯想到線上直播。我們觀看各種直播主的實境秀,做菜、打game、旅遊、健身、k歌,甚至如安迪沃荷拍攝的—色情活動,除了十五分鐘成名論,沃荷是否用這些電影預言了現在的網紅時代?暗示了我們不斷膨脹的對於日常的偷窺欲?我想這就是沃荷的藝術之所以能從60年代被討論至今的原因,他懂的留白,像是一個魔術師,越是簡單的魔術幻象,機關就越複雜龐大,而沃荷的機關就是他的藝術理念,啟動了一部部看起來簡單卻又不簡單的電影。

主持/但唐謨
圖文資料提供/時藝多媒體
撰文/許兵慰
編輯/艾莉歐


|2019 安迪·沃荷-普普狂想特展 POP ART|

展覽地點:中正紀念堂一樓2、3展廳
展覽時間:2019/01/09(三)-2019/04/14(日)

🔹 ibon售票系統:https://reurl.cc/zeOlk
🔹 博客來售票網:https://reurl.cc/kZ9rK
🔹 全家Fami娛樂網:https://goo.gl/igoJSe
🔹 GOMAJI:http://bit.ly/2AMyJKS
🔹 udn售票網:https://reurl.cc/j8oW2

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由時藝多媒體策畫的重量級展覽「安迪‧沃荷-普普狂想特展」,並精心規劃了免費的系列講座,展覽期間特邀藝文界重量級講師,將帶領大家從不同面向來認識安迪‧沃荷,歡迎民眾一起參加!

展覽講座場次:

2019年1月13日 國際藝評人協會台灣分會理事長-謝佩霓:「你所不知道的安迪・沃荷」
2019年1月20日 知名策展人-陸蓉之:「達達主義與普普藝術、藝術與商業結合」
2019年2月17日 知名樂評人-陳德政:「銀工廠的奇聲幻境:談安迪・沃荷與紐約地下搖滾」
2019年2月24日 知名影評人-但唐謨:「明星,另類,肆無忌憚-安迪・沃荷的電影系統」

安迪・沃荷POP ART 系列講座|令人迷幻的可剝皮香蕉

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生命是一團混亂 幸好有整理天才烏爾蘇斯‧威爾利

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還記得我們介紹過的那位瑞士強迫症藝術家烏爾蘇斯‧威爾利(Ursus Wehrli),是如何「整理」藝術品?作為一個血脈裡奔流著「整理細胞」的藝術家,怎麼會安於只整理藝術品,對他生活中出現的花草樹木、鍋碗瓢盆等等萬事萬物置之不理呢?

他在《喔!整理的藝術》一書寫道:「我們的生活充滿著各式各樣複雜的問題和決策,但要下一個決定並不容易,不論結果好或不好。我們渴望過著簡單和平凡的生活。當我們思緒混亂時,也是必須「整理」的,不論它發生在什麼樣不可思議的場所裡,一旦整出頭緒,那種感覺真的令人無比的心滿意足!」

人生艱難,生活不易,威爾利在如此「正確」的理由之下,開啟了一系列超‧整理計劃,要重整你的想像力!

整理藝術:生活篇

一早起來吃的水果沙拉。

整理藝術:生活篇

嗯,媽媽說過東西要隨手擺好。

整理藝術:生活篇

走出門外,看到樹上一彎綠枝垂下。

整理藝術:生活篇

明確排列不能廢。

整理藝術:生活篇

每天都會看到的捷運路線圖……

整理藝術:生活篇

別發懶,怎麼說也該照顏色、圖形跟長度分一下唄。

整理藝術:生活篇

去超市買個東西,很好,大家都有乖乖排隊,「但是」~

整理藝術:生活篇

這樣不是挺好的?

整理藝術:生活篇

讓大家看看我買了什麼可愛小玩意兒。是說,它很有整理之必要。

整理藝術:生活篇

這就對了。

整理藝術:生活篇

出個門一路折騰,搞到現在天都暗了,一抬頭竟能見到傳說中的萬點星空。

整理藝術:生活篇

說好的萬點呢?整理能讓我們看清事實真相(推眼鏡)

整理藝術:生活篇

路過公園,不知魚之樂的我,只覺得這形狀、這顏色分布,讓我很不快樂。

整理藝術:生活篇

形狀、顏色塊塊均勻,而且,都很香。

整理藝術:生活篇

做了這麼多,最後還是要呼籲大家,東西不要亂扔,收納第一、收納最高!

整理藝術:生活篇

 

資料、圖片來源/布克文化

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想要看更多烏爾蘇斯・威爾利?
友情推薦由布克文化出版的《整理藝術 KUNST AUFZURÄUMEN》與《喔!整理的藝術 DIE KUNST, AUFZURÄUMEN》繁體中文版,邀大家一起學習超胡來整理術!

 

這幅畫太亂了!瑞士畫家的強迫症整理法

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「助產序曲—陳建北個展」女性生產的影像書寫

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台北當代藝術館MOCA Studio自2月9日至3月24日展出「助產序曲-陳建北個展」。展名中的助產意指助產士,早期也被稱為產婆,英文名稱「Midwife」原意指的也是「與婦女同在」(with women),陪伴每個母親完成生產。但因近年醫療體系發展,助產行業逐漸凋零。為了探究這即將消逝的行業,藝術家陳建北自2016年起,開始探查蒐集關於助產士的訪談影片,試圖勾勒出台灣早期關於生產、婦女社會處境及傳宗接代的價值觀。

打造充滿隱喻色彩的展覽空間

在步入映滿紅漆的展間長廊裡,陳建北擺設台灣傳統嫁娶中必備嫁妝之一「生子椅」,除傳達出結婚的喜氣,卻也暗喻生子是件生死交關的過程。展間裡以粉色系油漆打造象徵孕育生命的展間,分別播映已74歲退休的助產士-顏桂英女士及曾被接生的婦女影像,透過她們口述的人生故事,走入台灣特殊的文化背景-生產的民間禁忌、特殊的生產經驗、子嗣傳承與女性家中地位等議題。影片中不只是傳統與現代對於生產與孕育的議題探討,更可反推研究日本殖民時代至清朝年代易被忽略的歷史文化背景與社會價值。

 

徵集你因「生產」而「產生」的關係故事

這次緊貼生命的原創展覽是陳建北開啟的序曲,為了建構展覽的完整性,於展出期間特別舉辦「徵集一封關於孕育、生產時期的個人心情信件」活動,因為「生產」讓不同的親人關係「產生」連結,以此作為一個心情故事平台,將心意轉達給那個對你最重要的人。徵件日期自即日起至3/17,歡迎民眾踴躍投件分享心情故事,徵件網址:https://reurl.cc/KMAAM

 

台北當代:助產序曲

台北當代:助產序曲

 

藝術家介紹:

陳建北於2014年滿60歲時,即從國立臺南藝術大學造形藝術研究所退休。前幾年體認到臺灣有許多在地問題被忽略,因此期望用當代藝術學門的角度,來突顯這些問題。就是這個理由,驅使他毅然向學校提出退休申請,只是為了給自己更多時間專心從事創作。近年參與台灣美術館雙年展、基隆港口藝術雙年展展出。

 

展期:2018/2/9(六)~2019/3/24(日)

展覽地點:台北當代藝術館實驗展場MOCA Studio

 

文字圖片提供/台北當代藝術館

編輯/rippling

台北當代《烏鬼》展,揭出魑魅魍魎下的原始恐懼

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用好奇的眼光啟程,將生活轉換成繁忙美學

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香港三月藝術月蕭青陽

今年五度以唱片包裝設計入圍葛萊美獎的國際知名設計師-蕭青陽

「香港在步調快速的生活下,逐漸發展出獨具在地生命力的『繁忙美學』,塗鴉、郊野、建築可以說是香港生活美學的體驗重點。有國際級藝術家在巷弄中揮灑的塗鴉藝術,也有橫跨東西歷史與設計的特色建築,而緊鄰城市的郊野則是繁忙生活的轉換,也帶來不同的刺激。在香港,藝術無所不在,繁忙生活中藏有獨特的美學體驗。」蕭青陽實際走訪香港,並將所見藝術美景、音樂饗宴製作成影片跟大家分享。

影片  製作蕭青陽

文青與喜好藝術旅客引頸期盼的「香港藝術月」即將來臨!整個三月香港街頭瀰漫著藝術的氣氛,除了齊聚世界級三大藝術體驗─香港藝術節、巴塞爾藝術展、Art Central,今年五度以唱片包裝設計入圍葛萊美獎的國際知名設計師-蕭青陽,受香港旅遊局邀請,赴港觀察香港的生活美學,推薦大家不少藝術景點。

| 塗鴉繽紛了城市的空白,帶來繁忙生活的城市驚喜

走在香港的街頭不難發現,不論是矮房或是高樓,轉角或是防火巷,甚至是叮叮車都成為了藝術家的畫布,繁忙的日常生活,卻能處處感受街頭美學之驚喜。今年最新的塗鴉打卡熱點,是位於中上環潮店林立的西營盤藝里坊,許多舊建築牆壁及樓梯上都可找到由香港本地及海外藝術家創作的街頭壁畫。

香港三月藝術月蕭青陽

香港大樓林立中,隱藏著茶店、塗鴉街、菜市場還有叮叮車,這些都讓蕭青陽感到處處是驚喜,繁忙美學的想法也是從這裡而來

在這裡蕭青陽推薦「城巿閘誌」街頭藝術項目,在店家的鐵捲門上,可欣賞到由本地年輕藝術家繪畫的鐵閘畫作來傳達店舖的特色故事,旅客還可下載APP,深度了解店家和畫作的故事,令香港街頭增添趣味。

鐵閘藝術結合科技藝術,讓大家走在街上便能讀取藝術與人文資訊

| 融合東西方文化美學,繁忙港口歷史下的建築與特色店家

香港東西文化交融,在城市中透過建築的觀察,更能遇見繁忙歷史下的故事與文化痕跡。大館是由列為古蹟的中環警署與監獄改建而成,左望可以看到維多利亞式建築風格,右望卻是希臘復興式建築風格,再走下去又是現代建築風格,將東西方的文化這樣巧妙的交融更可以說是香港繁忙文化歷史下的獨特城市展演。

融合東西方文化美學,繁忙港口歷史下的大館為香港建築美學

不僅是建築上,在香港260個離島中─南ㄚ島上的 「Lamma Vinyl南島黑膠」是蕭青陽喜愛的私房景點。位於離島的黑膠唱片小店,收藏超過6萬張粵語、日語和歐洲的唱片,來自東西方不同文化種類的唱片齊聚在幾坪米的店面中,以文化與歷史的包容自成一格。

圖片來源/Lamma Vinyl南島黑膠FB

|繁忙城市生活瞬間轉換,郊野美學

「我的設計靈感常常來自對於大自然的熱愛與觀察,但我從沒想過香港有這麼美的郊野體驗。」蕭青陽興奮的表示。

蕭青陽用馬拉松方式跑過麥理浩徑,並希望再有慢慢欣賞沿途風景的機會

蕭青陽今年前往香港,看到了香港山與海的交會、六角岩柱的壯闊,郊野之美的展現透過鏡頭表露無疑。在繁忙的城市生活中,緊鄰的郊野讓港人瞬間轉換心境。大自然的美與壯闊,不僅提供了藝術家靈感,更為都市人帶來了美的感知。此次蕭青陽探訪的麥理浩徑被國家地理頻道評選為「全球20條最佳行山徑」,沿途的美景是香港必訪的景點之一。

|香港藝術月,全新開幕文創熱點,細細玩味香港獨特美學

每年香港藝術月的三大藝術展演是喜好藝文的旅客不能錯過的重頭戲。第七屆的香港巴塞爾藝術展邀請了來自36個國家共242間藝廊參展,當中21間更為初次登場;第五屆Art Central同樣陣容鼎盛,吸引全球逾百間藝廊參展。

ABHK17, Encounters, 10 Chancery Lane and PPOW, Dinh Q Le, PR__EH_2271/Jessica Hromas for Art Basel

而新開幕的文創景點「戲曲中心」是香港西九文化區第一個揭幕的全新文創熱點,其建築以中國傳統燈籠為藍本,揉合古今特色的建築設計是戲曲中心的一大特色,高八層的鋼筋建築以現代建築設計表現未來感,除了大型傳統戲劇,觀眾可在茶館劇場體驗「一盅兩件」邊吃點心品茗邊看戲的傳統香港文化,相當適合初次接觸戲曲藝術的觀眾。

戲曲中心/攝影:謝至德

另外位於荃灣的南豐紗廠現為重要的文化與設計集中地,呈現昔日香港紡織業的輝煌成就。即將於3月起開放的「六廠紡織文化藝術館」,是香港首個以紡織為題的藝術場地,細訴香港紡紗工業的歷史故事,以及世界各地的織布工藝。

荃灣的南豐紗廠為全新開幕文創熱點

各種不同族群與時代建築融合在城市中,是香港的美學特色

蕭青陽說大館的開放讓他有機會看到如同英雄本色般的場景,其廣場更是藝術愛好者必去朝聖的地方

叮叮車也充滿塗鴉藝術

蕭青陽旅行住的地方,轉角就可以看到菜市場、塗鴉牆、還有外國人街頭吹撒克斯風,完全符合『繁忙美學』

資料圖片提供/香港旅遊局
編輯/艾莉歐

香港ArtBasel搶先看|掛毯說 這是畫,我定是在做夢

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神祕學觀藝術 痛苦會過去,美會留下 雷諾瓦(Pierre-Auguste Renoir)

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城市美學新態度

雷諾瓦作為雙魚座的藝術家,他的畫作可以說是非常符合雙魚座的氣質:柔軟、夢幻、輕盈,彷彿畫中無憂無慮的青春與浪漫就是生活本來該有的樣子。在瞭解雷諾瓦的繪畫與生平時,我想起有一說是「畫如其人」,而在他身上,這句話或許可以得說得更仔細:畫作不一定能反映藝術家的真實遭遇,但能從中看見他的生命哲學、他的心神嚮往。

神祕學觀藝術:雷諾瓦

康達維斯小姐像(Portrait of Mademoiselle Irene Cahen d ’Anvers,1880),收藏於瑞士蘇黎世比爾勒基金會。

據說雷諾瓦的確為人親切和善,人緣挺好,但一生也有許多辛酸。他出身工人階級,做著糊口的工作度過青少年;二十歲時學習美術,但囊中羞澀,三餐不繼,更沒有錢買顏料;雖然如此仍孜孜不倦地作畫,試著在展覽上露面,卻遇上普法戰爭,世局動盪,畫了十來年依然沒沒無聞。至而立、不惑之年終於獲得注目,陸續畫出經典之作《煎餅磨坊的舞會》( Dance at Le Moulin de la Galette, 1876)與《船上的午宴》(Luncheon of the Boating Party, 1880-81),隨後卻感染肺炎,導致呼吸系統永久受損;晚年則罹患類風濕關節炎,對於一生靠手畫畫的藝術家來說,不啻是一個重大的障礙。

神祕學觀藝術:雷諾瓦

《煎餅磨坊的舞會》,收藏於巴黎奧賽博物館。

經歷這些的雷諾瓦怎麼想的呢?他決定用美麗、用溫暖來回應。以《煎餅磨坊的舞會》為例,當時社會仍然深陷動亂,藝術家們也苦於貧困,於是在相近時期的梵谷或亨利・羅特列克筆下的「煎餅磨坊」,冷清無依,就算看似喧鬧,人們臉上卻滿是茫然無奈。而雷諾瓦呢?他讓穿過樹葉的陽光灑滿每個角落,讓青春庇佑著男男女女,輕鬆從容的氣息沾染在舉手投足之間。若不了解還以為當時是歌舞昇平的太平盛世,想不到這是雷諾瓦的特殊濾鏡。

神祕學觀藝術:雷諾瓦

《船上的午宴》,收藏於菲利普美術館。

常有人說「雙魚座就是愛幻想」,然而在這個特質背後,是一種苦澀的滋味。雙魚的符號中,一隻魚往下,一隻往上,這是易感的雙魚在感受到現實的苦難之時,會產生的兩種傾向:幻滅自憐地向下沈淪,與憧憬極樂地向上救贖。前者可能在虛無中持續受苦,後者則可能在集結智慧之後,成為救苦救難的宗教性人物。而藝術,在某種層面與宗教類似,在我們感受作品時,跨越語言與時空,脫去邏輯與理論框架,透過靈感和內在直覺,產生極為個人化的意義;很多時候難以向他人言說,卻又想把心中的感動分享出去。這些也是雙魚座的運作方式。

神祕學觀藝術:雷諾瓦

彈鋼琴的少女(Young Girls at the Piano, 1892),收藏於奧賽博物館。

雷諾瓦曾說:「何以藝術不能是美的呢?世上醜惡之事已經那麼多。」 如果辛苦不可避免,何不多創造一些美好給自己?雷諾瓦晚年時,縱使肩膀關節發炎變形,依然持續精進,並順應改變了繪畫技巧,用色與筆觸更加大膽奔放,但明亮溫暖不變。我想,他就像個拿著畫筆揮灑甘露的天使,讓我們不論日子多苦,在看著他的畫時,總有柔軟的日光灑進心中。

神祕學觀藝術:雷諾瓦

《沐浴後休憩的斜倚裸女》(Reclining Nude from the Back, Rest after the Bath,1909),收藏於奧賽美術館。

撰文/七本音
圖片來源/Marina Abramovic Wikipedia
編輯/rippling

神祕學觀藝術 千夫所指,依然為世界創作-小野洋子

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台、韓攜手策展「移動與遷徙」 高美館探索從地方至他方的漂流史

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「北漂」議題從去年底的高雄市長選舉熱炒至今,但事實上,遷徙造就了人類的歷史。為何人類選擇遷徙,背後又是什麼樣的動力?高雄市立美術館推出《移動與遷徙-從地方到他方的故事》國際當代藝術交流展,以藝術視角探究人類移動及遷徙的歷史軌跡;本展由台灣獨立策展人吳尚霖及韓國策展人金潤瑞攜手規劃,連結高雄市立美術館與韓國京畿道美術館的國際合作,邀請了19組、共22位國內外藝術家以不同類型精彩作品參展。展覽自即日起至5月19日於高美館201-203展覽室展出,高雄展覽結束後將巡展至韓國京畿道美術館(韓國展期為2019/07/11~10/13)。

藝術家 丁宰澈《藍色海洋計劃》(2016)展覽佈展畫面。

高美館李玉玲館長表示,本次展覽歷經兩年多的規劃與籌備,透過各種子計劃的串連後,終於在23日完整地在高美館呈現。台灣位於東北亞與東南亞之交界,這座四面環海的島嶼擁有特殊且複雜的人文與地理樣貌,自早期高雄港的開放起,讓大量移民遷至高雄落地生根,截至目前高雄已有270幾萬人口居住在此,造就如今高雄豐富而多元的文化底蘊。高雄與韓國京畿道美術館所座落的安山市之發展軌跡相仿,同為鄰近港邊、同為人口快速成長的都市,本次以「移動與遷徙」作為展覽主題來探討兩國文化的獨特與相似處,討論區域間移動與遷徙的過程及相互的影響,探究藝術家如何看待歷史、從而讓觀眾思考自身與展覽作品之間的關係。以藝術形式串起高美館與京畿道美術館之間的對話,其中教育及文化的意義十分特殊,亦期望透過此展覽促成兩地的藝術文化交流。

而遠道從韓國而來的京畿道美術館崔銀珠館長則提及,韓國與台灣兩地的人們總是不斷地流動,這次「移動與遷徙」即是對於外來人口及移民的議題有感而發,透過展覽的三個單元「勿忘」、「何處」以及「流浪」,將可以充分感受來自台、韓兩地的藝術家詮釋作品之共通點與差異性。崔館長也表示,一抵達高雄便感受到春暖花開的愉悅氣氛,本次高雄的展覽在暖春中開幕,也將在夏季時分「流浪」至韓國展出,歡迎民眾有機會可到京畿道美術館欣賞。

國家文化藝術基金會孫華翔副執行長表示,自2004年起國藝會「視覺藝術策展專案」就開始支持許多台灣的獨立策展人進行具實驗性與開創性的藝術計劃,本次展覽的資源挹注中,國藝會也扮演了重要的角色,本次展覽系列計劃「流浪的種子」從一開始的田野調查、移動到台東的國立臺灣史前文化博物館、再到台北植物園,直到現在高美館的跨國、跨館、跨域的大型展出。

安聖惠《夢與夢之間》。攝影/吳欣穎

本展台灣策展人吳尚霖提及,在籌備展覽的兩年間,他不斷地在台灣和韓國兩地往返,台灣和韓國都是他的家鄉,他想將韓國的故事帶進台灣,也想讓台灣的故事透過展覽帶入韓國。「移動」讓人們走出自己熟悉的地方,也走進了世界,這次參展的藝術家來自部落、都市與鄉村,以不同的觀點,帶領觀眾用不一樣的角度觀看世界。人類的移動與遷徙為自己的生存創造新的契機,從雙腳的行走到透過改變移動的方式與科技,學會使用動物來騎乘及運輸,發明汽車、船、飛機等各種不同的交通工具遊歷各處。甚至今日的網路時代,人們以簡單運用手機中的通訊軟體就能便捷的創造有效率的移動機會,甚至不需移動自己的身體便能遊歷他方的虛擬世界。展覽從時間、空間、地理、植物、生活方式、文化及科技的任何一個角度揭露我們不熟悉,甚至不曾看見、聽見的景象、聲音、故事,也同時反應各區域在現今社會及環境所面對的問題。

而韓國策展人金潤瑞則說,遷徙與人們息息相關,無論國籍、文化是否不同,終有一天將會面臨這樣的議題,也希望大家能透過本次展出的作品,觀賞來自韓國的故事。展覽三大主題「勿忘」、「何處」與「流浪」以植物及花朵盤繞的中文及韓文字意象不時地出現在展場當中,來自台灣、韓國與歐洲的參展藝術家安聖惠、高俊宏、侯淑姿、盧建銘、沈昭良、姚瑞中、林介文、多馬索・木奇、尹洙竫、羅賢、丁宰澈、金玉善、尼爾斯・克羅斯以及李宇道等人以不同媒材所創作之作品,提供給觀展者思考作品脈絡以及內容的線索,同時表現人們在身處不熟悉的異鄉時所產生的疑問、思索與感受。

藝術家林介文《Bubu》(2017)展覽佈展畫面。

 

【移動與遷徙-從地方到他方的故事|展覽資訊】

展覽期間:2019/02/23–2019/05/19

展覽地點:高雄市立美術館201-203展覽室

 

圖片資料提供/高雄市立美術館

編輯/rippling

台北當代《烏鬼》展,揭出魑魅魍魎下的原始恐懼

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蓬鬆軟Q柴犬棉花糖,傻萌療癒力大噴發

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甜蜜鬆軟的棉花糖一向能讓少女心瞬間爆棚,而蠢萌柴犬更能輕而易舉擄獲大人小孩的目光,日本知名雜貨品牌「YOU+MORE」深懂兩者的療癒力,使出了combo技,製造出會讓人自體融化的柴犬棉花糖!

柴犬棉花糖

這些迷人的柔軟小東西,使用手工模塑,每個都有一對迷你三角立耳,巧小尖起的鼻頭,以及柴犬特有的必殺笑容,展現了百分百俏皮活潑,一秒都正經不起來的可愛性格。

柴犬棉花糖

Felissimo不只開發一款柴犬棉花糖,九格禮盒裡即有九款柴犬,赤柴、黑柴和白柴一應俱全,他們或是帥氣耍酷,或是瞇眼傻笑,或是蠢呆吐舌各各不同,拿一個少一個,簡直要挑戰選擇困難的人的極限。

柴犬棉花糖

 

在不同樣貌的糖衣裡頭,包藏了討喜的巧克力內餡,適合和各種甜點冰品或飲料一起享用。有這個小甜點作伴的午後,什麼煩躁憂鬱,在捏一捏它軟Q的臉、看著它治癒力滿載的笑容後,都能如照到陽光般化開吧!

柴犬棉花糖

柴犬棉花糖

柴犬棉花糖

柴犬棉花糖

柴犬棉花糖

 

圖片來源/MY MODERN MET

在湛藍的海洋底下有著怎樣的美?

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瑕疵的重生──日本「金繼」形塑殘缺優雅之美

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金繼又稱為金繕修復(Kintsugi),是源自十五世紀日本的傳統修復工藝。混和漆料與金粉的原料,用以修復斑駁碎裂的瓷器。箔金漆料黏合後呈現的「景色」,反而成為器物的觀賞重點,展示了殘缺優雅之美。當代藝術家,拓展使用這樣的技法,開闊了人們的想像。

日本藝術家Tomomi Kamoshita 沿著海岸線漫步,蒐集途中發現的陶瓷和個人收藏,以Kintsugi技法創作出非常可愛獨特的筷架。Kamoshita表示,這種令人愉悅的創作,讓陶瓷碎片獲得重生,否則,這些碎片將被遺棄在海中,成為無用的垃圾。

美國藝術家Elisa Sheehan,則將這個修補方法用在蛋殼上,並且將不完美視為具有價值的視覺表現。為了展現蛋殼內層的美,她在上頭塗上抽象的彩色顏料及墨彩,最後謹慎地以金箔塗上裂縫。她認為,在特意突顯之下,那些原本被視為「缺點」的部分,被提升到美麗的地位。

另一個美國藝術家雷切爾‧蘇斯曼(Rachel Sussman)在出現裂縫的大理石地板上使用了Kintsugi。她認為:「裂縫代表需要注意的地方,我們走路、騎腳踏車、開車時常會忽略它,直到他們處於真正的危急狀態。透過Kintsugi,我們能用新的目光看待周遭事物,並慶祝它能進一步受到保存。」

日本美學:修補技法金繼

The image via Rachel Sussman

The image via Rachel Sussman

每個經過Kintsugi技法轉換的物品,就此重獲新生。瑕疵,已然成為不容忽視的美麗存在。

圖片、資料來源/MY MODERN MET

從日本葬禮花藝一探花道奧祕與驚人商機

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三月。自然|在玻璃裡注入數學力,造一座童話花森林

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城市美學新態度

玻璃藝術精緻脆弱,看起來冰冷不可攀,但無論是誰看到西雅圖非裔玻璃雕塑家Debora Moore的作品,都會驚豔於它們的獨特、真實和溫暖力量。

Photo via Crosscut Courtesy © Tacoma Art Museum

Photo by Dorothy Edwards via Crosscut

美國華盛頓州西部港口城市塔科馬,被譽為「世界玻璃藝術之都」,塔科馬藝術博物館即存放多件著名的當地玻璃藝術大師戴爾‧奇胡利(Dale Chihuly)的作品。該館新樓Benaroya Wing在今年一月舉辦的開幕展中,能見到Debora Moore把童話故事森林具象化,如同巨大盆景般,原寸大小的古老樹木就此搬到人們眼前。

Photo by Rozarii Lynch via SETTLEWEEKLY

這些作品有著非常豐富的細節,顛覆人們對玻璃藝術的印象──樹根從沉甸甸的石頭下生猛彈出;粗糙斑駁的樹皮上,綴有天鵝絨似的綠色苔蘚;沿著枝幹看去,若有芬芳血肉的花果,就垂在上頭。每個想像與現實玩美揉合的元素,都在合宜的分散、俯仰之間,達到完美的平衡。

Photo via Crosscut © Tacoma Art Museum

過去30年,她做得最多的是蘭花,或是花在一段枝枒上。她的作品總能善用玻璃的透射、反光特性,透明到不透明的變化等材質優勢,完美佐以色彩深度、精湛紋理,實現了自然界令人驚豔的多樣、活力與優雅。

Photo by Dorothy Edwards via Crosscut

然而,她不滿足只做樹的一部分,想將整身的樹做出來。為了實現這個幾年前冒出的想法,她歷經了長達數年的試驗──背後意味著大量的失敗與堅持。

由於大樹不同於以往的作品,要能直直立起,她知道自己得進一步學習,來確保樹木能站立,她測量每個小物件,仔細記錄下來,並且運用結構工程、代數等知識,讓夢想成真。「這些都是數學。」Debora Moore笑著說。

她在吹製、旋轉中製成了第一棵樹,那是株冬梅。然而天氣很冷,她使用自製的防水布和加熱器系統,嘗試讓她的結晶在露天空間保持穩定。然而在一個寒冷的夜晚,那棵冬梅在帆布的保護下,還是崩裂墜毀了。她沒有就此放棄,持續試驗新的方法,甚至從她的造型師使用的粉底液,得到創作材料的靈感。

Photo by Dorothy Edwards via Crosscut

兩年後,清麗的冬梅、柔美的紫藤、層疊綻放的春櫻,還有鮮亮的玉蘭逐步綻出,她完成了她的花林。但Debora Moore的童話森林故事還不會結束,她持續開發新的製法,「要做更多的樹」,這個想法仍在她體內燃燒。

Photo via Crosscut © Tacoma Art Museum

圖片、資料來源/CrosscutSETTLEWEEKLYDebora Moore

紫外線花卉攝影 拍出性感夜店風

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神祕學觀藝術 永恆的絲線─路易絲・布儒瓦

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提到「母親」時,大部分的聯想或許是溫潤包容、柔韌強壯的形象;也或許想起了自己的母親,有著除非身為子女否則不能明瞭的輪廓。這次要聊的藝術家,以一系列名叫《媽媽》的雕塑作品聞名,這些《媽媽》身高動輒將近十公尺,有的矗立在世界各地的美術館前,有的出現在藝術展覽會場,各有不同的姿態和材質,但都有著相同的形象——巨大的蜘蛛。

《媽媽》(Maman, 1999),加拿大國家美術館 pic via Wiki © John Talbot

這位藝術家是路易絲・布儒瓦(Louise Bourgeois, 1911~2010)。在她將近百年的一生中,有四分之三的歲月皆投身藝術創作,也累積了數量可觀的作品。她的創作中有許多一再出現的元素,比如蜘蛛的形象、由一根絲線垂釣的扭曲物體、部分人體的叢聚集合、生殖器形象、縫紉等等,同時,作品的命名多有耐人尋味的故事性,隨手列舉《他消失於無聲中》、《高明的說謊者》、《父親的毀滅》、《危險的通道》、《銜接的獸穴》等等,好似一部作品就是一部小說,而這些都是(據本人表示)在反應「個人經驗」。想當然爾,人們若想窺探究竟,必定會問:在她身上,發生過些什麼事?

路易絲・布儒瓦。pic via Artspace

藝術家的套路設定之一是有著悲慘的童年,布儒瓦正是。她曾說「男人都是瘋子,女人總是悲哀」,她記憶中的父親既疼愛她又羞辱她;當一戰爆發,父親從戰場回歸家庭後變成尋釁好勝之人,在親情之間不斷開闢戰場;另外父親與布儒瓦的家庭教師長年私通,然而自己所敬重又深愛的母親卻選擇隱忍,最後小三甚至登堂同居。直到布儒瓦步入青春期,母親因病去逝,承受不了喪母之痛的布儒瓦投河自殺,結果為父親所救,但這樣的父親卻否定了布儒瓦選擇從事藝術工作的決定。我盡可能濃縮簡述,然而這些也僅是她人生故事的其中幾個篇章。這裡頭交雜了無數扭曲難解的情緒,沖刷著年幼的布儒瓦,她甚至不懂自己在承受什麼,只能窮盡一生透過藝術去為自己消化、療癒、思索、發聲。

開花的雙面神(Janus Fleuri, 1968)©The Easton Foundation/ Licensed by DACS

布儒瓦星盤中所暗示的各種生命挑戰,大量地匯集到月亮身上(月亮相關的主題之一便是「內心個人的母親形象」),而她代表藝術創作的第五宮裡面,有一顆冥王星與月亮相連。冥王星常與深刻的「心靈重生」有關,當事人往往會經歷某些具有毀滅性的事件,在痛苦中逼出潛能,產生「置之死地而後生」的蛻變。這豈不是跟布儒瓦的故事很貼合呢?有趣的是,象徵冥王星的生物當中,除了常被提起的蠍子,蜘蛛也是其一;布儒瓦星盤中相連的冥王星與月亮,具現化為蜘蛛與母親了。

布儒瓦說蜘蛛是聰明、勇敢、耐心、靈巧、優雅,同時充滿保護的力量,就像她的母親。對於一些看到蜘蛛就忍不住尖叫逃跑的人來說,這樣的聯想應該是很不可思議的吧?其實短短的篇章也僅能蜻蜓點水,無法盡數布儒瓦星盤中各個與月亮關聯的行星。其實我們或許也無法盡數自己與母親之間的各種故事、各種體會、各種除非透過藝術否則不能表達的複雜情感吧!

Louise Bourgeois with Spider IV, 1996. Photo by Peter Bellamy.

撰文/七本音

編輯/rippling

神祕學觀藝術 千夫所指,依然為世界創作-小野洋子

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古都風華、活力再現,ART TAINAN 2019搭建藝術新橋梁

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由社團法人中華民國畫廊協會主辦的台南藝術博覽會,將於3月15日至17日再度於大億麗緻酒店展開。本次年度主題為「古都風華、活力再現」,期許台南藝博融合古都風華與精神,並為大台南地區帶來藝術的嶄新活力。

Masayuki Tsubota, the wall of self(2018).

劉國松,〈夜靜雪山空〉(2016)。

畫廊協會理事長表示:「去年的人氣與買氣一流,讓邁入第七屆的藝術展會今年度申請參展的展商踴躍,此次有11家首度參展的畫廊,最終有51間精彩展間呈現。展會期間更首開先例,與國立臺灣藝術大學創新育成中心產學合作,落實產學接軌與培植專業特色領域發展,期望以藝術產業先驅之姿,搭建起藝術與文化創意產業的橋梁。」

孔景才,〈城系列——籠〉(2016)。

2019台南藝術博覽會將透過在地單位之結合,呈現出一系列豐富多元的活動。本屆「臺南新藝獎」得主中的三位藝術家,包括徐婷、洪譽豪以及劉呈祥,展期間將以主題個展形式,完整呈現各自的藝術創作面貌。

2019臺南新藝獎得主徐婷作品。

在大億麗緻的1樓大廳,設有公共藝術展區,展出重量級日本當代藝術家奈良美智(Yoshitomo Nara),以及歐洲當紅德國雕塑家威利.西伯(Willi Siber)等大師作品。同時,3月16至3月17日,將會在展會中舉辦3場藝術講座,主題從藝術收藏、美術館的未來展望到藝術史脈絡梳理。

奈良美智,〈Your Puppy〉(2016)。

此外,本次台南藝博亦規劃了精彩的台南藝文散步地圖,讓民眾觀展之餘,不忘用自己的雙腳親自感受、體驗春日府城的藝薈風華,為讓在地民眾能更親近藝術作品。

Toshimatsu Kuremoto,〈成功業務〉(2018)。

2019台南藝術博覽會再次將北中南的優質畫廊齊聚一堂,綻放出蓬勃豐富的藝術面貌,值得藏家與藝術愛好者前來欣賞品味。

琢璞藝術中心示範展間藝術家林俊彬作品。

琢璞藝術中心示範展間。

 

更多講座訊息以及線上報名,請參見官網。https://2019.art-taipei.com/tainan/tw/art-lecture/

Accupass線上售票

台南藝術博覽會將於即日起開始在Accupass線上系統販售,敬邀所有藝術愛好者,共同親臨現場,感受古都帶來的藝術感染力,購票網址請拜訪https://www.accupass.com/go/arttainan2019

2019 台南藝術博覽會

展覽地點:
台南大億麗緻酒店 8F & 9F (台南市西門路一段660號)

公眾開放:
2019.3.15-16(五)12:00-19:00
2019.3.17(日)12:00-18:00

圖片、文字資料提供/社團法人中華民國畫廊協會
編輯/rippling

ART TAINAN 2019『不』可見的維度-新藝獎

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多元活躍國際的5位當代菲律賓藝術家

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菲律賓因其歷史、地理及社會環境等因素,文化多元包容,並有高度的國際流動性,使其當代藝術不拘一格,並活躍於世界各地。台灣的許多美術館、畫廊及藝術節,也時常能見菲律賓藝術家的身影,足見其活潑的能量展現。以下來認識五位菲律賓當代藝術家吧!

厄尼斯特・康賽普尚(Ernest Concepcion, 1977-)

康賽普尚是名視覺藝術家,作品經常可見材料與技巧的交疊與實驗風格。布朗茲美術館、紐約亞洲美國藝術中心、夏威夷哈娜努努當代美術館、紐約皇后美術館等著名美術館和藝廊,都能見到他的創作。2015年獲得了菲律賓藝術中心頒發「13位傑出藝術家大獎」。

Ernest Concepcion , “OMG CHRIST”(2015) ©Ernest Concepcion

羅納德.溫杜拿(Ronald Ventura, 1973-)

溫杜拿的作品揉合多層次的複雜構圖、歐美小說、日本動漫,乃至亞洲神話等元素,涵蓋平面繪畫、攝影裝置和雕塑,繪畫多著重於當地人體型態的展現,喜歡使用當地媒材,風格時而怪誕、時而夢幻。台北當代曾展出他的作品,而在蘇富比香港拍賣會上,其畫作《Grayground》以110萬美元的高價賣出。

Ronald Ventura , “Grayground” ©Ronald Ventura

理羅‧紐(Leeroy New, 1986-)

菲律賓藝術家,作品跨及電影、劇場、產品設計、行為藝術與時裝,擅長跨界結合。他的作品時常從自然中汲取靈感,其大型公共藝術創作,也使用日常環境中常見的物品和材料。他曾於2014年被菲律賓藝術中心授予「13位傑出藝術家大獎」。

Leeroy New , “Catch the Corals on the Skyline”(2015), photo via When In Manila ©SKY GAVIN

奧斯卡‧維拉米(Oscar Villamiel , 1953-)

菲律賓裝置藝術家維拉米,以在地的拾獲物做為他的創作素材,將之組織成大型裝置聞名。脫落的鳥羽、漁網崩解後殘留的細線碎片、枯枝與落葉,這些無論是來自天或地的脆弱物質,都能在他手中獲得重生,具現了藝術生命的不息與詩意。

Oscar Villamiel , “Black Forest” via NOLISOLI

戴克斯特‧菲南德(Dex Fernandez, 1984-)

菲南德的創作養分,源自街頭塗鴉、流行文化和紋身等影響,挑戰人們對藝術的定義。他曾以攝影形式記錄底層民眾群象,後來他在這些照片上開始作畫,以怪異繽紛、如蟲似菌的抽象圖樣重新賦予畫面新意涵。Dex Fernandez的作品活躍於世界各地,並進行在地駐村與創作。

Dex Fernandez , “Heartache”(2018) © Dex Fernandez / The Drawing Room

資料來源/culture trip

汲取傳統工藝靈魂 泰國設計師蘇帕猜・克萊瓦塔儂 | Green Touch 亞洲綠色工藝設計展

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海妖公主的歌— 片山真理的布手腳

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海妖公主片山真理布手腳

海妖公主被浪潮推上沙岸,攤躺著,離開了水域眼神卻依舊高傲,她沒有雙腳,只有數十隻剪刀般的蟹足彼此雜亂地交疊,上面綴滿了蕾絲布、海貝、珍珠串、碎鑽,散發著一種憂鬱的邪氣美⋯⋯

海妖公主片山真理布手腳

片山真理(Mari Katayama)在出生時便罹患了脛骨的半肢畸形,她沒有能支撐身體重量的縱向小腿脛骨,九歲時便截去了右腳掌以及左小腿,此外,她的左手缺了三根手指,剩下的兩隻手指根部肥厚,而指尖向內彎曲,像極了蟹螯。

螃蟹女的怪異模樣,讓片山真理年少時便不相信語言,因為她對師長的求助與同學的溝通總是失效。片山真理開始在自己的義肢上畫圖,有的同學開始對她的圖畫感到好奇,開始有了交流,而有的則是感到奇怪反而不敢再欺負她,藝術成為她蟹殼般的庇護所,保護她不被霸凌的礁岩重重劃傷。

「對我來說,藝術是一個梯子,帶我跨越不思議之牆,或是一枚炸彈,摧毀不可逾越之牆。」

片山真理在東京藝術大學時便開始縫製布料與填充物的手腳,一開始片山真理按照自己被截去的腳的比例來製作,用花布縫製,棉料填充,擺放在她的截肢處拍照。幻肢症是一種人的身體部位被人工截斷後,會產生的感覺病症,讓人以為原先的手腳還在,片山真理就曾提到他時常會感覺到自己的截肢處會搔癢,讓她覺得腳掌未曾被截斷。

幻肢症的原因複雜,一般醫學認為是大腦神經區塊的問題,而就藝術上來說,片山真理的的布手腳軟綿綿的,並不具有實際的行動作用,她的創作比起單純身體殘缺的補足,更像是心靈上的「補完」 ,身體與心靈的缺憾其實是密不可分的,我們常常將身體與心靈區分為容器與內容物的關係,身體只是一只裝著靈魂的瓶子,但真的是這樣而已嗎?

英國哲學家吉爾伯特·萊爾(Gilbert Ryle)1949年的著作《心靈的概念》(The Concept of Mind)中,就曾提到:

「即便人體是一部引擎,但它可不只是部普通引擎,因為它的某些運作機能是被其他的內部引擎主宰著的。它不可見,不可聞而且沒有體積或重量。」

萊爾認為,人的身體不僅僅是一個容器而已,它也有自己的意識,日本小說家吉本芭娜娜的著作《身體都知道》,書名就開宗明義告訴你,我們的身體其實隨時隨地都在映射著自身的情緒,唯一的差別就是我們有沒有去感知,片山真理藉由她創造的填充手腳感知著自己的身體與心靈,在藝術中獲得能量。

隨著創作層次與細膩度的提高,片山的布手腳不再只是一種填補,她開始大量製作,將這些手腳披掛在身上拍照,也她依照自己左手的蟹螯狀手掌,製作了一個大型的填充手,有時將它當成自己的下半部身體,也時候抱它,像是孩童依賴著,原本受人嘲笑的蟹螯手,變成了藝術的武器,讓片山有戰鬥的能力。

大多的身體障礙人士光是為了正常行動,就耗費了全部的心力,裝飾對他們來說是一個奢侈,甚至從未想過,而片山認為,身障者除了活著,理所當然也有追求美麗的權利與能力,為此她練習了如何穿著高跟鞋義肢,拍攝成照片。

她藉著自己的螃蟹手為出發點,將自己的頭髮,以及具有海意象的貝殼、珍珠加入填充,布料也增加了許多蕾絲,上面甚至有許多晶亮的小碎鑽,巨大的螃蟹手裝載了片山真理的生命意念,在2017最新一期個展的裝置作品中,她的海妖世界從自我內在的補完,擴張到了外面的世界,海貝、珍珠、髮絲突破了蟹螯的形狀,被片山裝入絲襪般的袋子,垂掛在網上。

片山真理柔軟的布手腳與蟹螯讓她在大浪裡來去自如,海妖公主在大浪裡依舊演出著奇異魅惑的歌聲,將路過的旅人,都引入她的網與空間。

 

撰文/許兵慰
編輯/艾莉歐

不禁要多看一眼的泳池鮮肉—浸泡在范揚宗與大衛霍克尼眼中

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三月・自然|從藍色看見古埃及到近代科學

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藍色的由來

藍色與地球上最大的兩個自然特徵有關:天空和海洋。但情況並非總是如此,一些科學家認為,最早的人類實際上是色盲,只能識別黑色,白色,紅色,後來只能識別黃色和綠色。因此,沒有藍色概念的早期人類根本無法形容它。這甚至反映在古代文學中,例如荷馬在「Odyssey奧德賽」中將海洋描述為「wine-red sea.(葡萄酒般的紅海)」。

藍色最初由古埃及人製作,他們研究出如何製作用於裝飾藝術的永久性顏料。在接下來的6000年裡,藍色不斷發展,世界上的藝術大師甚至使用某些顏料來製作一些最著名的藝術作品。

Egyptian Blue埃及藍

藍色的由來

Egyptian Juglet, ca. 1750–1640 B.C. (Photo: Met Museum, Rogers Fund and Edward S. Harkness Gift, 1922. (CC0 1.0))

我們要感謝古代埃及人發明的一長串事情,其中​之一就是藍色。被認為是第一種合成的彩色顏料,埃及藍(也稱為cuprorivaite)創建於公元前2200年左右。它是由磨碎的石灰石與沙子和含銅礦物(如藍銅礦或孔雀石)混合而成,然後被加熱在1470和1650°F之間,產生出不透明的藍色玻璃。之後將其粉碎並與蛋白質等增稠劑混合,便形成持久的油漆或釉料。

埃及人非常尊重這種色調,並用它來繪製陶瓷,雕像,甚至裝飾法老的墳墓。這種顏色在整個羅馬帝國時期仍然很受歡迎,一直使用到希臘 – 羅馬時期(公元前332年 – 公元395年)結束後,新的色彩生產方法才開始發展。

Figure of a Lion. ca. 1981–1640 B.C. (Photo: Met Museum, Rogers Fund and Edward S. Harkness Gift, 1922. (CC0 1.0))

令人微笑的事實: 2006年,科學家發現埃及藍在熒光燈下會發光,這表示顏料會發出紅外輻射,這項發現使歷史學家更容易識別古代文物的顏色。

 

Ultramarine 群青

“Virgin and Child with Female Saints” by Gérard David, 1500. (Photo: Wikimedia Commons)

群青的歷史始於大約6000年前,當時由青金石製成的充滿活力的珍貴半寶石,最初由埃及人從阿富汗山脈進口。然而,埃及人未能將其變成油漆,每次嘗試都會使藍色混和成為灰暗。因此,他們將青金石用來製作珠寶和頭飾。

 

青金石也被稱為「真正的藍色」,在6世紀首次作為色素出現,並被用於阿富汗巴米揚谷內的佛教畫作。它被重新命名為群青 – 拉丁語:ultramarinus,意為「超越海洋」 。當群青在14世紀和15世紀由意大利商人進口到歐洲時,它深沉的皇家藍色品質,被認為與黃金一樣珍貴,因此備受居住在中世紀歐洲的藝術家們追捧,成為豪門貴族才買得起的顏料。

“Girl with a Pearl Earring” by Johannes Vermeer, circa 1665. (Photo: Wikimedia Commons ,PD-US)

群青通常只保留給最重要的畫作使用,例如GérardDavid的聖母瑪利亞和聖女的聖母瑪利亞的藍色長袍。據說,巴洛克大師Johannes Vermeer畫了一個珍珠耳環的女孩時使用的群青顏料太多了,以至於把家庭拖入了債務之中。直到1826年由法國化學家發明一種合成群青材料,雖然仍然非常昂貴但已是非貴族可以購買得起,後來被命名為「法國群青」。

令人微笑的事實:藝術歷史學家認為,米開朗基羅畫作The Entombment( 1500-01)時尚未完成就離開,是因為他買不起更多的群青。

Cobalt blue鈷藍

“The Skiff (La Yole)” by Pierre-Auguste Renoir, 1875. (Photo: Wikimedia Commons ,PD-US)

鈷藍可以追溯到8世紀和9世紀,大多用於陶瓷和珠寶的顏色。在中國尤其如此,它被用於獨特的藍白圖案瓷器。後來,法國化學家LouisJacquesThénard於1802年發現了一種更純淨的氧化鋁型版本,並於1807年在法國開始商業生產。像JMW Turner,Pierre-Auguste Renoir和Vincent Van Gogh這樣的畫家開始使用新的顏料取代昂貴的群青。

“Dinky Bird” by Maxfield Parrish, 1904. Via Wikimedia Commons ,PD-US

令人微笑的事實:鈷藍有時被稱為Parrish藍色,因為藝術家Maxfield Parrish用它來創造獨特的,強烈的藍色天空。

 

Cerulean蔚藍

“Summer’s Day” by Berthe Morisot, 1879. (Photo: Wikimedia Commons,PD-US) 

最初由鈷錫酸鎂,天空獨特的蔚藍色得由Andreas霍普夫納在德國於1805年通過焙燒鈷和氧化錫完成。然而,直到1860年Rowney and Company以coeruleum的名義出售後,蔚藍才被用作藝術顏料。在1887年的夏日,藝術家Berthe Morisot使用天藍色和深藍色和鈷藍色來描繪女人的藍色外套。

令人微笑的事實: 1999年,Pantone發布了一份新聞稿,宣布蔚藍為「千年之色」和「未來的色彩」。

Indigo靛青

Indigo, historical dye collection of the Technical University of Dresden, Germany. (Photo: Wikimedia Commons,CC BY-SA 3.0)

儘管藍色在繪畫中是屬於昂貴的顏料,但用於染色的紡織品卻是便宜得多。與稀有的青金石不同的是,一種名為「靛藍」的新藍色染料,其製作原料是來自於世界各地「生產過度」的作物Indigofera tinctoria。它的進口震撼了16世紀的歐洲紡織品貿易,催化了歐美之間的貿易戰。

09 Indigo dyed textile (England), 1790s. (Photo: Matt Flynn via Wikimedia Commons ,PD-US)

使用靛藍染色的紡織品在英國最受歡迎,所有社會背景的男女都至少會有一件靛藍色的衣服。當合成靛藍被開發出來時,天然靛藍在1880年被取代,合成靛藍至今仍用於染藍色牛仔褲。然而,在過去十年中,科學家們發現大腸桿菌可以通過生物工程改造,產生與植物中靛藍相同的化學反應。這種稱為「生物靛藍」的方法,可能在未來製造環保牛仔布方面發揮重要作用。

 

令人微笑的事實:「色譜」的發明者艾薩克・牛頓相信彩虹應該由七種不同的顏色組成,以匹配一周中的七天,七個已知的行星,以及音樂音階中的七個音符。雖然許多其他當代科學家認為彩虹只有五種顏色,但牛頓堅持橙色與靛藍的存在。

 

Navy blue海軍藍

Navy cadets in uniform, 1877. (Photo: Wikimedia Commons ,PD-US)

海軍藍是世界上最深的藍色,正式名稱為海藍色, 被採用為英國皇家海軍制服的官方顏色,並於1748年被官兵和水手穿著。靛藍染料是18世紀歷史海軍藍色的基礎,現代海軍已經使他們的製服顏色變暗幾乎是黑色,以避免褪色。

令人微笑的事實:海軍藍有很多種,包括太空軍校學生。太空海軍藍是在2007年制定的。這種色調與負責探索外層空間的太空海軍軍校學生的製服有關。

 

Prussian blue普魯士藍

1“The Great Wave off Kanagawa” by Katsushika Hokusai, 1831. (Photo: Wikimedia Commons ,PD-US)

普魯士藍也被稱為Berliner Blau,是由德國染料製造商Johann Jacob Diesbach偶然發現的。當時Diesbach正在努力創造一種新的紅色,過程中他的一種材料 – 鉀肥 – 與動物血液接觸後,產生了驚人的化學反應,行成鮮豔的藍色。

Prussian blue pigment. (Photo: Wikimedia Commons ,CC0 1.0)

Pablo Picasso 使用普魯士藍顏料創造了他的藍色時期,而日本木刻藝術家Katsushika Hokusai用它來創造他神奈川的標誌性的The Great Wave,以及他在富士山三十六景中的其他版畫。然而,此顏料不僅用於製作傑作。1842年時,英國天文學家約翰·赫歇爾爵士發現普魯士藍對光具有獨特的敏感性,是製作圖紙副本的完美色調。這一發現對建築師這樣的人來說非常寶貴,他們可以創建他們的計劃和設計的副本,現在被稱為「藍圖」。

令人微笑的事實:如今,普魯士藍還被用於專治療金屬中毒的藥丸中。

International Klein Blue國際克萊因藍

“IKB 191”, 1962 by Yves Klein. (Photo: Christophe Brocas via Flickr,CC BY-NC-ND 2.0)

為了追求天空的色彩,法國藝術家Yves Klein開發了一種啞光版的深藍色,他認為這是最好的藍色。他註冊了國際克萊因藍(IKB)作為商標,深色調成為他在1947年至1957年之間的標誌。他畫了200多幅單色畫布,雕塑,甚至用IKB顏色繪製人體模型,這樣他們就可以「打印」他們的身體做成帆布。

令人微笑的事實:克萊因曾經說過「藍色沒有尺寸,它已超出了維度。」

 

最新發現:YInMn Blue

YInMn Blue。(Photo:  Wikimedia Commons,CC BY-SA 4.0)

2009年,Mas Subramanian教授及其當時的研究生Andrew E. Smith在俄勒岡州立大學偶然發現了一片新的藍色。在探索製造電子產品的新材料時,史密斯發現他的一個樣品在加熱時變為亮藍色。當他重新將化學成分為釔,銦和錳合成之後,得到近乎完美的藍色和非常高的近紅外反射率。YInMn Blue的耐用程度高過群青藍或普魯士藍,在油和水中其鮮豔的色彩比鈷藍更持久,因此於2016年6月開始用於商業。

YInMn Blue的晶體結構

資料來源/MY MODERN MET
編輯/艾莉歐

用顏色說話的鮮豔復古拼貼照片─ Eugenia Loli

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這篇文章 三月・自然|從藍色看見古埃及到近代科學 最早出現於 城市美學新態度

白色情人節不心碎提案:如果沒有人願意一起在月光下吃泡麵

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城市美學新態度

自從夏目漱石老師把「我愛你」翻成「月色真美」,關於月亮的禁忌,在不能用手指之後,又添上一筆──不能隨意對人讚美它。

但總有人想在「對的時間」聽到這句話,然後可以學韓劇歐巴很大人地回:「來我家吃泡麵吧。」你說連個蚊子聲都沒聽到?沒關係啦,人生不如意十之八九,讓藝術家教你怎麼行過生命裡的死蔭幽谷,看見新幸福。

1.自己的月亮自己愛

沒人見到月的美?那就自己誇吧,順道為它拍張網美照,向世界大聲宣告。

範例:

俄羅斯藝術家里歐尼堤胥可夫(Leonid Tishkov)帶著私人月亮浪走天涯,行經俄羅斯、紐西蘭、日本、義大利、美國、北極以及台灣高雄等地,讓人知道和它在一起,每一刻都美。

2.天生泡麵必有用

沒人一起分享覺得不夠暖?一包滾水泡開自己吃,另一包沒人吃的,天生我材必有用,例如拿來織條圍巾,保證暖胃又暖心。

範例:

新加坡的印尼裔藝術家辛西婭(Cynthia Delaney Suwito)先將泡麵煮熟,待麵條冷卻後,以棒針將一縷縷麵條細細勾起、編織。煮熟的麵條脆弱易斷,動作需要非常緩慢小心,往往3、4個小時,卻只能夠織出20到30公分長的「作品」。泡麵的速食概念與手邊的動作形成很大的對比。

圖片、資料來源/Leonid TishkovCynthia Delaney Suwito

編輯/rippling

中秋專題 | 就想跟著月亮私奔去!

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神祕學觀藝術 村上隆之金錢是修煉藝術的業障

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村上隆水瓶座商業藝術

圖 Sodacan

村上隆( Murakami Takashi ),充滿爭議的當代藝術家,傳統藝術界罵他是譁眾取寵的藝術掠奪者,而認為「藝術有其高度不該被玷污」的保守派,也被他弄得坐立難安,當他的作品在法國凡爾賽宮展出時,官方曾收到數千封聯署激烈反對。

在日本當代藝術大師中,村上隆或許是與祖國的情愫最複雜的一位。有感於「日本藝術圈不該再抱著鎖國意識」,於是拼命尋找進入世界的敲門磚,並在鑽研西方藝術脈絡的方程式之後,找到了最佳解,以東方的平面藝術觀,打通西方藝術史的關節,成功地投出「超扁平」震撼彈,席捲全球。同時,他經手的作品,上通最頂級的藝術拍賣市場-作品《727》拍賣價格超過一億日圓,創下日本現代藝術畫作的價格記錄,下達流行產業遍地開花-LV的櫻桃包、植村秀彩妝、Vans設計鞋款、Kanye West的MV ⋯⋯等等,終使自己與日本在國際上大鳴大放,但前衛的操作方式和異常發達的商業嗅覺,使他成為日本藝術界王道精神的公敵。

村上隆水瓶座商業藝術

作品《727》

LV櫻桃包

植村秀彩妝

Vans設計鞋款

他知道自己是不被理解的,也不想討好誰,轉過頭來說這樣的日本不上進、不成材,好似他和日本互相討厭,但其實他念茲在茲是日本的文化與社會,並致力提攜後進,而且其實日本人購買各種他的聯名商品毫不手軟,年輕族群也視他為偶像。
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要掀起這樣的潮流(還是海嘯?),絕對不只「是個很有商業頭腦的藝術家」如此而已。村上隆三十歲前的窮困潦倒不得志,常常被拿來解釋他的金錢欲,然而被窮怕了的藝術家何其多,也不是每個人都能翻身到這種程度。我在閱讀他的著作時,強烈感覺到他有著「捨我其誰」的「革命家」特質。

十二星座中,最符合「革命家」角色設定的是水瓶座,有著無法動搖的理想,而且為了達成目標,理智冷靜到近乎缺乏人性。而村上隆不只是水瓶座,還很純。有著水瓶星群(聚集的行星有六個!)的他,明著跟大家說:享盡榮華富貴的人,沒有什麼不能用錢解決,所以他們會想「超越人類」,想看到超人才看得到的風景,而藝術就是在滿足這樣的願望。有錢人跟藝術家的價值觀完全不同,但金錢可以讓藝術家製作出超人的風景,要克服金錢這個業障,只有去修煉藝術的本體⋯⋯。說真的,我覺得這邏輯也太跳耀,但卻幾乎被他說服了,這也是水瓶座的魅力之一。

被譽為安迪.沃荷( Andy Warhol ) 接班人的村上隆說:「對於思考程度僅止於『藝術是美麗事物』的人來說,是不會了解沃荷的罐頭的。」他說沃荷和他都是善於理解和詮釋世界藝術運行的規則,才能將「東西」變成藝術。不被理解也沒關係,「我會等待,等待現在的喧囂結束。然後去運作。讓下一個世代的藝術活動領域更加擴大並設立真正的價值標準」。這樣的發言,有人說是狂妄,然而看他至今仍孜孜不倦地實踐著他的所有宣言,並不斷進化作品,我想,或許硬底子的瘋子,就是偉人。

《雲中之龍——靛藍》© 2010 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved./圖Photo: Matteo Piazza,Courtesy Gagosian.

「花與骷髏」特展

撰文/七本音

安迪・沃荷POP ART 系列講座|沃荷作品憑什麼拍到5.69億美元?

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早鳥優惠!高雄市立美術館 X 東京森美術館 攜手推出《太陽雨》特展

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台灣首度大規模東南亞當代藝術盛會─《太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術》由高雄市立美術館與東京森美術館聯手策展,聚焦於現今最引人注目的東南亞當代藝術,由繪畫、攝影、影像以及裝置作品等多樣的創作形式,探索東南亞自1980年代以來的發展及轉變,呈現區域各國之民族、政治、經濟、文化、歷史等多面向議題。

新加坡行為藝術家李文的作品「Strange Fruit」(2003)系列攝影及裝置作品。館藏:東京森美術館。圖/高美館提供

繼高美館與英國泰德美術館於去年所合作的《裸:泰德美術館典藏大展》受到台灣藝術圈極高評價、並獲選《藝術家》雜誌所舉辦『2018十大公辦好展覽』第4名之殊榮後,今年5月高美館又將推出另一力作《太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術》!本展為東南亞國家協會(ASEAN)成立50周年之際,日本國立新美術館與森美術館所策辦的特別企劃展,是為日本博物館界難能可貴的公私合作;歷時近三年之深度踏查研究與籌備,結合了森美術館及福岡美術館之東南亞藝術館藏,並於新加坡、泰國、馬來西亞、菲律賓、印尼、越南…等東協十國中,精選最具代表性之當代藝術家及其作品,以6個不同的主題,探究二戰過後,東南亞歷經去殖民化與民主浪潮的藝術發展及轉變,並捕捉東南亞當代藝術發展之動態與多樣性。

藝術家Felix Bacolor的作品「Srormy Weather」聲音裝置,由上千片風鈴組成。Felix Bacolor,〈Stormy Weather〉(2009/2017)。展覽現場:〈太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術〉,森美術館,2017。攝影/木奥恵三 圖片提供/森美術館

《太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術》在2017年於東京展出後,當年即被日本媒體評選2017亞洲十大最佳展覽第一名,展覽期間更吸引超過35萬人次前往觀展,相當受到日本當地及國際旅客的歡迎。本次在高美館的展出更是台灣首次大規模地以當代藝術的表現形式呈現東南亞多元文化樣貌之特展,在展覽中也將帶入高美館的「大南方藝術史觀」概念,試圖塑造更寬廣的辯證空間,讓觀眾在欣賞展覽的同時,透過藝術作品,思考台灣作為南向之樞紐、與東南亞各國文化的異同。

*原展覽由森美術館、國立新美術館與國際交流基金Asia Center主辦,以及14位來自森美術館、國立新美術館與東南亞之獨立策展人所策畫。

《太陽雨》特展在東京森美術館展出一景。展覽現場:〈太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術〉,森美術館,2017。攝影/木奥恵三 圖片提供/東京森美術館

 

【展覽資訊】

展覽名稱|太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術

展覽時間|2018/5/04(六) – 9/01(日) 每日09:30-17:30,特展期間不休館

展覽地點|高雄市立美術館101-105展覽室

 

【早鳥優惠資訊】

優惠票價|100元(原價200元)

販售期間|2018/3/15(五)–3/31(日)

購票通路|ibon、博客來售票網

 

圖片資料提供/高雄市立美術館

編輯/rippling

台、韓攜手策展「移動與遷徙」 高美館探索從地方至他方的漂流史

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擲筊聖杯,帶著籤詩走入日常奇幻旅程──「處處—台灣高鐵ARt」專訪

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《處處》引導你走訪內心世界,進入一個充滿奇幻與想像的旅程,由莎士比亞妹妹們的劇團導演王嘉明與豪華朗機工林昆穎共同創作,作品取材自台灣人日常生活物件,從台灣人共同記憶取得靈感。你會在APP中看到熟悉的公園、工地、廟宇、補習街,也會看到裝麵線糊的老碗公、節慶時辦桌的大紅椅、教室中的綠色黑板,你還可能看到外太空、太空船、九大行星……。透過取樣,邀請大家勾勒想像中的畫面,望向可見的內心劇場,只要到APP STORE或GOOGLE PLAY搜尋「台灣高鐵Art」即可下載。

各種隨機組合而成的場景、物件與文字以隨機的方式出現,你可能得到一個稻田中有藍白拖的場景,搭配文字是「哈姆雷特想要回到喜悅的真實」,總共高達六十億種組合,每一次的組合都是億中選一的神奇體驗,而每個人根據自身的狀態,解讀作品的內涵也會很不一樣。整體來說,《處處》作品的目的只有一個,在這麼匆忙且快速的環境,你有沒有與自己對話?就像你到劇場看戲,跟自己對話是最重要的,甚至可以說「願意解讀的那一刻就是藝術發生的瞬間」。

Q:創作概念與目的為何?

林昆穎:

從小我就愛問爺爺問題,問透了還是繼續問。爺爺給了個遊戲,帶我沿路走到花蓮福天宮,爺爺讓我自己來,在心中對神明介紹自己是誰、住在哪裡,接著雙手握筊閉眼,慎重地問出一道內心的問題,雙手一放,兩月瓣紅漆木筊子,只要一正一反,那是聖杯,我就能到籤筒抽出籤枝,手握籤枝,再得一次聖杯,那這支籤所代表的籤詩,就是問題的解答。

創作組合是王嘉明+林昆穎,像是策展人林曼麗的雙手擲筊,求了藝術跨域、科技擴散。一正一反是聖杯,我們創造了《處處》計劃,實體高鐵票,帶你通往目的地,而虛擬的票,則開啟你的內心小劇場。從觀察台灣的常民生活開始,日常中的場景與物件,承載著不同人的記憶象徵,好比大紅桌與紅塑膠板凳,能觸發一種環境氣味,一種聲響情境,一段關係劇情。

資料庫取樣自雲林,這個保有台灣原始人文景觀的地域裡,我們看見信仰、飲食、農務、城鄉、教育、地景……感動台灣之美,也感嘆時代的移轉。當我們解構著三個線條:「劇場形式」、「虛實體驗」、「互動故事」,導出科技應用形式「AR」,從藝術家的角度來創造一個AR App,是相對幽默的事情,要不按牌理出牌,又得面對嚴格的技術規範,然而,它帶來了一場激發創意的熱情挑戰,這又是雙人擲出的ㄧ筊。

《處處》是個開放性作品,利用人手一機的現代慣常行為,創造一個隨身攜帶的AR小劇場,讓你隨時能對人生一問,求得籤詩,自我琢磨解讀一番,練練腦補功夫。我們提供的是一個互動體驗,觀眾從ㄧ道內心提問,在高鐵中找到掃描點,掃出一個由文字、場景、物件、聲音隨機組合的詩意舞台,觀眾便可順線索而自我解答。人生就是一連串的機遇與選擇,在選擇的當下,自己與自己的對話,彌足珍貴,這樣的事情,叫做內心小劇場,演員是你,觀眾是你,搬演的也是你對現實的解讀,自由表態無拘無束,自己的故事。

這個即刻開悟的籤詩系統,寓言式場景有上億種可能,觀眾在手機螢幕前,因畫面而在腦中迴響起什麼都好,這就是藝術觸發思考的瞬間,也是《處處》所創造的藝術景象,往更多共同行為去擴散,往人的內心去擴散,每個參與者,找出高鐵的隱藏門,如生命中的機遇,如籤詩般的造境,完成ㄧ段段不期而遇。

爺爺現在雲遊了,返鄉求籤仍是逢年的習慣,問題都在,籤詩也在,我們要做的就是虔誠地放手一甩,一實一虛,那是個聖杯,這就是你的一道人生指南了。

《處處》是我的解籤,那你的呢?

王嘉明:

「我們幸運極了 不確知 自己生活在甚麼樣的世界。 」──辛波絲卡,波蘭詩人。

多次來回高鐵各站,看著快速來來去去的乘客:買票、取票、等待、入閘口、上車、坐車、盯著手機、電腦、下車、直奔目的地……所謂「藝術」對這些匆忙的乘客會是甚麼?對自己又是甚麼呢?

這社會已經像個大型政論綜藝節目,從上師到上司,從政治人物到網紅,電視、網路、雜誌上一堆的影片、文章,多數人都想「簡潔地」教導或被告知,甚麼是人生態度?甚麼是創意?甚麼是專業?那裏有超好吃美食?有美爆的景點?哪裡有好笑、很炫的影片?巴啦巴啦等。所以就很不想在高鐵這流動空間,還要演齣戲,告訴你這是「藝術」。而實際上,眼前這群來來去去的乘客的每張臉,都有一雙無法複製的眼睛,每個背影都有自己的故事,每個人都有難忘轉角的那家小吃攤。

至於如何讓大家生產自己的故事或是作品呢?自己寫劇本和當導演知道,創作根本不是靠靈感,常常不過是撿拾身邊大家被遺忘的事物,想法不過是挖出大家共有但被忽略的情感和關係,根本沒有多「新」,多有「創意」。因此生活各個角落的人事物,處處都可以是創作的來源,只要換個角度,重新想像,就像辛波絲卡在諾貝爾頒獎典禮時講到:「不論靈感是什麼,它延伸自接連不斷的『我不知道』。但是,這樣的人並不多。」畢竟,要卸下「已知」,不管是對外在人事物和甚至對自己的「已知」,要抹去/摘掉/割除後,重新想像,是多麼艱難的一件事啊,所以忙碌的我們才會這麼迫切地要求:請告訴我一個簡單的答案,就好了。

因此,希望《處處》是建立如何開始面對自己說故事,同時,也是欣賞藝術的路徑。畢竟欣賞外在人事物,通常是雙向地與自己內在對話的過程。

《處處》AR裝置將由你自己問一個問題,啟動專屬你自己故事的開頭,所引發的內容不提供直接單一的答案,而是更接近劇場的一個綜合體:有場景、物件、音效、音樂、氣氛和一句關於角色的糾結,即使它有類似籤詩的指南,但只是引導你與你自己和問題、故事的想像關係。《處處》所使用的素材,都是身邊熟悉的日常生活場景和物件,所有劇場元素包括文字,會有上億種的排列組合,也在高鐵各站各處設下體驗點,希望提醒你身邊隨時都可以開啟另一道生活其他可能性的門,只要你停下來,放過你自己一下。 所以,台灣高鐵藝術元年此次不期而遇的不會是別人,而會是:你自己。

Q:就兩位導演的合作與分工是否有什麼樣的火花(或小故事)可以分享?

林昆穎:

當我還在唸書時,王嘉明就已經是劇場界很厲害的導演了,某種程度上,學生時期有受到王嘉明導演的影響,每當有人問我為什麼我要加入《處處》計劃,我都說因為王嘉明是我的偶像(笑)。不過,我們並不認識彼此,也沒有見過面,僅在世大運會議上過過一次,《處處》作品會議是我們第二次碰面。

我有音樂背景,擅長新科技媒體,王嘉明導演以前主修是地理系,現在是劇場導演,乍看很不相同,但我們卻在某種方面很互補。我在材料、媒材方面很有節掌握能力,王嘉明導演則是對處理人的題材很有節奏感,有「親人」的一面,他將對人性的觀察提煉到藝術型態上。

背景相異的我們,在合作過程中找到共通性,就是「文字的節奏感」。文字牽涉到寓意、節奏、形容,因此《處處》會以籤詩的方式出現也不意外。我們每次開會都一直聊天一直聊天,互相給很多點子,基本上我們什麼事都一起決定,去年10月底才開始真正分工。我處理視覺、軟體、程式、美術;他偏向音樂、文本、文字,我們一人帶一組團隊,合作過程從沒吵過架,對我來說,像是交到很好的朋友。

王嘉明:

我們兩個雖然擅長的領域不同,但想法和sense還滿接近的。每次開會都很開心地天馬行空想一堆點子,雖然不一定能執行,但從另一角度來看,也是一個不斷篩選和累積想法的過程。

後來進入執行階段,我們就把之前聊的素材、概念或物件一個個撿回來重組。這次工作過程比較不是先有核心概念往前走,而是先近距離累積一座資料庫,然後再拉開距離,從中找出核心方向去創作。

Q:「台灣高鐵ARt」App的目的,希望民眾下載後獲得什麼?

昆穎:

我們每個人都有內心小劇場,這件作品就是引領你進入你的內心劇場。

首先,你要問你自己一個問題,選擇一個列車班次,並選擇一個地方;接下來,掃描票券背面或高鐵椅背得到一個情境;最後,你得到一段解籤的文字。我們想要傳達給民眾的是,當你進戲院看電影或到劇場看戲,當你對情節有「感覺」時,代表有一部份的你跟戲裡的情節有共鳴,進而刺激你思考。

當你使用APP,實際上是你在自問自答,你看到辦桌用的紅桌、看到藍白拖、看到補習班的招牌,看到隨機組合的文字,這個過程你會賦予所見之物意義,就像你得到一個解答,所以很多人說這款APP「很準」,其實這是你自問自答的過程,你釐清了內心中的「什麼」,這個準是自己的解讀。由於這件作品的核心概念即是「參與」,最重要是問自己問題。另一個好玩的點是,當你邀請別人一起對話,找另一個人分享,或請別人幫你分析時,這個分享跟交流的瞬間,我覺得很迷人。

王嘉明:

緩一下,多個跟自己相處的時光吧,即使短暫也好。

在快速、直達、追求效率、單向的高鐵外在旅程中,可以趁短暫的時間,玩《處處》app過程,透過問自己一個問題,靜下心來,由自己主導開啟內在糾結、多元、既想像又真實的內心小劇場。常常會覺得準,或許是因為太忙,很久沒有與另一個既熟悉又不熟悉的自己「不期而遇」,而這跟藝術的創作過程是一樣的:與不同的自己對話,也是藝術「共鳴」的源頭:自己的內心有他者。

Q:這次與台灣高鐵合作和溝通上是否有什麼小故事可以分享呢?

林昆穎:

因為《處處》是APP,需要與高鐵技術團隊密切合作,例如協助APP上架。他們配合速度很快,兩方的連結很順暢,團隊後來都變成好朋友。雖然在高鐵做作品有先天上的限制,但我們很明白高鐵是交通運輸系統,不能有任何閃失,也不可能逾越這些閃失,這樣的規範對創作者是一個考驗,後來作品開始不停往前推進,發展出AR,並有機地長成現在的樣子,沒有人這樣做過,對我們來說是一種突破。這次跟高鐵的合作很愉快,高鐵對我們很包容也很協助,當我們遇到撞牆期,不知怎麼達到預期效果,還是一直努力要完成作品時,高鐵是一路相陪,總之有任何需求,高鐵都非常願意幫忙、協力解決。

王嘉明:

許多人會以為企業人一板一眼,但是這次跟高鐵合作,發現他們實際上相當開放和支持,也很樂於溝通、提供各種資訊以及創作上的想法。當然高鐵也是第一群APP試用者,提出的問題都相當實際,像是一開始我們設計的關卡比較複雜,高鐵就會善意提醒身為使用者的考量,反而可以讓我們跳出同溫層。

 

文字、圖片來源/()

編輯/rippling

《霹靂藝術科幻特展》跨界 X 互動 穿越 30 年異數時空

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走入梵谷的畫作身臨其境的感官美學

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去年,法國私人藝術機構Culturespaces設立了光之博物館(atelier des lumieres)的運用數位技術讓克林姆的作品展現奇蹟似的光芒,這個耀眼的展覽把巴黎老地鐵站(Bastille和 Nation之間的第 11 區)周邊的一座工廠鑄造成一種身臨其畫的夢境。

梵谷巴黎數位展覽

今年,Atelier des Lumières回來了,把同樣的空間變成了文森・梵谷的畫作仙境。「我們提出一種新的,情感的,動態的藝術方法,」藝術總監Gianfranco Iannuzzi說「邀請參觀者走入這些後印象派最著名的畫布中。」展出作品包括文森・梵谷的標誌性自畫像,鳶尾花系列,以及著名的Starry Night。

為了將這些作品推向新的高度,Atelier des Lumières使用140台最先進的雷射視頻投影機呈現完整畫作,並邀請50位音樂家演奏為這個空間增添新的氛圍,這也為所有年齡層的藝術愛好者帶來了身臨其境的感官美學體驗。

梵谷巴黎數位展覽

Simulation Van Gogh, la nuit étoilée © Culturespaces / Gianfranco Iannuzzi

Simulation Van Gogh, la nuit étoilée © Culturespaces / Gianfranco Iannuzzi

© Culturespaces : E. Spiller

 

漫步梵谷最偉大的傑作

Atelier des Lumières的數位展覽讓人沉浸在文森・梵谷(1853-1890)的畫作中,結合工作室的整個空間。這個新的視覺和聲音創作追溯了在他生命的最後10年,這段時間裡經歷繪畫的痛苦與藝術家的激烈生活,如今10年創作的作品散落在世界各地共2000多幅畫作。

該展覽探討了梵谷的大量生產,多年來發生了翻天覆地的變化,從《吃馬鈴薯的人》(1885年),《向日葵》(1888年)到《Starry Night》(1889年)和《在阿爾的臥室》(1889年)。Atelier des Lumières展示出這位荷蘭畫家強大而富有表現力的筆觸和無與倫比的大膽色彩。深色調跟隨溫暖的色調,沉浸式展覽喚起了梵谷那過度混亂和詩意的內心世界,並加強了陰影與光明之間的永久對話。

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

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© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

沉醉於日本藝術的夢幻,激發後印象派靈感

除了展示梵谷的作品外,展覽中還策畫了專注於日本藝術的短片節目-「梵谷受到日本藝術的影響」

在巴黎,他經常光顧那些崇拜日本主義的印象派畫家,文化空間主席Bruno Monnier說明「為了突出梵谷對日本藝術的迷戀,我們委託Danny Rose工作室展示一部關於日本想像作品和場景的原創作品。」

© Culturespaces : E. Spiller

© Culturespaces : E. Spiller

 

圖文資料來源/MY MODERN MET

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三月。自然|櫻雪漫天──日本攝影師Koji的四季清歌

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日本的春天,總讓人想到詩人松尾芭蕉俳句「樹下肉絲、菜湯上,飄落櫻花瓣」的場景,當台灣陽光漸煦、徐風送暖,就該是去「花見」的時刻了。

櫻花盛開,許多攝影師一年一度的追櫻行程已然開跑。日本櫻花從南一路向北盛放,每一處從含苞、綻開到飄落,僅僅是兩周內的事,大多的櫻花迷只能保佑自己排好的行程,能與這短短時間相遇,幸運見到春天的美。

去年,日本攝影師Koji在京都跟大阪就捕捉到完美的「櫻花雪」。京都唯一的路面電車──粉色的夕子「嵐電」穿過櫻林的瞬間,以及一隻綠繡眼在大阪粉櫻中停歇的可愛模樣,都在Koji的春櫻系列作品中悄然現身。

 

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今年,這位善於將春櫻細膩清柔特質,與日本當地風景完美結合的攝影師,又帶來了新的作品。

 

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別以為Koji只懂得欣賞櫻的美,日本四季的自然景色,在他的鏡頭下,自然風光與極富日本風情的寺廟、鳥居、老街,或是和傘什物、和服女子相襯和,顯得細緻純靜。

 

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在日本,有句諺語是「櫻花七日」,即訴說人們對春櫻剎那芳華的嘆息,粉色花瓣純淨、沉細且一瞬絢燦的特質,折服了每個日本文學家、藝術家,驚豔了世界,是否也深深震懾了你的眼?

圖片來源/Instagram

瑕疵的重生──日本「金繼」形塑殘缺優雅之美

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