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第一眼，是天馬行空的繪畫風格吸引了我；第二眼，埋藏在畫面裡的小驚喜，
原來真有這麼一回事！靜下心觀察才能理會插畫家 Garcia Lam 的作品， 她擅以重塑生活裡常見的物件、人事和自然，並創造出意想不到的組合搭配。

當欣賞她的畫作時，儘管畫面和諧、乾淨醒目，但請先不要太相信第一眼的所見之景，因為重點總在主體之外！神秘的圖示密碼才是關鍵，隱身在出其不意的地方，誘人仔細遍尋：像孔雀開屏的尾翼上佈滿輸入符號、山徑小路的兩旁是一張張側臉、小松鼠的尾巴其實是一把樂器等等，都讓觀者在察覺之後不禁會心一笑。

Garcia Lam 喜歡繪製場景式且具有情緒感的畫作，在裡頭添加具象的元素，提升「抽象意識」反而增進了與觀者之間的交流；當我們越是好奇插畫家所要表達的旨意、越是用心領略，同時插畫家也能從中得到反饋，將內心更深層面的情感和答覆，灌溉其中。

這些看似「畫中有畫」的創作，其實靈感都源於 Garcia Lam 的日常生活，我們所認為具象的事物其實都萌生創作者的內心，以嶄新的定義與關係，猶如啟動潛意識的按鈕，引領雙方一同踏入似曾相識卻奇幻無比的虛擬實境。

Garcia Lam 的插畫有著鮮明的個人特色，融合著意象、現代等不同風格，促使許多知名媒體如 The New York Times 等等，都將其畫作刊登於雜誌內頁中，讓更多人看見她運用空間來進行好玩、詼諧的視覺重置。

瀏覽了上述幾幅作品，你從中找到了幾個有趣的小驚喜呢？這些看似「天外飛來一筆的想法」，其實換個角度也讓人不禁思考，究竟創作者暗自流露著何種訊息呢？

文／Beryl
圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／「看兩次才能懂！」抽象插畫家 Garcia Lam 將創作者自白，包裝成驚喜藏匿於細節之中

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「2020桃園國際插畫大獎」競賽徵件起跑了！徵件時間自5月9日起至6月28日止，凡首次正式公開發表之全新插畫創作，不限國籍皆可報名參加。

桃園插畫競賽大獎自2014年首屆舉辦以來，已成為國內最具指標性的插畫競賽獎項。每年邀集國內外插畫創作者激發創意，呈現城市幸福藍圖的想像，成為插畫藝術交流的重要平臺。今年受到新冠病毒疫情影響，轉以線上徵件報名，同時擴大向國際徵件。

主辦單位桃園市政府藝文設施管理中心表示，今年展覽以「未來?未來!」為主題，時值新冠病毒疫情在全球肆虐，人們陷入恐慌，更改變所有人的生活。對於疫情過後的未來，是更加險惡？亦或是充滿希望？在行動受限的防疫氛圍裡，心靈的距離又該如何交流聯繫？相信透過插畫作品的描繪，可以帶來更多關於未來的探討與想像。

本屆競賽祭出總獎金30萬元，將由國內外各領域專家評選出「金獎」、「銀獎」、「銅獎」各1名及「佳作」20名，另持續鼓勵桃園在地的插畫人才發展，規劃「桃畫獎」1名。得獎作品將於「2020桃園國際插畫大展」，與澳洲、瑞典、西班牙、日本、烏克蘭、越南、馬來西亞等各國插畫名家作品共同展出，地點位於桃園展演中心一樓展場，展期自8月14至9月6日止。詳細資訊請至「2020桃園國際插畫大獎」官網及Facebook粉絲專頁查詢。

新聞聯絡人：

開物整合設計股份有限公司 毛瑞馨fundesign.amanda@gmail.com

【活動資訊】

◆    活動名稱: 「2020桃園國際插畫大獎」徵件

◆    報名期間：109年5月9日（六）至6月28日（日）18時前

◆    報名方式：於109年5月9日12時至活動網站，依報名系統頁面報名。

◆ 主辦單位：桃園市政府藝文設施管理中心

◆ 承辦單位：開物整合設計股份有限公司

◆ 「2020桃園國際插畫大獎」官方網站：https://taoyuan-illustration-competition.com.tw/
◆ 「2020桃園國際插畫大獎」Facebook粉絲專頁：https://www.facebook.com/afmc.gov.tw/

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美國高人氣當代藝術家丹尼爾・阿爾軒（Daniel Arsham）個展「穿越時空之東京遺物」（Relics of Kanto Through Time），於2020年6月9日至7月4日期間在東京藝廊Nanzuka呈現，展覽可親炙這位藝術家最新考古系列作品。事實上，此展是寶可夢公司攜手優衣庫推出 Daniel Arsham x Pokémon 系列T-shirt後，與Arsham的合作計畫之一。

Arsham生於1980年美國俄亥俄州，畢業於紐約傳奇藝術學院柯柏聯盟學院（The Cooper Union for the Advancement of Science and Art），近年以紐約為據點生活和工作。此回展覽概念由《虛擬考古》（Fictional Archaeology）延續而來，並囊括了雕塑、繪畫、裝置以及表演等多種媒材。Arsham的作品廣泛見於各大美術館和全球國際展，包括紐約現代藝術博物館PS1分館（MoMA PS1）、邁阿密當代藝術博物館（Museum of Contemporary Art）以及希臘雅典雙年展（The Athens Bienniale）等。

Arsham持續不輟地嘗試新材料，以探索非真實裝置的各種可能性，這種創作驅力源於他對建築以及地球科學環境的興趣，事實上，Arsham亦是建築計畫單位Snarkitecture的協辦者之一。舉凡環境裡侵蝕的壁面、無路可走的樓梯以及自然凌駕於人工構造的地景，Arsham謹慎掀開那些似乎使人困惑和攪亂想望的時空，接著在他作品的脈絡中闡述這種經驗。

Arsham的雕塑作品由黃鐵礦、亞硒酸鹽、火山灰、玻璃和黑曜石等材料製成，並從一種考古學觀點來捕捉未來性，邀請觀者進入一趟時空旅程。透過凝覷那些經歲月摧枯拉朽的建築物、玩具相機以及車輛等，觀者能揣想周邊熟悉物件在一百萬年後，緩緩崩解並與地質作用成化石文物的可能性；另個敘事軸線則是Arsham的作品激發人們思考自身存在。儘管情況不大可能，但當我們將目光投射於石化人類形象，則不禁沉思相對於整個地球和宇宙，人生之短如蜉蝣朝生暮死，並再次幡然醒悟人類未來的確並非永恆。

這次展覽中，Arsham將多款寶可夢角色轉譯到他的藝術創作，像是曝露體內化石晶體的皮卡丘雕塑，而作為觀看者，皮卡丘是大眾文化裡的一部分，人類在生活的三維世界，藉由二維的電玩遊戲與動畫熟悉皮卡丘。然而，這些作品也韜藏了時間概念在內的四維脈絡，吾人被虛擬考古的形體召喚，去想像身軀成了遺駭後的石化時間。

作品除了參照寶可夢商標以及集換式卡牌遊戲，也將展出各種為大眾熟悉的寶可夢角色，包括皮卡丘、小火龍、傑尼龜、卡比獸和伊布，展覽邀請觀者沉浸在這個描繪3020年出土的《精靈寶可夢紅・綠》（Pokémon Red and Blue）電玩遊戲世界。

圖文來源／Arrested Motion、Nanzuka

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古希臘哲人認為，藝術源於對自然的模仿，模仿大自然的聲音，於是有了音樂，模仿大自然的風景，於是有了繪畫，模仿大自然的動作，於是有了舞蹈。日月星辰、風雨雷電、山河雲海、花草樹木，都可成為動作模仿素材。

而芭蕾對俄國攝影師朱莉婭‧阿特米耶娃（Yulia Artemyeva）是很重要的存在，從童年到青年，她一直在跳芭蕾，於是，她將芭蕾與有美麗女人之喻的花放在一起，對比優雅的舞蹈動作與花卉姿態，讓我們看到自然與人為之美的緊密呼應。

阿特米耶娃請舞者創造出各種動態姿勢，並進行拍攝，接著才是這項作品的挑戰──她得在各種綻放姿態的花海裡，找出長得跟舞者姿態相同的花朵來。千裡挑一的花朵與舞者驚人相似，除了相同的優美姿態，它們同樣脆弱，舞者如花一般，綻放時間短，很快就會臨向花落，不能再跳了。

說起這項創作，攝影師希望人們能擁有赤子之心，以童稚眼光欣賞身邊的美景，每天都能重新發現這個世界的美。阿特米耶娃邀請了她自幼伴隨的舞蹈走進創作裡，在拍攝過程中，她感到自己重新經驗了那段有舞蹈的時光。「這是種療法，」設計師說，它關閉了格式塔，讓自己向自我邁進一步，於是靈感從過去的回憶汩汩流來。

你也有與現在的生活毫無關聯的經歷？人生中的每項事物都不會是徒勞，或許換個角度，你也能在過去與現在的交會中，碰撞美好未來的火花。

圖文來源／MY MODERN MET

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來自紐約羅徹斯特（Rochester）的插畫家Haley Tippmann，目前定居在德國科布倫茨（Koblenz）工作與生活。對於自己的創作風格，她以「果敢且寬鬆」的大地色調作為詮釋。翫賞Tippmann的作品，能察覺作品好以人和場景為繪畫主題，她亦會從大衛・霍克尼（David Hockney）、查理・哈伯（Charley Harper）、亨利・德・土魯斯-羅特列克（Henri de Toulouse-Lautrec）等不同時期的繪畫巨擘汲取靈感。

生活感，素樸日常的積累與體悟

凝覷Tippmann每一幀創作，某種熟悉且愉悅的 生活感 時常從畫間流瀉而出，她用畫筆鐫記日常的樸實風格，也是她作為插畫家的日常。對此她談到，「我通常會把近期的創作瀏覽一遍，接著把每幅畫裡的人物融合，創造出更大的人群場景。有時候也只是從某張圖片選出一個人物，讓他們變得有自我特質屬性。」Tippmann畫作靈感多擷取自周遭環境，且正如她自剖果敢且寬鬆的風格，作畫時她會先在iPad上打草稿，接著上色，最後才是輪廓。

除了日常生活，旅行元素也廣泛可見於Tippmann的插畫，對此她聊道，「當我旅行時，我會盡可能大量拍攝參考圖片，當結束旅行返回家，我會畫下旅途中的見聞與人事物，對於想牢牢記住曾去過的城市，藉由畫出它的獨特性與地標，這不失為好方法。」

通過繪畫，Tippmann鮮明地把一座城銘鐫於心，亦傳遞著作為旅人的心緒、感懷與觀點。饒富興味處在於，除了日常生活與旅行主題，Tippmann的丈夫也經常是她取材的對象並從現代生活得到啟發，「我喜歡畫人們所在的真實時空，像是2019年就會到處攜帶手機。」

對於插畫家職業身分，Tippmann提及自從能拿起蠟筆後便一直作畫不輟，對於矢志而為插畫家，生命未曾有過二想，之所以在大學研讀平面設計，主要在於她想學習設計程式。她提及有次藝術教授在課堂上向他們展示不同報紙的插畫，並解說這些藝術家如何獲得報酬，當下就有投入這項行業的念頭，並認為藉此能將藝術才能縱情摛展。

Tippmann的插畫作品今已廣泛見於報紙和雜誌。客戶也遍及全球，包括《紐約時報》（New York Times）、《紐約客》（The New Yorker）及德國《建築與住家》雜誌（ARCHITEKTUR & WOHNEN ）等。作品可在其官網購得，並能透過插畫家經紀平台Oskar illustration以及2 Agenten進行聯繫合作。

圖文來源／Creative Boom、Haley Tippmann

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東京都當代美術館（The Museum of Contemporary Art Tokyo, MOT）於2020年6月9日至9月27日推出冰島藝術家大型個展「 奧拉維爾．埃利亞松 ：有時河流是座橋」（Olafur Eliasson: Sometimes the river is the bridge），該展原預計3月中旬開幕，嗣後則因全球COVID-19疫情而延宕。

備受全球矚目的冰島裔丹麥籍藝術家埃利亞松，素以永續概念和環保材質打造大型裝置見長。「有時河流是座橋」一展，不僅能欣賞埃利亞松新舊之作，也將聚焦幾項體驗性藝術裝置和作品，如埃利亞松1993年早期的《美》（Beauty），此作一如其名，如詩摹擬著冰島極光和涳濛雨霧等氣象。另一條展覽軸線，則是呈現埃利亞松20年來所拍攝的冰島地景――《1999/2019冰川融化系列》，圖像敘事意在鉤沉全球氣候變遷，億萬年形成的地貌不過短短20載即驟變，彷如一曲冰川消逝的輓歌。

除了各種體驗裝置以及冰島冰川的攝影系列，展覽另一條軸線，呈現埃利亞松採用太陽能照明以及減少作品運輸時碳排放的實踐，藉此鼓勵人們對全球氣候危機採取對應行動。就2012年作品《陽光塗鴉》（Sunlight Graffiti）來看，邀請觀覽者運用埃利亞松的「小太陽」（Little Sun）照明裝置來作畫。實際上，埃利亞松工作室的活動不僅從事藝術創作，亦經常投入各種設計、建築和新材料實驗，展覽中亦會同步呈現工作室對永續、生物可降解、回收再利用等新材料的研究。

埃利亞松以創作來倡議永續發展的藝術實踐，受到外界高度讚譽，關於此展，他秉持的態度和觀點亦同。「有時河流是座橋」從基礎上顛覆觀念，讓人們直視那些隱而未顯的部分，當生存的星球已面臨崩潰邊緣，則必須重新設計一套生活系統，根本地檢視、衡量習以為常的每件事，並根據未來所需來形塑目前生活。這種「觀點轉變」的潛能，在於驅動人們重思考、再形塑傳統上所認知的進步概念。而埃利亞松對再生能源和氣候行動的關注是亦為展覽組成一部分。

關於展覽，埃利亞松談到，「藝術品體現了一套價值與觀念，也表達了藝術家的信念，像是永續性和氣候議題，而我認為藝術以及關於藝術如何製作之間必須保持同步。對我來說，這意味著我能轉變藝術作品的生產、運輸和分享模式。」

圖文來源／東京都現代美術館

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這篇文章 哀豔的星球輓歌――「 奧拉維爾．埃利亞松 ：有時河流是座橋」MOT個展 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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義大利攝影師埃里卡‧佐利（Erika Zolli），自學攝影出師的她，是純美術出身，喜愛在作品中營造超現實的夢幻視野，將專業習得的抽象構圖能力與藝術情感表達相結合，為觀者帶來了全新的美感體驗。她在作品「METAMORPHOSIS OF SELF」系列中，以超現實風格呈現自己的肖像照。

肖像照做為自我再現的慾望，透過鏡頭形塑的主體，是挖掘出潛意識真實自我，抑或是另一種偽裝或變形？攝影師認為，肖像照邀請我們脫離自我，在過程中，影像中的我們會變得陌生。攝影師希望能透過創建一種盲區，用以自我識別。

攝影師召來了摺紙、塔羅牌、水晶玻璃及齒輪等，使之為背景，或由此成為她內在的具象呈現，在意識與無意識之間，創建了真實自我的超現實舞台。佐利運用女性多變的妝髮服飾造型、肢體語彙，與不同舞台搭配互動，在攝影師帶有神秘色彩的眼眸、背影與自我複製下，營造型態鮮明卻又與現實無涉的怪誕綺麗世界。

大塊具秩序的單色幾何在作品中為畫面帶來平衡簡明感受，明豔飽和的色彩則為色塊帶來動感，既突出了主體，也給予視覺上的滿足。使得作品呈現出攝影師說的「靜止不動，穩定中充滿了動力。」

圖文來源參考／Erika Zolli、fubiz

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這篇文章 召喚紙鶴、塔羅牌與另一個我，義大利攝影師Erika Zolli的超現實肖像 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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隸屬Culturespaces旗下、並為 全球最大數位藝廊Bassins de Lumières ，目前已於法國波爾多開幕，此嶄新藝術空間的場址曾是納粹潛艇基地，二戰時期用來掩護德國艦隊免於固定時間的船隻空襲。此巨大碉堡跨度為2,100萬立方英尺的鋼筋混凝土，水深16米，足以容納將近240個奧運標準游泳池。

展覽空間的平面和動線擘劃上，則由四個配置架高廊道的平行區域組成，參訪者得以步陞於水域之上、沿著廊道探索這廣達13萬平方英尺的沉浸式藝術裝置，並於瞻眺視野間，體驗尺度巍然如古壁畫的投影。為達到如此磅礡的影音效果，藝廊內的裝置共由90個視覺投影機、80個揚聲器以及超過60英尺長的光纖電纜所構成。

克林姆名畫投影 ：臨於水上 、 深入碉堡的沉浸式裝置

目前藝廊常設展，正是把素以爛漫、錦繡絢麗著稱的奧地利畫家 古斯塔夫·克林姆 （Gustav Klimt）的作品，投映到碉堡水泥牆上，據悉某些畫作尺幅測量後長300英尺、高36英尺。該投影展名為《 古斯塔夫·克林姆 ：燦金與斑斕》（Gustav Klimt: gold and colour），呈現這位藝術家不容錯過的特色肖像、地景和裸體畫，置於恢弘寬闊的歷史碉堡中，益發凸顯他筆下的華盛懋美世界。

不僅如此，此展另娓娓道來克林姆輾轉起伏的畫家生涯，時間軸則由他出走新古典主義，再到揭竿而起的維也納分離派（Vienna Secession）藝術運動而止。

除了氣象非凡的克林姆畫作投影，藝廊尚有部分空間用以展出德國藝術家保羅·克利（Paul Klee）的彩色抽象作品。該展覽名為《保羅・克利：畫成音律》（Paul Klee: Painting Music），不僅藉此短期特展向保羅·克利致敬，民眾亦可翫索這位藝術家難以名狀的音樂天賦，感受他筆觸下如謳如吟的絕妙音律感。而其作品正如藝廊所描述：「從虛構城市的歌劇院序曲到一場金色與五彩魚之間的水下協奏曲。」

事實上為了因應新冠病毒（COVID-19），數位藝廊Bassins de Lumières要求所有觀覽民眾來訪前要事前預約，同時遵循戴口罩、測量體溫以及保持相隔3英尺的社交距離等預防性健康措施。這場氣勢驁放不羈，將歷史場域和名畫交織的磅礡大展，一次囊括人類對奇幻、美學、史蹟、建築和藝術的想望。

圖文來源／HYPEBEAST 、 Bassins de Lumières

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這篇文章 磅礡更勝錦繡：以潛艇碉堡水域空間，投映13萬平方英尺克林姆名畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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具象繪畫（Figurative Painting） 藝術家Brad Kunkle 出生於1978年美國賓州，現居紐約布魯克林從事藝術創作。其作品雜糅了概念藝術及精湛熟練的技巧，主題則經常將唯美女體和自然地景融合。Kunkle 畫裡則蘊藏一種神祕意境，猶如訴說著錯綜複雜的故事，前述這種氛圍，實則受到他陰鬱光線處理以及近乎單色調的繪畫技法所滃染。不僅如此，人物情緒亦同等曖昧難解――奉獻、迷惘、蛻變、頹唐、墮落、耽溺、喜悅或悒怏不樂，有時候，似乎還存在一種儀式性。

正因多層次與潛意識的特質，其繪畫多半被闡述成一種融合現實主義、神話、聖經以及深度心理的風格。事實上Kunkle 早年專事油畫創作，韶光荏苒，其繪風逐漸受到了古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）影響，他開始揣想在畫作中增加金箔、銀箔的可能性。當他嘗試挹注金屬光澤作畫，不僅筆觸間流露熠熠鑠鑠的微光，畫面更會伴隨光線而變化躍動。

和奧地利繪畫巨擘克林姆般，Kunkle 主題也常見女性肖像、地景和裸體畫，唯其筆下的女性往往不僅是融入自然，卻彷彿希臘神話裡的大地女神蓋婭，本身就隸屬大地，與自然一體。舉例而言，Kunkle 的2011年繪作《天堂鳥》（Bird of Paradise），就是以女性形象為主軸，只是主角下半身反倒像孔雀羽毛――多孔紋理散開在其身後，不似人體；至於不少作品中，則出現如蝴蝶、鳥雀和樹葉盤踅簇集，同時纏繞著他筆下如神靈脫俗的女性，在這些動植物匯聚成的動態漩渦下，她們的軀體儼如經歷著蛻變，好似將幻化成細緻的自然界事物。

近期 Brad Kunkle因新冠病毒（COVID-19） 而延宕的個人展《煉金術》（alkəmē ）已在 Arcadia Contemporary藝廊展出，看似古怪的展名，其實是英文單字alchemy的音標。Kunkle這次展出畫作的靈感，源自早年美國藝術家對煉金術此一古老哲學的耽戀，最常見的想法，便是將特定材料混合以轉化成黃金，某種程度頗為符合Kunkle繪畫裡所使用的金箔和燙金風格語彙。

圖文來源╱Arrested Motion、 Brad Kunkle 

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這篇文章 藝術家Brad Kunkle 以金箔入畫：女體與自然交融的沉鬱唯美 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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生活日復一日運行著，有人覺得無聊而乏味，也有人總能在平淡日常裡，馳騁想像，見到不一樣的風景，這無需天賦，或許，只要敞開心胸去練習。來自義大利的藝術家迭戈・庫薩諾（Diego Cusano），即以非凡眼光看待日常，並在物品上添增插畫，讓我們瞧見了他所見到的另一個世界。

庫薩諾表示，他不是藝術家，而是個尋夢者，他每天都做這樣的練習——起床後專注於一項物體，並且思考該物在現實及其表象之外，還能如何表達，例如他會早起吃早餐，並且開始想像手上那杯濃縮咖啡能變什麼樣子。

他質疑每一項事物的既定狀態，只因為「不想過例行性的生活」。藝術家認為，這世界是個由常規與循環構成的陷阱，每個人都被困在其中，然而，當人們見到他的素描時露出了微笑，縱使只是短短幾秒鐘，都為這樣的世界打開縫隙，讓人打開眼界，看見世界的可能模樣。

而在庫薩諾的作品中，食物與插畫的連結尤其讓人眼睛一亮。蝦壽司成鳥身、粉色火腿成大大的象耳，高麗菜變身女孩的帽子，披薩則是情人身上的被子，而他每天都要喝上一杯的咖啡更是變化萬千。

由作品中可見，庫薩諾插畫風格之多變，他或描以細筆寫實，渲染水彩風景、或使物品與卡通經典圖像等結合，讓物品能依其想像的主題呈現各式變化。藝術家也會使用話題性素材，例如近期最夯的口罩，也在他的想像與創造力之下，轉換成了讓人莞爾的意象。

文字來源／Konbini food

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這篇文章 粉紅火腿象、蝦壽司鳥，義大利藝術家Diego Cusano跳脫日常的異想世界 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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新銳藝術家Jazz Keillor目前居住在英屬哥倫比亞省溫哥華，她近期的藝術實踐探索21世紀人類在各層面的累積、持有使用和儀式化物品，並且檢視這些行動如何對應到更廣泛的集體經驗。

攢積物品裡，我們紀念、我們回憶

Keillor在加拿大新布省蒙特愛立森大學（Mount Allison University）取得藝術碩士學位，期間主修繪畫和雕塑，輔修藝術史。2015年畢業時，她榮膺新布倫瑞克省（New Brunswick）BMO第一屆藝術邀請學生藝術賽首獎。2016年時，她則於安大略省皮克鎮獲頒Sparkbox Studios新銳藝術家駐村獎；去年Keillor則取得阿爾伯塔藝術基金會（Alberta Foundation for the Arts）的獎勵金。

翫味Keillor的每幀作品，畫裡以一種甜蜜可愛的方式探索著人們所有物的故事，舉凡老舊客廳家具到珍愛的毯子，抑或寵物和電視機。她近期繪作盤踅在「我們的東西」（our stuf）此一主題，緩緩且幽微地探索韜韞其中的情感軌跡和私密意義。

對此Keillor談到，「近期的藝術實踐，試著從多元觀點探索材料文化，並揭開人們把物件圍繞於身旁的社會與心理基礎。」為何我們會攢積、這些蘊含了哪些儀式意義，藉由浮想聯翩的想像力、構圖和形式，Keillor以視覺方式，對房屋結構、人們經由營造場域行為建構身分認同這兩類途徑進行探索。

在Keillor澹彩柔美的繪風中，各種家具寢室、生活用品、房屋結構被置入在疏空的留白場景，儼如某種櫥窗和展示間，特意將某種珍貴和具備意義的物品凸顯出來；或是將形形色色物件高高疊起，彷彿記憶、經歷、情感的蓄積。

圖文來源／Booooooom

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日本藝術家奈良美智，以其叛逆小女孩席捲全世界，也由此療癒了許多人。今年，第一本全面爬梳奈良美智繪畫史的書籍《Yoshitomo Nara》出版，堪稱是研究藝術家的最佳途徑。South China Morning Post採訪了作者Yeewan Koon，這位香港大學美術系、專授中國與日本藝術史的教授，與藝術家本人密切合作，近距離發現他很多奇特的地方，例如他是個控制狂、記憶力超好等等，來看看作者眼中的奈良美智吧！

Q1：你能談談與奈良美智認識，並開始從事這個項目的契機？

我第一次見到他，是在2015年的晚宴。他在香港參加亞洲協會的展覽，策展人請我寫一篇關於他攝影的文章，這方面比較鮮為人知。我們決定比較誰吃了最奇怪的食物，最後他贏了──他給我看了一些奇怪的海參照片。

之後，當我去日本或紐約時，他會邀請我和他一起看藝術。我們去了位於紐約曼哈頓的惠特尼博物館，他認識了所有藝術品。作為一個藝術史學家，他對於藝術的了解給我留下了深刻的印象。他可能有點傻傻的，但也有嚴肅的一面，而這方面從他的藝術中可以瞧見。

他的工作室邀請我撰寫關於他的書，我很驚訝多年來沒有人寫過一本關於他的藝術發展的著作，直到我覺得自己對他的了解足夠深，並且知道他對我的信任，我才答應。

Q2：奈良以重隱私聞名。您能描述一下你們的工作關係嗎？

基本上，他讓我自己做，給了我完全的自由去做想做的事。他跟我依樣是個控制狂，我們見面時，他會挑戰我，讓我詢問更深入有難度的問題。他是一個非常忠誠的人，周圍的人也忠於他。他有令人難以置信的記憶力，他記得每一個人家對他的友好。

Q3：奈良的童年與成長經歷如何影響他的工作？

他是最小的兒子，與母親非常親近。他的祖父是神社的神主，父親接下傳承，並成為商人，很少陪在家人身邊。奈良美智看著母親為了養家餬口辛勤工作，他非常保護母親。

當他前往德國求學時，他的母親告訴他，他出生前有一個姐姐，但因難產而死，於是母親才將姐姐奈良美智子之名傳給了他。

如果想了解Nara，只需要看一眼他的創作──因為他就是這樣與人溝通的。

Q4：奈良美智以神情複雜的kawaii女孩聞名。什麼是kawaii，奈良如何使用它？

在日本文化中，kawaii既可愛又險惡。他的繪畫擁有這個概念的全部意涵──包含正面與負面。他能挖掘出與觀者的情感聯繫，而觀者可能認同女孩的形象，即好女孩有壞的一面。您對這個孩子會產生一種保護欲。

Q5：您為這本書做深入研究時，覺得最奇特的事情是什麼？

奈良是個音樂人。他和音樂圈很親近，也與很多音樂家玩在一塊。他認同音樂家的身份，並認為他們比藝術界還會打造自己的職業生涯。

他是流行龐克樂團Shonen Knife的忠實粉絲。他會把自己鎖在工作室，大聲播放音樂並繪畫。當我寫這本書時，我聽了很多日本龐克音樂，以能更深入了解他的創作過程。

作者／Kate Whitehead

圖文來源／South China Morning Post

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1948年，國共內戰已近尾聲，國民政府的中央機關陸續遷台，中國政權即將易主，當時的北平、上海、杭州、南京、香港等大城市是什麼樣子？而在1958，當台灣以進口替代發展境內產業相關工業品時，共產黨發起的「大躍進」又是什麼模樣？當時的西方全面看到中國當時狀況，即來自20世紀最重要的報導攝影大師亨利．卡蒂耶－布列松（Henri Cartier-Bresson）的現場紀錄。

布列松1908年生於法國，一直想當畫家的他，攝影風格受到早年的繪畫訓練，以及成長歷程中超現實主義風格興起的影響，拍攝時特別注重人物神情與整體構圖，形塑強烈的個人風格。

布列松自1930年代起從事攝影，曾經為1930年代西班牙大選及英國喬治六世登基加冕典禮等歷史場景留下影像紀錄，1947年與好友創立紀實攝影的指標­標「馬格蘭攝影通訊社」（Magnum Photos）。二次大戰後，他敏銳地覺知到殖民地將有事發生，於是前往印度、越南等地，去捕捉歷史的一瞬間。

1948年他在印度因緣際會拍下甘地（Ghandi）遇刺前的最後身影與葬禮，隨後又受到當時全球單期發行量超過五百萬本的美國《生活》（Life）雜誌委託，進入中國拍攝記錄政權即將易主的關鍵時刻。1958年，念念不忘中國的布列松再訪北京與上海，正巧是中國實行大躍進的時期。布列松兩度造訪中國大陸，拍攝中國政權更迭的紀實影像。他的一系列具有歷史意義、見證時代的攝影作品，奠定其報導攝影大師的地位。

台北市立美術館現今展出「布列松在中國1948-1949｜1958」，呈現了布列松二度造訪中國大陸所拍攝的照片，由法國攝影史研究權威米榭勒．費佐（Michel Frizot）與臺灣策展人蘇盈龍共同策劃。兩位策展人根據時序與布列松的行旅足跡，以先後造訪取鏡的城市與遭遇的歷史事件設定各系列照片主題，透過影像順序鋪陳時代的動盪。

1948年12月3日，布列松初抵已遭人民解放軍包圍的北平，原先預計待上三週，隨著圍城情勢日益險峻而在12月15日離開、轉往上海。在北平不足半月的日子裡，布列松共拍攝了26捲底片、超過900張的照片，這一系列照片隨後在《生活》雜誌1949年首刊號以〈北平的最後一眼〉為名刊登專題，在國際間廣為流傳。離開北平的布列松，隨後輾轉行經上海、杭州、南京、香港等城市，在九個月之內見證了上海金圓券風暴、國共兩黨南京協商破裂後國民政府自南京撤退、解放軍進駐南京等歷史事件，並用他的鏡頭捕捉時代巨輪下的軌跡。

1958年，布列松見到的中國已與十年前氛圍大大不同。在中共當局的安排陪同之下，布列松側拍了如建國慶祝遊行、學生參與挖建游泳池等畫面。這系列照片向國際展現了中國歷經政權更迭的不同面貌，引起國際關注。面對劇變的時代，鏡頭下掌握複雜的人物與社會情境，動盪不安，但畫面仍維持一貫的嚴謹構圖；系列紀實照片相互獨立，展現布列松著名的「反紀錄式」的攝影特色（anti-documentary style），冷靜而中性地捕捉歷史瞬間的人物形色。

兩位策展人特別分享，布列松曾被問道：「有一種攝影師是在自己的世界裡看見他們想看見的，而另一種攝影師則是離開特定視野的世界，感知真實世界的生活與活動。你是哪一種攝影師？」布列松慧黠回答，每個攝影師都有這兩種面向：「每個人都會在發現自己的同時，也發現外在的世界」。布列松對於攝影，最關注的是按下快門的當下，每一次快門都是各自獨立的瞬間。如此攝影意念，遇上遽變的世代，布列松35釐米萊卡相機的記錄，成為他在攝影史上獨特的成就與貢獻。

本次展出均為布列松生前親自沖洗之照片原件。布列松基金會遵照布列松遺志，不再沖洗複製，因此展出照片不乏孤本原件，尤其珍貴。策展人蘇盈龍補充強調：「本展最先在巴黎布列松基金會展出，由於這一批相片對臺灣歷史具有特殊意義，費佐教授與我特別針對北美館重新策劃展出內容。與巴黎展出相比，本次新增約40件的原版相片；首度展出電報、印樣、原版雜誌等檔案文件。此一歷史檔案在北美館展出，在數量及規模上均最為完整，並成為全球巡迴首站，後續將巡迴北京、米蘭等地。」

文字資料、圖片提供／台北市立美術館

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理著平頭，一聲精神抖擻的「Gâu-Tsá（早安）！」鄭宗龍端著熱茶，神清氣爽地踏入雲門劇場辦公室，才坐下就聊起遠方淡江大橋下樁的咚咚響。他對聲音敏感，眼睛也總在觀察四周，自在但不過度熱情地和在場每個人聊著。早年跟雲門2至偏鄉巡演時，鄭宗龍也總是能輕鬆融入當地居民間自在聊天，或是跟孩子們打成一片，這種在舞者或創作者身上少見的直率特質，是鄭宗龍自小在市井間練就的街頭生存術之一。

用身體閱讀一本市井人物誌

從小跟著家人在萬華叫賣拖鞋，鄭宗龍的童年始於一場色彩斑斕的市井幻夢。孩提的他，哪裡好玩哪裡去，龍蛇雜處的萬華街巷就像個大型遊樂園，滿懷好奇的他四處鑽，看著濃妝豔抹的阿姨站在長長的樓梯下，霓虹燈閃爍，他會偷跑上樓，在菸酒和檳榔的氣味裡亂竄。眼前的他手舞足蹈地比劃著樓梯的長度、煙味瀰漫的混濁，津津有味地講述記憶裡的光景，「小時候不會怕嗎？」「有什麼好怕！大家都是鄰居啊，討生活而已。」在他眼中，那個年代的艋舺像是一本小說，視覺、聽覺、味覺都如辛香料般刺激著他，這邊在追趕打殺、那頭又有人斷臂斷腳，形形色色的人物與事件充斥日常，宛如一本精彩的人物誌，豐富他的童年記憶。

愛玩好動的鄭宗龍，後來被媽媽送去學舞，八歲就考進埔墘國小舞蹈班，他喜歡舞蹈帶來的自由，一如萬華。再大一點，鄭宗龍從好動轉叛逆，一腳陷入了市井漩渦，翹課、吸毒，最終被交付青少年保護管束，是觀護人盧蘇偉在黑洞口拉住了他，帶他去看更廣大的世界，而舞蹈一直都在。老是有人問鄭宗龍，怎麼決定這輩子就是跳舞？他兩手一攤，說：「我也沒有其他才能了啊⋯⋯」想了想又說：「從來都不是『我想要跳舞』這麼單純的原因而已，還有父母期望、外在環境、同儕支持等因素，都會影響每個時期的決定。」

小時候的鄭宗龍，最喜歡即興創作，起初是滿足自己的表演魂，後來更喜歡長輩支持的笑顏。媽媽會帶他去西門町租戲服、幫他化妝，「化得像鬼一樣，但我很開心，角色扮演欸！」無條件支持的愛，是推著鄭宗龍向前走的動力，他就這樣一路跳進大學、跳進雲門，最終成為林懷民欽點的雲門舞集接班人；除了母親之外，青少年時期義氣相挺的兄弟、大學時鼓勵他的羅曼菲、林懷民、和後來的雲門舞集，都給了他滿滿的支持，讓這個率性好動的少年，一路死心塌地靠攏、跟隨、付出努力走到現在的位置。

音樂助燃編舞  打造獨特風格

20幾歲開始編舞時，鄭宗龍習慣將音樂塞進耳朵裡，讓音樂在腦中長出畫面，畫面中有舞台、有人在動，一個個幻化成他舞蹈中的絢爛光影。

作品《十三聲》裡頭有著大量的聲音，有廣州街的街道聲響、傳統客家老調「觀世界」、延平北路天師廟「請神咒」，舞者亂吼亂叫的街頭擬聲，到最後揪住靈魂的「那卡西」。鄭宗龍喜歡搖滾樂，林強的音樂在他腦中是條流動的彩色大河，有著鮮豔的色彩，促燃成舞台上鮮明的台灣異色風景，在2020年初的海外巡演中，獲得歐洲觀眾近乎瘋狂的掌聲與讚嘆，「原來艋舺也可以很國際，可以讓人這麼有感覺。」鄭宗龍笑得像是發現新世界。

2017年，國家表演藝術中心以三館共製推邀鄭宗龍打造新作，他在寒冷的十二月飛去白茫茫如同外星球的冰島，從後搖滾天團Sigur Rós的極地音樂創作中尋找靈感。當時，Sigur Rós自辦的Norður og Niður音樂節，正在當地最大的HARPA音樂廳演出，「那是一個類似國家劇院的正式表演廳，整場演出都沒人說話，一個半小時後才瘋狂鼓掌。」他瞪大眼睛描述這場前所未有的體驗，驚魂未定說：「聽搖滾樂都沒人動，太特別了！嚇死我了！」而彼時的他沒有空驚訝，滿腦子想著待會見面要說什麼、對方會不會願意跟他合作。

看過《十三聲》的Sigur Rós主唱Jónsi，以「Powerful」來形容鄭宗龍的作品，他則當場送上桑布伊的創作專輯，就這樣開始了雙方的合作。但跨國合作不容易，鄭宗龍先提出了初步的Storyboard，包含舞作的文字敘述、圖像敘述，細節到每個段落的視覺想像、描述想法的詩文等，再挑出最喜歡的Sigur Rós專輯曲目、標示段落，讓遠在北國的作曲家能找到精準的創作點。上百封Email來往修改、調整音樂，文字的討論不只細節到分秒，連音樂軌數都要抽出來細究，還要克服不同語言在形容音樂感受時的落差，種種困難如今回想起來，鄭宗龍依然搖頭不止，直呼是「有史以來最痛苦的一次。」

這般辛苦且痛苦打造出的新作《毛月亮》，果然沒有讓人失望。2019年首演，14位舞者幻化如獸，隨著Sigur Rós清亮空靈的樂聲，在剪紙藝術家吳耿禎、和世界劇場設計大獎得主王奕盛聯手設計的鏡面舞台上，演繹人性的慾望與爭奪、愛戀與孤寂，那交揉了原古人類傳說、大自然生命力、和一點科幻冷調的迷眩，無一不照見現代人騷動的內心世界。那一刻眾人意識到，屬於鄭宗龍的雲門舞集時代來臨了。

把每一件事都當成創作

一如恩師林懷民與羅曼菲為他打開世界的大門，用廣泛的閱讀、音樂、電影豐富他的視野，鄭宗龍認為，音樂是燃料、點燃情緒變化；電影帶人深入認識一件事；書則是連結了更廣大的世界，領著你前往從未經歷的遠方。他認為創作的人就要像海綿，努力吸收、把握這些隨手可得的養分。

2020年初，雲門團隊結束歐洲巡演回到台灣之後，適逢新冠疫情全球爆發，鄭宗龍順勢讓舞團休養生息，並開始編排預定今年十月發表的新作《定光》。《定光》的靈感源起於鄭宗龍觀察人們跳舞時出聲唱歌的狀態，他發現當一個人完全沉浸在舞蹈和音律中，聲音、身體的動作和靈魂是合而為一的，就是這個「光芒四射、非常美麗」的瞬間讓鄭宗龍著迷不已，於是他找來雲門的老朋友林強、新銳作曲家張玹合作，挑戰讓雲門舞者在《定光》的舞台上一面跳舞、一面讓身體「發聲」，展現全心投入表演的靈魂光芒。

甫接手雲門舞集，大家關心舞團未來的發展，也關心鄭宗龍創作、行政兩頭燒，他倒是無所謂地笑笑：「我做的事情都一樣，只是要面對更多人、做更多決定，這也是一種創作啊！」創辦人林懷民為舞團建立了完整的組織，也賦予了強大的信念，在鄭宗龍眼中，雲門舞集已經夠好了，而他給自己的責任，就是好好編舞、做好創作，為大眾帶來更多更好的雲門舞作。

自始至終，鄭宗龍都不曾高談闊論理想或未來，他只是認真的面對命運帶來的每一個機會，腳踏實地也不取巧地做好每一件事情，「當每個人都把自己的事情做好，世界就會變好了。」

訪談結束，鄭宗龍一邊說：「謝謝你們來，我就不送了。」但剛走到門口，背後復又傳來一聲中氣十足的「後會有期啦！」親切khuì-kháu（口氣）中還帶著點江湖味，一轉頭，只見鄭宗龍正斜倚著門框，笑笑揮手和大夥兒道別，大片落地窗外，正午陽光撒野似地潑灑在遠處屋頂上，刺激著人的眼球，一切眾生都有光，鄭宗龍和47歲的雲門舞集將攜手前往下一個「有光的所在」。

文／Stella Tsai
文章來源／臺北文創 
本文經《臺北文創—名家觀點》授權刊登

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日本森美術館（Mori Art Museum）原預計在2020年4月推出的重點展覽《繁星：從日本向世界出發的六位當代藝術家》（STARS: Six Contemporary Artists from Japan to the World），以儼如編年史般的展覽結構，將草間彌生、宮島達男、村上隆、奈良美智、杉本博司，以及在日本發起「物派」（Mono-ha）當代藝術運動的韓國藝術家李禹煥（Lee UFan）之作品，從二戰迄今做了濃縮但詳實的爬梳。

二戰後經濟急驟成長，思潮上百家爭鳴，日本境內持續性的全國規模事件，讓國際化得到一日千里的躍進，而當前日本，似乎又再度獲得這種滾動驅力；事實上，當代藝術世界亦然，探討後殖民主義（postcolonialism）以及多元文化主義（multiculturalism）等議題的也越顯頻仍。再者，不僅歸功雙年展和藝博會等大規模藝術活動蓬勃，提供藝術家頭角崢嶸的舞台，輔以近年備受矚目的亞洲經濟體崛起，無不同時催生在地的新興美術館和藝術市場。

森美術館所展出的六位藝術家，自二戰後，其事業均推向了日本疆畿之外，迄今不僅馳譽國際，且跨世代擁有極高聲望。繁星一展將以此為敘事軸線，探索六位藝術家從早期生涯到近期作品的旅程，藉此廓清全球脈絡下每位藝術家的創作實踐如何被審覷、被評估，以及翫索六位藝術家如何經由創作實踐，詮釋和探尋那些超越國族、突破文化藩籬的普遍議題：傳統與美學、科技與次文化，同時也將日本特有的社會、文化和經濟背景銘鐫於心。

展覽並呈現了相關檔案資料，包括從1950年代至今，躋升國際舞台的主要日本當代藝術，檢視了評估藝術的基礎以及數十年以來展覽的歷史系譜。六位藝術家各有自己的展區，同時搭配沉浸式大型裝置，以深化觀眾的感官與知識體驗。繁星一展將藝術家自1950年代以降的海外藝術展蒐羅再濃縮成50個精選，除了展覽概述以及珍貴原始檔案，並摹繪策展人如何鉤沉「日本」此一概念，以及早年展覽所遭遇的顛簸困躓經驗，乃至最終日本當代藝術嶄露頭角並立足世界的歷史。

六位藝術家除了有台灣民眾耳熟能詳的草間彌生、奈良美智、村上隆、杉本博司以及宮島達男，國內相對陌生的李禹煥。李禹煥1936年生於韓國慶尚南道，不過自1956年後便一直長居日本。日本經濟狂飆年代，適逢對現代性的批判思潮襲捲全球，而一場反對當時生產材料、物品製造與呈現方式的1960年代雕塑運動，最後即成為眾所熟悉的「物派」（Mono-ha）。

李禹煥為代表的物派，將創造之藝術作品轉化成和事物間的互動及互惠關係，而他1969年發表的文章「從物體到存在」（From Object to Being）則榮膺了Bijutsu Shuppan-Sha藝術評論獎。李禹煥除了是日韓藝術交流的重要推手，隨物派在全球藝術社群再獲關注，以及人們對戰後日本藝術以及非西方現代主義的比較研究意興方濃，使得李禹煥半世紀以降的藝術實踐倍受矚目。（註：目前展覽因新冠病毒疫情而延宕，展期尚在研議中）

圖文來源／Mori Art Museum、StudioLeeUfan

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自學成才的印尼雅加達攝影師哈迪揚托‧布迪曼（Hardijanto Budiman），其作品裡那些沒有頭的軀體、多出的手臂、總是不自然飄盪著的細黑長辮，會讓人直覺想到比利時超現實主義畫家雷內‧馬格利特那被青蘋果遮臉的黑帽男子作品《人子》（The Son of Man），充滿濃厚的超現實氣息。

布迪曼並沒有把自己歸類於「純」攝影師行列，而是個數位圖像藝術家，他認為，自己的作品展示了他的內心、感受與想像。他以類比方式思考創作，想像仙境裡的遊樂園、幻想與現實之間的世界，並將概念以人與浴缸、單椅、剪刀、動物、花朵等物體或背景互動呈現，並將你我熟悉的人體轉變為奇特的狀態，讓人不再將注意力集中在人臉上，而是更深入去思考或感受畫面背後的概念或情感，走進創作者企欲傳達的內在世界裡。

攝影師不喜愛過於濃烈繽紛的顏色，其作品以黑白灰為主，並透出了冷冷的藍綠色。細看其人物，表情多是淡漠的，並有套上太空罩的貓等未來科技感元素，更添增了畫面的超現實氛圍。

布迪曼並不是一個故弄玄虛的藝術家，他的思想不僅在具衝擊性的圖像中彰顯，也以簡明的作品名稱及小詩般的短語表達出來，讓概念在兩者間相互強化，超現實視覺在文字陳述下變得真實。「人們傾向於相信他們想相信的東西，如果我們相信幻想是現實，那麼它就會變成現實。」布迪曼這麼說。而你，是否能在這些畫面中，感受到了現實？

文字參考／Tagree、Global Photography

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對攝影師來說，深邃幽霿卻神秘豐富的夜空是一張美麗畫布，對著漆黑無垠但蘊藏無數天文現象以及宇宙奧秘的夜空，僅是凝望著，便彷彿通向未知與神聖，甚至引動人類觸探著生命源起的慾望，但無論如何描摹，上千億星辰羅布的銀河，永遠是浩瀚夜空裡最璀璨的主角。

著名的旅行攝影部落格Capture the Atlas，已於6月公布最新的年度最佳銀河攝影師（Milky Way Photographer of the Year），每件作品呈現不同鏡頭下，從地球仰觀群星吐曜時，那時而磅礡顥然，時而詭譎艷麗的景觀。

倘若銀河是個燈盞如燃的大都會，那麼相對位置上，地球就像一處市郊，人類則置身此空寂遼闊的地域且經緯度恰好，能夠凝覷彼端的繁華之城，並捕捉它那明明滅滅的閃爍光景。而Capture the Atlas的年度攝影競賽，則是向一群能勾勒星空奇幻之美的最佳攝影師致敬。

事實上，銀河攝影常被視為一件挑戰性極高但深具意義的經驗，除了事前仰賴縝密計畫，亦有許多技術性難題必須衡量與克服，然而當銀河經由攝影鏡頭加以攫捕而呈現於螢幕後，那種震撼與稀有性卻又莫名動人。不過任何一張卓越的銀河攝像往往超越了技術層面，成就其藝術價值的，經常繫於攝影師心中醞釀已久的某個瞬間或一段故事，當每個必要的元素臻全後蓄勢待發，於是，快門按下，佳作渾然天成。

Capture the Atlas一如往年，為那些探訪全球荒陬隅角的天涯旅人與攝影愛好者蒐羅了各地最佳銀河圖像，作為拍攝時的啟蒙與靈感。有趣的是，編輯挑選代表性圖像時不僅是斟酌攝影本身的品質，還會考量故事性以及它是否足以激發觀者拿起相機而投入拍攝的可能性。而Capture the Atlas之所以每年6月釋出這份年度名單，源自此時節恰好是銀河中心能見度的高峰期。

2020年的銀河攝影大賞圖片依舊來自全球，且涵蓋了雪地、沙漠、汪洋和岩石等豐富景觀，地上世界無論蒼涼或壯麗，皆與高掛的懿鑠星光映襯著，彼此交織出某種情節高潮迭起的故事。

而眾多佳作裡的翹楚，包括Michael Goh所拍攝的作品《夢魘》（Nightmare），畫面場景位於澳洲西部的鄧布利翁湖（Lake Dumbleyung），乾涸鹽床上，瀕死枯樹的枝椏彷彿探向星空，尤其畫面在魚眼鏡頭的扭曲下，場景霎時成了美國恐怖與奇幻小說家Howard Phillips Lovecraft的驚悚情節。

至於另一幀攝影佳作則屬Debbie Heyer的《異形蛋》（Alien Eggs），她佇立在新墨西哥州的惡地（Badlands） 曠野上，經風雨侵蝕的嶙峋地形和岩石看起來儼如星空下正在孵化的異形之卵，地球似乎就要被異生物佔領，漫瀰著末世之感。

圖文來源／Capture the Atlas

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氣球屬於童年，屬於孩子，長大的立陶宛藝術家Tadao Cern卻以藝術語彙，打造屬於大人的氣球城堡童話。

Tadao Cern曾是一名建築師，2010年，他禁不起內在蠢動的好奇與想像，轉行成為攝影師，繼而成為一名藝術家，作品跨及攝影、繪畫與當代藝術裝置。Tadao Cern著迷於二重性與矛盾性：輕巧與沉重、極簡與極繁、無生命與活力滿載，他將這樣的關注具現為系列裝置作品《黑色氣球》（Black Balloon）。

他使用兩種不同重量的氣體—輕的氦（helium）與重的六氟化硫（sulfur hexafluoride）──製造高低位差的黑色氣球，再以細繩連接，讓氣球之間取得平衡，最後憑其專業的建築知識，探索氣球與氣球之間，及其與空間的關係，打造出揉合了時尚、藝術與童心的裝置作品。

黑色氣球以藝術家所企欲的方式，被控制框限在特定位置上，他們成排漂浮如雲，顯得量體龐大穩重，宛如一座沉靜的雕塑。「這些界限是我們自己制定規則的結果，最終，我們被許多限制所包圍。」Tadao Cern在Colossal的採訪中，好似以氣球喻人，喃喃說道人自身致使的荒謬。

然而這樣安穩寧靜的人造烏托邦，卻輕易地在觀者走近作品時，如微風拂水而波盪，宛若所有精心算計都可以是場徒勞，也好似，那些人造的無機物，有了生命一般地迫切回應著外在存有的來臨。這即如藝術家眼中的世界──我們生活在一個秩序與混亂相互矛盾，卻也相輔相成的世界。

而相互矛盾的不僅只是裝置，這件作品最基本的實體元素──氣球──即是空虛本身。充了氣的氣球飽滿活力而能造成作品，而為了讓作品能流轉於各個城市畫廊空間，氣球必須時充時洩，讓氣球乃至作品，以人為控制方式，在存在與不在間不自由地調轉。當氣球放氣懶攤成膠皮，承載著矛盾概念的藝術作品，即只是一種概念與回憶。

文字參考來源／COLOSSAL

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東京澀谷PARCO百貨是區域的時尚、娛樂和藝術基地，坐落四樓的Parco Museum Tokyo藝文空間，將於2020年7月4日至26日期間，舉辦由東京當代藝廊NANZUKA所擘畫的「全球流行地下」（Global Pop Underground）群展，其主軸承襲了2019年在紐約和洛杉磯Jeffery Deitch藝廊舉辦的「東京流行地下」（Tokyo Pop Underground）概念，囊括田名網敬一 、 空山基 、山口晴美與佐伯俊男等作品，對地下藝術做脈絡式的演繹和詮釋。

日本地下藝術，從何而來？

展覽從歷史背景探翫正統框架（為藝術而藝術）外的日本藝術家，逐一爬梳地下藝術的發軔始末。回溯明治時期前的日本，事實上所謂藝術多屬於實用性物件，嗣後，藝術與機能兩者逐漸匯融發展，並和流行文化鎔鑄成一體。

此類例子不勝枚舉，舉凡書法與摺疊屏風、日式紙拉門「襖」（ふすま）上頭的繪畫、茶器與漆器、海報的浮世繪，或是栩栩如生的雛型人偶。這些創作因其廣為普羅大眾熟稔且具備民主性，故而本質上被視為大眾的，並為學院藝術組織視為一種地下藝術。

依據前述脈絡，地下藝術展不啻為一種批判觀點，反駁學院藝術架構下的高低之別，展覽則置放於全球尺度下以一種動態混合方式，將藝術家所象徵的局外者論述匯聚一堂做同步呈現。而正如地下藝術其悖逆本質，展中作品大量存有性與暴力語彙，種種放肆乖張的創作，是藝術家反權威、反統一管理、反統一正義的隱喻陳述。

性與暴力中的反權威：從田名網敬、 空山基 到佐伯俊男

像是田名網敬一的類曼陀羅繪畫，便源於他的戰爭經歷；至於山口晴美受1970年代的婦女解放運動激發，從而摹繪一系列性感且勇於裸裎身體的女性肖像；或是佐伯俊男那散發鬼魅魍魎氣息，並有違道德底線的各式性禁忌春宮畫，再到今日依舊活耀且以性感機器人馳譽東西的空山基，透過機械軀體來反射人類本能慾望。

前述所提創作，均是這批前衛藝術家們的早期作品，過去憾而未能躋身藝術之列，直至今日，其狂野創作實踐才終於為藝術的聚光燈照耀。

這種現象不囿於日本境內，今年將滿86耄耋之齡的美國藝術家Peter Saul，儘管他在1950年代晚期被視為普普藝術以及卡漫藝術的先驅，但仍被藝術權威拒於千里之外，對其作品的諷刺性成果也未做出公道的評價。

再者，已於2019年溘然長辭的美國女性藝術家Joyce Pensato，長年以其獨特的彩滴式美學再詮釋美國原創的影視角色，如辛普森家族、大力水手、米老鼠與唐老鴨等，但渾身龐克打扮且我行我素的Pensato，對主流價值與規範向來濤浪不驚，因此過世前，其創作未獲廣泛佳譽。除了前述已為經典的大前輩，該展也呈現包括西班牙、日、英等國的新銳藝術家作品。

「地下」作為近代一種文化語言，並雜糅了性、龐克、網路、科幻、迷幻、街頭、動漫等次文化與反文化，這些範疇在正統藝術架構下，經常被視為難登大雅之堂，如今，這些被視為次級、非主流的作品不應再躊躇藝術門外，是時候以全球尺度來重新檢視其價值。

地下運動現象與當今已發展國家的社會情形以及日益白熱化的排外主義趨勢對峙、抗衡著，它被視為一種不服從的騷動，也是表徵自由價值的力量。

文字來源／NANZUKA  圖片來源／Hypebeast 、 Parco Museum Tokyoshibuya

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臺北市立美術館（北美館）藝想迴廊全新年度計畫「接近 Closer」由藝術家賴志盛操刀製作，於2020年6月25日起正式開放。邀請觀眾親臨想像的「池畔」巡遊，倚欄佇足高懸的棧道，以往下眺望的視點，俯覽北美館挑高大廳的一池光景。

賴志盛1971年生於臺北，1990年代是觀念藝術團體「國家氧」的成員之一，至今具有多次重要國際參展經歷，曾受邀參與愛知三年展（2016）、里昂雙年展（2015）與倫敦海沃美術館（2012）等大型展覽。獨特的創作語彙圍繞在人造場所、環境與人之間的關係，賴志盛擅長創造帶有場域屬性的非典型日常現實，以極簡的手法介入空間改造，提供觀者關注周遭環境，以及敏銳探索微觀感知經驗之機會。

此次空間計畫名為「接近Closer」，賴志盛以「繞樑，接近光與風一些」的概念介入空間，將北美館大廳視為一個池子，沿著三樓迴廊的邊緣延伸製作高低不一的平台。靈感來自鳥禽於高處築巢，在特殊的位置打造生存空間；又或是教堂在樑柱或高牆上搭建通道，通往懸在高空的小空間，成為講道或祈福之所，提供人們精神的慰藉。而賴志盛的平台，則提供俯視大廳空間、也是光與風來源的視野；促使觀眾產生踮腳或跨越的動作，進而對這原本存在但卻長期不被注意的空間，產生嶄新的感受。

賴志盛以其在英國倫敦海沃美術館「無形，不可見的藝術」聯展中展出的「原寸素描」為基礎，然而在此並非以素描勾勒線條，而是進一步由觀眾接近橫樑或繞過柱子等移動的方式取代鉛筆，行走出建築空間的線性輪廓，以隱性的方式反向強調出建築本身，呈現藝術家獨樹一格的翻轉思考模式。

藝想迴廊是位於北美館三樓獨特的空間，開放流動的場域特性有別於正式展間的白盒子空間，北美館館長林平指出：「藝想迴廊是一個為了觀眾而存在的空間，探討建築、空間、與人之間不同語言巧妙的相聚，提供民眾參觀美術館時沉澱、互動與交流的場所。觀眾在此不只與藝術相遇，也與自己相遇。」賴志盛的「接近」是一個具有挑戰性的計畫，聚焦於空間的存在性，並企圖重新喚醒觀眾探索周遭環境的能力。展期中相關活動資訊，請至臺北市立美術館官網 查詢。

圖文提供／臺北市立美術館

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