城市美學新態度

浪跡巴黎並以異鄉為最終歸宿的 藤田嗣治 （Foujita Tsuguharu），1968 年於瑞士蘇黎世溘然長辭。生於日本明治中期的 藤田嗣治 是巴黎畫派代表人物之一，他逾八十載的人生歲月裡，近半時光是在法國度過，遲暮之年不僅取得法國公民身分，並以天主教徒之名羅納德．嗣治．藤田（Léonard Tsuguharu Foujita）身分安葬於法國蘭斯。

生於富裕之家 ，浪跡巴黎逾半生

藤田嗣治 生於東京富裕之家，父親是軍醫並一路晉升至將軍。20世紀中期他遠渡重洋至巴黎，並於蒙帕納斯區設立了工作室，籍籍無名的他憑著和洋式繪風很快在巴黎藝術圈崛起，並和當時現代主義畫家畢卡索（Pablo Ruiz Picasso）以及莫迪里安尼（Amedeo Modigliani）等人齊名。無疑地， 藤田嗣治 的成就使他躋身20世紀日本藝術家翹楚，也是1920年代最成功的藝術家之一。

事實上 藤田嗣治 自幼便受西方文化薰陶，很小的時候即學習法語，之後他進入東京藝術大學（原東京美術學校）攻讀學位，嗣後再轉往巴黎進一步磨練其藝術技巧。1913年8月6日藤田抵達巴黎，當下就意識到自己短時間內不會踏上日本國土；當天，藤田獨特且高雅的外貌引發了智利畫家曼努埃爾．奧爾蒂斯．薩拉特（Manuel Ortiz de Zarate）的好奇，薩拉特主動攀談並介紹自己，兩人旋即成了朋友；數日後，薩拉特帶著藤田造訪了畢卡索的畫室，佇立在畢卡索的畫以及他所蒐藏的後印象派藝術家亨利．盧梭（Henri Rousseau）作品前，藤田對這些革新西畫，內心一陣歆慕觸動。

和洋美學風靡巴黎，畢卡索也流連不已

因年齡關係，藤田無法進入國立高等美術學院研究所二年級就讀，因此他轉赴羅浮宮成為繕寫員，唯古典藝術形式及其風格化美學，讓藤田驀然而悟，無論抗駁或妥協，他都必須重新調適他審覷西方藝術的視野，最後，他選擇「融合」東西這條創路徑，但在此之前，未曾有過日本藝術家敢做如此嘗試。鑄鎔浮世繪墨線韻味和西洋油畫而自成一家風格的藤田，自此聲譽鵲起，很快便受到外界和藝評家的欣賞。1917年6月，藤田在巴黎香榭麗舍大道旁的夏隆藝廊（Gallery Chéron）舉辦生平首度個展，啼聲初試即獲得豐厚成果，110幅水彩畫立刻售罄。

那場畫展，畢卡索不僅是首批參觀者，同時還在藝廊待上數小時，離去前並盡其所能帶走 藤田嗣治 的畫，作品風靡當時的盛況可見一斑，為應付前仆後繼的藏家，夏隆藝廊甚至還要求藤天一天產製兩幅水彩作品。產量緊湊的藤田當年有兩個秘訣，第一是名為費爾德南‧芭蕾（Fernande Barrey）、芳齡24的風塵女子，她同時也是畫家亞美迪歐·莫迪里安尼（Amedeo Modigliani）的裸畫人體模特兒，藤田與她在蒙帕納斯大道上的圓亭咖啡館邂逅，認識13天後兩人便步入婚姻。

第二個訣竅是藤田緘默不傳多年後才為外所悉，包括細筆觸、黑白塗料與一種純白釉彩。其秘密顏料配方包括亞麻籽油、搗碎的白堊（一種石灰岩）、鉛白以及滑石粉，當年西方未曾聽聞這種作法，而他筆下著名的乳白色肌膚裸女，正來自顏料瑩潤如凝脂的光澤感，那份約隱含蓄的清麗質地彷彿光暈滃染著畫，散發誘人凝眸而視的魅力，並且與馬蒂斯（Matisse）以及布拉克（Braque）那種大塊筆刷與明亮色彩巧成對比。

不僅如此，眾所周知藤田酷嗜以貓和裸女入畫，除了琪琪（Kiki de Montparnasse），當時年僅20歲、同樣相遇在圓亭咖啡館的新歡露西（Lucie Badoul）亦曾是藤田筆下主角。露西的肌膚，白皙皚潔如冬雪，藤田還為此幫她取了侑紀（Youki）的日文名，箇中原因正是其發音近似日文的雪（Yuki）。

離法返日卻成戰畫家，福禍相倚的動盪人生

韶光荏苒，1920年代的 藤田嗣治 早已成了馳譽各國的藝術家，展覽和出售畫作遍及世界各地，他用畫筆稱雄藝壇之勢，儼然成形。有回由紀（即露西）生日，藤田送了她一台敞篷車，裡頭散熱器蓋子還是由法國雕塑巨擘羅丹（Auguste Rodin）所製作，而藝術事業上的成功剛好支撐他在金錢上的肆情揮霍。

藤田嗣治 早年的造型，正是頂著一頭齊瀏海再配上粗黑的小圓框眼鏡，不僅塑造鮮明個人形象，實際上他也很懂得經營自己的名流聲望，包括供稿給八卦專欄，或是為時尚雜誌製作服裝等，並且工作時還會拍攝和記錄自己的影像，概念頗為類似現今的形象照。前述行徑說明藤田嗣治不僅是位出色畫家，還深諳建立品牌的道理，只是風流倜儻的藤田也因放誕行徑，藝術成就往往與男女花邊傳言牽纏在一塊。

然而名氣財富無法確保愛的永恆，露西日後戀上了藤田嗣治的詩人好友羅伯特・德斯諾斯（Robert Desnos），最後還從情婦成了德斯諾斯夫人；1931年藤田和露西分手，但時運不濟的藤田不久後開始被法國稅務部門追討巨額欠款，索性他就帶著一位名為瑪德琳（Madeleine）的年輕模特兒暫避南美。回不了法國的藤田在1933年歸返日本，六年後二戰態勢趨向白熱化，身為將軍之子且兄長與兒玉源太郎的女兒結縭，在軍國主義和殖民擴張的氛圍下，藤田馱負著半是家庭、半是國族的期待，從駘蕩不羈的巴黎畫家轉身成了日本軍方的御用軍畫師，名符其實成了為戰事舌喉的宣傳工具。

戰後，在麥克阿瑟將軍以及富裕的美國藝術收藏家保護下，藤田嗣治終於在1950年協同日本妻子堀內君代（Kimiyo Foujit），低調重返睽違已久的法國土地，他再度為西方所接納，不僅1955年獲得法國國籍，同時還歸化成為天主教徒，並在巴黎蒙帕納斯區平靜地度過桑榆之年，最後尊貴地安葬於蘭斯。

保利香港拍賣有限公司春季拍賣會：藤田嗣治拍品

2020年7月12日下午3點的現當代藝術專場，有三件藤田嗣治的拍品，包括1931年《奧迪爾．卡梅赫肖像》、1961年《繫紅色蝴蝶結的小女孩》以及1930年《Noêl Nouet肖像》。

《奧迪爾．卡梅赫肖像》

《奧迪爾．卡梅赫肖像》為藤田嗣治三十年代對女性肖像描繪的代表作，畫面淋漓盡致地展現了藝術家在此時期以日本精細的工筆畫筆觸融入到西方肖像繪畫的特色，人物髮絲精細到微毫，流暢精密而富有蓬鬆感，少女的膚色與紙張背景的米白融為一體，獨特的創作手法可追溯至日本美學意識。（圖文來源：保利香港拍賣有限公司）

估價：HKD 380,000 – 580,000  USD 48,718 – 74,359

《繫紅色蝴蝶結的小女孩》

五十年代的藤田嗣治經歷了拉丁美洲的遊歷、重回日本及戰亂等十餘年的漂泊生活，最終得以重返巴黎，開啟其第二階段的巴黎創作生涯。此時，藤田的作品與早期有明顯轉變，在保留纖細柔美的人物肖像線條同時，色彩構圖上運用更趨於成熟豐富。在創作題材上，也從裸女這一主要題材轉向對孩童的描繪。（圖文來源：保利香港拍賣有限公司）

估價：HKD 1,600,000 – 2,400,000  USD 205,128 – 307,692

《Noêl Nouet肖像》

估價：HKD 20,000 – 50,000  USD 2,564 – 6,410（圖文來源：保利香港拍賣有限公司）

文章來源／The Guardian

圖片來源／東京都美術館、The Guardian

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城市美學新態度

疫情之下，蘇富比、佳士得、富藝斯等香港春季藝術拍賣會延期至今，將在七月中上旬連番上陣。鑽研藝術市場十年，並深有斬獲的藝術顧問周士涵，對於本次拍賣會雲集的觀察。

歐美經典，揭開亞洲拍賣新格局

周士涵首先認為，從蘇富比帶來大衛・霍克尼（David Hockney）這位當代藝術界殿堂級人物的重要作品《三十朵向日葵》看來，國際拍賣會於亞洲除了「既往亞洲線當代藝術之外，要承接到新的格局」。

在過去，一方面基於文化傳承的熟悉感，另一方面，亞洲現當代藝術金額不若歐美價高，紐約、倫敦夜拍展品起拍價三百萬美金（約新台幣九千萬元），到亞洲已是最高價區。然而由於近幾年，常玉作品破了十億，奈良美智也到七億，還有許多藝術家身價不斷竄起，使得國際拍賣會認為亞洲市場有望收藏西方的經典名作。

經典藝術不畏疫情，硬資產價高不下

無論東西方，藝術史仍以歐美藝術為正宗脈絡，而經典藝術品屬金融資產範疇，在亞洲企業逐漸要將藝術品往金融資產方向配置時，歐美作品在亞洲拍賣會上當為往後拍賣會的必要走向。

而在疫情之下，這些歐美乃至亞洲大師的作品是否有低於行情出售的可能？周士涵表示，高價藝術品的流動有三個D──Death（死亡）、Debt（負債）、Divorce（離婚），如今環境尚且不到Debt階段，天價藝術品不輕易拋售，並且在不確定的年代，大師的經典作品作為硬資產，反而會讓價格居高不下。

在此脈絡之下，本次各大拍賣亞洲的經典藝術作品，無論是常玉、趙無極、草間彌生等大師，以及中國近來頗受矚目、價高難尋的劉野，皆可預期其拍賣佳績。

潮流正夯，二代收藏家皆關注的富藝斯

再則，在關注蘇富比、佳士得的經典藝術拍賣之餘，周士涵也將目光看向二代收藏家重視的富藝斯。富藝斯甫入亞洲市場時，率先引進KAWS、Daniel Arsham、MADSAKI等與名牌或潮流等跨界合作的藝術家，並取得良好市場反應，使得這些藝術家對富藝斯擁有極高的忠誠度，也讓喜愛潮流藝術的二代收藏家將注意力轉向了該拍賣會。

搶標須注意！資深藏家揭秘訣

而在關注潮流作品的同時，周士涵也提醒藏家，新興藝術家在市場的拍價高，仍需考量其價格的增幅。資深藏家在多在收到拍賣畫冊後，即開始評估畫作的經典性。唯有該拍賣作品當為藝術家的精品，才不致有創了天價搶到標的，在美術史上僅只是藝術家一般作品的狀況。此外，縱有目標作品也需判斷其價格區間，如果現場超過預算，便不宜再執著搶標，畢竟責任在己而非畫廊或拍賣會，需時刻自我斟酌。

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澳洲藝術家Sally West創作的油畫，風格最獨樹一幟之處，正來自於厚疊的濃重油彩，讓畫不僅能品翫明暗、線條、輪廓、顏色等配置與筆觸表現，還有股不甘停駐於畫布的意念，透過帶有厚度的油彩垛積，畫，呈現了儼如雕刻的立體性，且每處刮刀在行使滑動間，那每一道舒卷張弛的塗覆動態均變得歷歷可辨，就像木石鐫鑿和陶土捏塑所留下清晰的創作痕跡，使紋理美成為作品裡另一種藝術語彙。

事實上Sally West畫裡的細膩用色和大膽油彩應用，正是眾多蒐藏家為何歆戀其作品的緣故，尤其她的海灘以及雪色地景更是愛好者眾。

碧空澄霽下，與海洋粼粼波光相接的海灘，是最為夏日的一種季節風情，陽光輕拂面頰，足下細沙摩娑著腳掌，那種強烈視覺觸覺和聽覺，都成為烙印心中的深刻感知。Sally West走訪家鄉澳洲的海灘勝地，用她紋理濃郁蓄積的疊彩方法攫捕海景時光，包括位於雪梨、白沙迤邐蜿蜒的邦迪海灘（Bondi Beach），或是新南威爾斯州較罕為人知的伊麗莎白／麗茲海灘（Elizabeth Beach, Lizzie Beach），在自然景觀的千里之行中，將澳洲豁朗又遒美的海灘氣象，逐一捕捉再縮藏於畫裡。

特別是麗茲海灘，Sally West在那陽光明媚的區域與家人度過了許多時光，對她而言，是充滿了彌足珍貴的回憶，她談到，「那邊有一個俱樂部，我會在那裡做瑜珈，孩子們也在那打工了幾年。麗茲海灘從來沒有甚麼巨浪，更以清澈海水、安全以及白沙著稱，真的十分美麗。」而West一系列麗茲海灘繪作，同樣採行了一貫的厚塗顏料風格（impasto style）加以摹繪海岸的靜謐氛圍，畫布上，繪塗著色調柔美卻濃厚的油彩，醞釀出筆觸大膽且紋理豐富的質地。

Sally West許多作品以一種鳥瞰視野呈現，彷彿藝術家坐棲於海灘高處，並朝低處盱衡瞭望著。海浪以靛藍、青綠大面積暈染漫抹，並點綴著立體感的厚重純白油彩，讓潮水拍擊進襲，進退高低的渤潏動勢，透過油彩低平、浮凸以及層次韻律而鮮明地勾勒出來。至於衝浪者以及海灘上的各種陽光浴人事物，均成了零碎分布的小色塊。

如此抽象的寫意風景，有別於寫實之美，讓觀畫者有了遊走具體景觀外的想像，從而將此與自我的海灘體驗連結，與作品有了深切的互動。

圖文來源／My Modern Met

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鑽研紙材數年的FENKO鳳嬌催化室，在台灣疫情稍緩的現在，連結工藝、科技、文化、藝術、建築，以紙張的驚豔重生想像，為下半年全臺藝文活動的甦醒揭開美好序幕。

當一整座博物館，裡裡外外都被不同紙張給包覆，場面究竟會有多麼魔幻呢？告別上半年的紛擾不安，臺中市纖維工藝博物館推出全新概念的【APERTURE 縫隙——紙的無限想像】特展，將整座博物館都變成巨型藝術裝置的一部份，邀請你進入奇幻的紙張世界。

負責策展的 FENKO 鳳嬌催化室，連結工藝、科技、文化、藝術、建築等領域創意人，以當代語彙翻轉博物館策展學，為下半年全臺藝文活動的重生揭開序幕。鑽研紙材應用多年有成的 FENKO 鳳嬌催化室，呼應重生概念，將紙張的不同生命階段，以藝術的手法重新詮釋並打造獨一無二的展場空間： 「Embryo／胚胎」、「Childhood／童年」、「Adulthood／成熟」三大區塊。

走進「 Embryo／胚胎 」區，你會看見「紙纖林影」的裝置藝術。團隊利用回歸紙張生成前的纖維原貌，來觸發生命初始的細膩五感經驗。

接著的「 Childhood／童年 」區，則以揉皺紙感形塑一條時空隧道，引領觀眾回顧流轉千年的紙藝之美。

最後，來到展演當代紙材多元角色的「 Adulthood／成熟區 」，全區懸掛墨黑透光機能紙材，空間營造出一種神聖的儀式感，引述無酸紙材對文化保存的重要性。

來自美國麻省理工學院 MIT Media Lab 的聲音藝術家紀柏豪，亦為特展量身打造了結合紙材與聲音的互動裝置，讓觀眾親身體驗質材共振，觸發個人關於紙的聲響記憶。當代藝術家王鼎曄，則以有機陳列傳達展區概念，解構博物館過往以展品為主體的形式，並以「可以洗的紙」為題，打造光影水容器裝置，讓紙的質材新生「紙紗」；在水中浸泡，自由舞動，久浸卻不會腐爛的紙紗，將刷新人們對於媒材的想像。

本次特展以「APERTURE 縫隙」為名，暗示著纖維之間的「縫隙」，能夠包容氣流、光影，以及一切微觀世界裡的細小分子，更是容許各種可能性萌發的空間所在。自縫隙裡所窺見的世界，不存在過去、現在、未來，解構時間與文明之框架，令紙張這項既古老又創新的素材，與天地自然共享古老生命，亦與時代前行，結合科技不停創新、開展變換無限可能。

【APERTURE 縫隙 ── 紙的無限想像】已於 7 月 1 日正式開展，期待你一同進入感知的細微時空、相遇在溫潤的紙張展間裡。

INFO：【APERTURE 縫隙 ── 紙的無限想像】
展覽期間｜2020.07.01（三）- 2020.11.01（日）
展覽時間｜週二至週日 9:00 – 17:00（週一休館，國定假日另行公告）
展覽地點｜臺中市纖維工藝博物館（ 臺中市大里區勝利二路 1 號）
更多資訊｜活動頁面

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畢業於美國羅文大學（Rowan University）的 攝影師Dana Yurcisin 不只擅長靜態畫面，另涉獵廣播、電視、電影等範疇，同時職業上也保持斜槓身分，跨足了寫作、導演、電影拍攝、音樂製作等多重藝術領域，而這種天線全開的媒體型態嘗試，源於他對虛構或非虛構故事的熱情。

自年少時代以降，Yurcisin便持續拍攝與剪輯視頻，近期他在美國新紐澤西州伊頓敦市（Eatontown）數位行銷公司PCG，投入許多品牌視頻的製作，且大量參與企業品牌重塑、影像與旅行紀錄拍攝、擬定廣告宣傳概念以及產品攝影等。在此之前，他則隸屬緬因州波特蘭市一家新創公司，團隊非常小，他負責產製每日的諷刺性新聞，且一肩擔起執導、拍攝、採訪、編輯、表演和寫作職務，同時還囊括動態圖象、作曲與設計商品等工作。

但跨領域經驗卻非囫圇吞棗，看似多工繁雜的工作毫無斲損Yurcisin成為出色的藝術攝影師，他不僅擅長用影像說故事，還把平淡無奇之景，萃取出超現實韻味。2011年Yurcisin自學校畢業後，輾轉在學術機構與民間企業投入製作工作，2018年底他開始涉足靜態攝影，利用富士固定鏡頭快速拍攝，接著再運用Lightroom與Photoshop兩種軟體後製，在縝密地編輯與調整過程中，他時常擷取電影、圖文小說的元素為靈感，從而將攝影圖像轉進微妙且略顯詭譎的風格。

攝影以東岸海灘小鎮為敘事背景，並藉由住宅場域探索寂寞與孤單的主題。畫面中經常避免人們的出場，偶然為之，也僅是遠端背影，泰半時候是淒清街道與幾盞路燈、壟罩在煙霏霧集社區裡的房子與車，或是靜謐佇立於夜色的屋子，窗牖卻溢出深紫、豔紅、青綠等顏色，似乎有魑魅魍魎經由某扇異域之門闖入人間，原先平凡無奇的郊區住宅，透過局部色彩的調整、對比，霎時間漫瀰著不安的氛圍，甚至是恐怖小說的驚悚場景。

而所謂社區，竟是如此迷失在自己的意義中。

對於自己的攝影作品，Yurcisin這麼談到，「很多人告訴我他們在看了作品後，開始留意像是自家社區房子那樣平凡無奇的景物，對我來說，這是一種讚賞和回饋，知道自己的作品能夠影響他人，以嶄新目光重新看待過往理所當然的事物。」

圖文來源／Aesthetica Magazine、Dana Yurcisin

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第八屆「2020 ART TAICHUNG 台中藝術博覽會 」（以下簡稱「台中藝博」）將於7月16日至19日於台中日月千禧酒店登場，除了實體藝術博覽會，也將在7月18日至31日舉辦線上展。本屆入選的畫廊共有61家，包含海外畫廊3家，而首度參展的畫廊有10家，其中國外畫廊是來自日本的Gallery Iriya Tokyo，首度參展的臺灣畫廊有9家，分別是人文遠雄展覽館、承硯文創、大雋藝術、丹之寶、茗昕藝術、采采畫廊、雲河藝術、超藝術空間、飛皇畫廊。

台中藝術博覽會，以雕塑為主體的展會

今年的展會主題為「空間向度-雕塑賞遊」，深化台中藝術博覽會做為臺灣雕塑重要展會之美學目標，並以雕塑特色展會的期待，拓展公眾欣賞空間向度的美感，進而培養雕塑作為入門收藏之起點。7月19日將以「20世紀台灣雕塑史綱要」研究報告為主體，邀請國立臺灣美術館林志明館長以及國立臺灣藝術大學陳志誠校長為臺灣二十世紀現代雕塑之發展梳理探討，以系譜方式建構出臺灣藝術主體性中臺灣雕塑之具體體系，映射出雕塑的新面貌。

四大獎項，策略聯盟助藝術產業活絡

台中藝博具深化藝術產業鏈、提供國內新銳藝術家與藝術市場接軌管道的長遠目標。今年台中藝博特別擴大推動四大獎項的策略聯盟，有國父紀念館「中山青年藝術獎」、新竹生活美學館「璞玉發光」、臺中市立大墩文化中心「藝術新聲」、還有畫廊協會與國立臺灣藝術大學共同推動的「臺藝新人獎」，此次的策略聯盟有助於藝術新秀提前適應藝術市場的機制，協助新銳藝術家跨越市場平台的橋樑，並達成產官學三方共贏的藝術產業生態鏈。

「中山青年藝術獎」源自1973年至2011年的全國青年書畫比賽，38年間培養出許多書畫大家，為了鼓勵青年從事藝術創作，自2016年起更名為「中山青年藝術獎」，分為水墨類、書法類與油畫類，今年三位類別的得主將在2020年台中藝博展出，旨在透過台中藝術博覽會的市場機制，拓廣青年藝術創作者的發表平台。

「璞玉發光—全國藝術行銷活動」為文化部指導，國立新竹生活美學館辦理，今年已是第11年；以繪畫競賽形式選出優秀畫作，並透過展覽、參與藝術博覽會、公共空間展售等方式行銷創作者之作品；今年與台中藝博的策略聯盟，將令潛力藝術家們得到肯定及回饋。

「藝術新聲」由國立新竹教育大學（今清華大學）李足新教授與國立彰化師範大學陳一凡教授所催生，集結全國藝術相關校系應屆推薦畢業生於臺中市立大墩文化中心共同展出；並於2017年起，畫廊協會免費提供展間，於台中藝術博覽會展出；此次藝術新聲加入了香港中文大學、香港浸會大學、香港藝術學院三家海外學院共襄盛舉，令展覽呈現不同的國際美學視野。

「臺藝新人獎」為畫廊協會理事長鍾經新與國立臺灣藝術大學共同於2020年推辦之獎項，落實藝術產業的產學合作，開拓藝術大學畢業生踏入產業平台之機會，接軌產學與培植專業特色領域發展，以協會藝術產業先驅之姿，搭建起雙邊交流的橋樑。

藝術敲敲門，收藏藝品非高不可攀

本次展會再度規畫「KNOCK KNOCK, ART! 藝術敲敲門」單元，使往往被視為門檻極高的藝術收藏，不再如此遙不可及。多數參展畫廊將各自精選一件合適入門收藏，且具市場潛力之藝術品，從國際大師到新銳藝術家，從雋永經典到當代創新，再從平面到立體雕塑；各樣風格與媒材迥異的作品，以3至5萬元的價格，讓您體驗藝術收藏的輕巧與美好，在舒適的展會空間中，為您打開通往藝術收藏之路的大門。

2020 ART TAICHUNG，延續雕塑風格博覽會的品牌訴求，同時尋求新意，在疫情紓緩之際帶來第一場線上與實體並行的飯店型藝術博覽會，同時發表重要史料：《臺灣畫廊‧產業史年表》，並與四大獎項策略聯盟，深化藝文產業鏈的相互合作；誠摯邀請海內外的藏家與廣大的藝術愛好者，一同參與盛夏藝術盛會。

2020 ART TAICHUNG 台中藝術博覽會

▍展覽地點

台中日月千禧酒店（台中市西屯區市政路77號）7F至11F

▍貴賓預展

2020年7月16日（星期四）下午3時至晚上7時

▍公眾展期

2020年7月17日（星期五）中午12時至晚上7時

2020年7月18日（星期六）中午12時至晚上7時

2020年7月19日（星期日）中午12時至晚上6時

網站：https://2020.art-taipei.com/taichung/tw/

▍2020 V ART TAICHUNG線上實境展覽入口網站：http://varttaichung.azurewebsites.net/

線上展覽時間

2020年07月18日（星期五）中午12時至

2020年07月31日（星期五）晚上23時59分止

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城市美學新態度

Editor’s Note:
小島上的我們，離海很近，卻似乎對海有點陌生，好似周遭的水泥叢林，無窮無盡的延伸到地平面的另一端。插畫家徐志宏以畫筆輕緩訴說海島上不同海域的藍，那些看似遙遠的他方，其實正在身邊對著你的心招手。

從小待在城市圈的我，鄉野自然成為我的心靈庇護所。長大後總以逃跑的方式，躲進本島外的另一座離島，在那裡待上好些時光，少則一兩天、多則幾個月，只不過假期是租來的，但生活不是。

打回現實，過慣了朝九晚五的日常型態，有時我會忘了大海的藍、浪花的白，忘了奔向自由的那股恣意盎然。雖說台灣四面環海，但我仍忘不了澎湖的嵵裡海岸，當年與高中摯友同行，我們身穿都市裡的衣服，就往大海裡鑽，海的確有股魔力存在，難以用言語說盡，你只能親身感受。

「每當想要安靜下來，我總會閉上眼睛，腦海裡便如沙漏般流出沙沙沙的浪聲，浮現白色浪花來來去去，像是在帶走一陣一陣的思緒，開心的，難過的，隨波而去，又重新開始。」能寫能畫的插畫家徐至宏，說起這番話傳進我的心坎裡。

因為緣分牽繫，與大海有了幾段邂逅。徐至宏以一天中的早上、午後、黃昏、夜晚，分別捕捉蘭嶼、馬祖、基隆等三種不同緯度的海域，觀察其變化及海邊的日常，囊括為新作品：《大海的一天》

海的日記，旁觀者的角度佐日常。

海上靜物，挖掘意想不到的驚喜。

海的魔術，波光粼粼如天然劇場。

海邊散步，靜心舒心的良藥。

那段日子，他靜靜佇立在海上、與世獨立，日日望著大海，他說那樣平靜的心境，是此生難以忘卻的重要時刻，同時也終於理解，為什麼住在海邊的人總能平靜的面對生活。

以樸實直敘的文字，緩緩遞上情緒，將眼前事物的留念輕放在某段回憶裡，徐至宏是位溫柔的海洋導覽者，他用細膩的筆觸，體現內心最平穩的一面，完整的呈現在畫料之中，如海水一般，順著洋流、隨遇而安。

INFO：《大海的一天》
作者｜徐至宏
出版｜大塊文化
網站｜徐至宏的「山海・經過」第三部《大海的一天》

文／Beryl
圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／落日將煩惱與海水妥善安置，靜待一片湛藍中黎明升起：《大海的一天》

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這篇文章 耀眼寶藍的蘭嶼、安靜淺淡的馬祖、復古墨綠的基隆，徐至宏畫下大海的一天 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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乍看Mateusz Urbanowicz（暱稱Matto）這個名字，或許有點陌生，但若賞覷他筆下的水彩作品，從東京的店肆小舖到阡陌巷弄的風景，精緻細節歷歷在目，讓人儼如穿梭日本動畫場景。事實上， Matto的創作軌跡遍布繪畫、插圖及動漫，更在新海城所執導的長篇動畫《你的名字》（君の名は）中擔任背景繪圖師；至於新海城2019年鉅作《天氣之子》（天気の子）的日本版電影海報，背景同樣委由Matto操刀。

畢業作品受 新海城 矚目，引薦入行成專業畫師

1986年出生於波蘭的Matto，目前旅居於日本東京，本科原是研讀電機工程的他，輾轉到了波蘭的日本科技資訊機構學習電腦動畫，取得日本獎學金後，便負笈神戶攻讀動漫並取得神戶設計大學學位。當時Matto將自己的畢業作品《歸屬 Right Places》拿給到校演講的 新海城 ，請益，理念相契的兩人就此締結緣分。

2013年畢業後，他便在 新海城 所屬的動畫製作公司CoMix Wave Films擔任背景畫師職務，其間參與電視廣告、電視動畫以及長篇動畫電影的製作，像是電視動畫《宇宙浪子》（Space☆Dandy）、以及岩井俊二執導作品《花與愛麗絲殺人事件》等。

2017年起Matto展開其自由藝術家生涯，除了接案也專注在個人創作，當中包含數本膾炙人口的畫冊，像是2018年出版的水彩繪本《東京老舖 Tokyo Storefronts》（日文：東京店構）、2019年《東京夜行 Tokyo at Night》（日文：東京夜行）等。同時他還在大塚製薬株式會社委託下，以波蘭同鄉、日本首位女流棋士Karolina Styczynska的故事為題材製作3分鐘短片動畫《前進吧，卡羅琳娜》（すすみ, カロリーナ），他集編、導、畫一身，並由Studio Colorido繪製人物與製作動畫。

從《東京老舖》到《東京夜行》，考察城市的古樸與迷惘

因 《東京老舖》 水彩畫而馳譽各界的Matto，接受訪問時談到此系列的發韌和初衷，一是來自他對這些隱身於櫛比鱗次建築中的舊店鋪，竟能挺過數十載還保持營業的狀態驚詫不已，二則惋惜地震後坍毀的老店，因此決定畫下他喜愛的店鋪，從記錄場景來翫味東京。Matto每幅插畫都包含了店鋪商號以及周邊鄰里，讓人們看畫後可按圖索驥，去一趟原場址拜訪。

若《東京老舖》是本摹繪老字號商家的懷舊考，書頁間盤繞著一種不疾不徐的暇豫氣息和淳厚情味，那麼去年出版的《東京夜行》，則如實勾勒出東京那略顯不安、迷惘，隨時有人從暗處覬覦窺探的氛圍。Matto用畫作為黑夜嚮導，領著讀者穿梭在霓虹閃爍的摩天大樓、好似電視劇 《 深夜食堂 》 的陋巷餐館，最後再沿著濕漉漉的街道躊躇逡巡，一頁翻過一頁，就像滿懷心事的人們將自己拋擲於城市中踽踽獨行般。

雖整體畫風顯得沉邃幽賾 、 愁緒漫瀰，但Matto筆下的夜行景物依舊帶有暖意，藉著他所察所繪，彷彿透穿人們置身大都會時偶然翻湧的落寞與脆弱。《東京夜行》不僅有考究的街景畫，還搭配日英對照介紹繪作，情中更收錄了與新海城的對談，呈現兩人觀察東京這座城市的異同觀點，以如何將它再現於作品中。2020年 Matto 的畫冊新作，場景從東京換移至北海道，而水彩滃染的紛紜氣象也轉以黑色鋼筆詮釋，但不變地，依舊是畫裡對城市觀察的敏銳和感性，以及勾摹景物的細膩風情。

圖文來源／Mateuszur Banowicz、abdz、Pen Online

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在北美館《內在移民：安身的視野》開幕記者會上，捷克藝術家弗拉基米爾．可可利亞（Vladimír Kokolia）略帶靦腆，好似不善於在台上面對大眾，不掩其肢體的獨出語彙──每一動作，腰胯鬆落帶勁，顯然是長年練太極拳所擁有的慣性走勢。

弗拉基米爾表示，他曾是搖滾樂團一員，在舞台上不知如何動作的他，原本模仿的是空手道，後來在接觸到陳氏太極之後，竟也這樣一路練下去。「我學到了很好的太極，是來自陳氏太極拳真正的發源地。」他擺手如纏絲，並且驕傲地這樣說。

該展精選了他在八○年代共產捷克時期畫就的130張插畫，畫裡那一個個水墨畫就的素描人物，各個延展了帶曲線弧形螺旋式的肢體，好似每個人都擁有過人的速度與力量，在那樣動盪不安的時代裡蓄勢發勁。

但弗拉基米爾表示，在共產統治時期，他也不想做跟政府對抗的角色。「因為你跟任何人對抗，要一直追著他。」藝術家清楚縱使奮力一戰也不能打贏，不願將心神虛耗在與愚蠢的敵人對抗，而是收斂意識，向內尋求心靈的自由。

意識的收斂從日常修練開始，猶如少林功夫從灑掃起始一般，在鄉間長大的弗拉基米爾，在二十年前開始砍柴。砍柴需要聚會心神於樹梢，藝術家發現，「樹梢跟其他東西不同，它是一個可以看穿看透的東西。」相較於其他量體，樹木帶有空隙的枝幹得以看穿，在或遠或近的距離中，展現豐富層次感知，並非是個平坦單一的表面。

於是，藝術家在樹梢這平凡裡見空闊的視野中安身。他以影片、裝置、油畫各種媒材描繪這個讓他感到自由的世界，其中讓人最感特別的，是他的單筆畫。弗拉基米爾以一條線遊走於畫面，線條連綿曲折延續到畫布每個角落，最後回到原點，擴鋪成滿滿一片色線圖。

帶有書法筆力的有色線條，或濃或淡，或粗或細，卻都只有單一條獨自伸展，宛如我們的人生，無法分裂身體叉行，一次只能走向一個方向。而如何知道方向，藝術家以做太極要仔細聆聽、留意對手力量爆發的契機，去比喻他如何看見繪畫需求意願，走鋼索般地在動靜虛實中尋得永恆平衡，與藝術對打一場太極。

而他回應的這些繪畫主題，都是一棵棵的樹，白的是在北京駐村時工作室的木蘭、綠的又是另一地的梣樹云云。單線畫以抽象之姿繪寫實景，細看，線條中留有縫隙，豈不若樹梢的縫隙之光？

這樣的拆解重組與再現，是他欲望在畫裡建構的觀看機制。在展覽起始處，他即以樹為題，導引觀眾去練習得以如何觀看，並進一步思考跟影像之間的關係的操作手冊。

然而藝術家也認為，他並不要人一眼就知道畫作主題。於觀者而言，畫作本身內容並不重要，能以開放角度找到畫作與自身之間的距離與角度，才是最要緊的，於是展上的畫作多省去了表明作品名的標籤。

「和小偷一樣，」這位捷克藝術家特別用中文強調，觀者儘管用很自私貪心角度去看，在時間裡頭，唯有觀者自身能給與作品框架，並看見想看到的東西。透過觀看藝術作品尋找，也正是一種尋找自我的過程，而當人們和藝術作品融為一體時，也就是為生命之所以能存在跟安在的「安身的視野」定錨。凝視畫作幾分鐘，弗拉基米爾將自我放飛在樹梢之際，而你的呢？

圖片提供／藝術家與臺北市立美術館

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這篇文章 取遒勁太極之勢創作，在樹梢裡尋得安身視野──捷克畫家Vladimír Kokolia 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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新冠肺炎疫情展會延期至明年5月的「台北新藝術博覽會」，然而為不使喜愛藝術的大眾錯失欣賞展會中最受矚目的主題活動「2020國際藝術家大獎賽」機會，主辦單位將在8/15－8/30於松山文創園區，舉辦「2020台北新藝術博覽會‧番外篇」特展，在後防疫的炎夏時節，邀您來一場國際級的藝術饗宴。

台北新藝術博覽會「國際藝術家大獎賽」已是世界上聲名遠播、有口皆碑的國際級大賽，自舉辦以來，報名參賽的作品逐年遞增。「2020國際藝術家大獎賽」共有來自82國、4,337件作品參賽，橫跨全球五大洲，全球超過三分之一國家的藝術家參加此藝術賽事，除了美國、英國、法國、德國、西班牙、土耳其、印度等國人熟悉的國家，更包括古巴、祕魯、伊朗、科特迪瓦、喀麥隆、不丹等少有機會接觸的國家，廣納來自世界的藝術作品、融合各國文化風土薈萃一堂，無需出國，亦可飽覽世界藝術風情、藝遊天下。

大獎賽主辦單位每年致力於發掘更多潛力無限的新銳藝術家，例如來自西班牙的Vitaly Leshukov，其主要作品是神奇多彩的風景畫，透過印象派風格的顏料層營造傳達了喜悅和幸福的感覺，充滿活力、溫暖的景象，與眾不同且引人入勝，在法國、西班牙、瑞士、俄羅斯、比利時辦過多次展覽，參加西班牙巴塞羅那「藝術博覽會國際現代藝術展覽會」以及在市政廳辦個展。

馬爾地夫的Muaviyath Ali專長於美術、數字藝術、室內設計與產品設計、背景與圖形設計，他的繪畫以超現實主義再現馬爾地夫的風景，為了表彰他的藝術才能和對馬爾代夫社會的藝術服務讚賞，總統於2002年頒發了國家認可獎。被選為藝術學院最後十年中最好的義大利藝術家之一 的Carlo Alberto Palumbo，曾於2011年參加第54屆威尼斯雙年展。

另外，美國的Teddy L Wang以超人類主義視覺效果繪畫，著迷於微觀生物的細胞結構，通過萬花筒的數學形式和幾何形狀，以及視覺上製造錯覺和幻覺。使觀眾無論處於什麼位置畫面都看起來不同，看得越久就會發現更多。

展出期間，主辦單位會從「國際藝術家大獎賽」入圍參賽者中選出一名「首獎」、數名「畫廊獎」，獲選之藝術家將可參加2021台北新藝術博覽會之「國際藝術家沙龍大展」，展位由X-Power Gallery贊助。

此次「番外篇」特展規劃為兩個倉庫的展場區塊，展出包括「2020國際藝術家大獎賽」入圍作品、國際與台灣藝術家作品，包括：曾代表義大利參加54屆威尼斯雙年展的寫實古典畫家Carlo Alberto Palumbo、2015國際藝術家大獎賽首獎得主的印度自學藝術家Kurma Venkata Siva Prasad、2017年和2018年被義大利藝術巡迴國際雜誌授予「TOP 60當代藝術大師」之一的O. Yemi Tubi、李善單、MSLL瑪馨玲月等藝術家。

台北新藝術博覽會打破全球藝博會以畫廊為主的慣例，首創「以藝術家為核心」的全新概念，在藝術總監李善單的精心規劃下，展現配置、設計都以藝術家及其作品為中心，因此每一展位就是一位藝術家的個展，在建立特色與口碑之外，讓台北新藝術博覽會成為「具有溫度」的國際藝術展會。自2011年首屆舉辦，即震撼藝壇，藝術家成交率89.66%，其後歷屆舉辦，藝術家成交率均在8~9成以上，2019年參展藝術家高達497位，為歷年最多。經過9年的努力，台北新藝術博覽會已然成為亞洲最具指標的藝術展會。

2020台北新藝術博覽會 • 番外篇｜
展覽地點：松山文創園區（2號、3號倉庫）
貴賓專場：2020. 8. 15（六）～8. 26（三）
預約專線：（02）7743-7788 #3218 蔡小姐

公眾展覽：2020. 8.27（四）～8.30（日）
地　　址：台北巿信義區光復南路133號

圖文來源／台北新藝術博覽會

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這篇文章 後防疫不出國，更要藝遊天下──跟著「2020台北新藝術博覽會‧番外篇」特展遍覽五大洲 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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目前居住在加拿大多倫多的藝術家Bernice Liu（又名Spime）除了自身創作，也擔任創意總監職務。2020年她所創作的新系列作品《入口》（Portals），試著探討一種沒有傳統時空觀點的寰宇世界，藉此突破非此即彼的藩籬，創造某種「之間」（in-between）的場域。

《入口》超現實主義的地景圖象，參照了中亞區域國家的傳統、童年記憶與都市生活，讓觀者體內的懷舊之情以及對未來的想望驀然甦醒。對Bernice Liu來說，把各種場域以拼貼態樣鋪排在一塊的矛盾感值得細細翫味，並能探索這種價值觀辯論下所形成的新觀點。經由前述的概念闡明，更能體會這些看似熟悉卻又難辨其義的圖像，指涉了某種更深層的想像，甚至現象批判。

這是一種文化挪用還是拼貼？抑或區域間本來就具備某種聯繫，並經由網際網路創造一種天涯共此時的同步性？《入口》誘發了一種腦內革命，將吾人所代代嗣襲的概念系統，重新輸灌再開機。

至於為Gallery 1313群展所創作的《性別展演》（the Sex Show），透過證明人類與自然間的關係，對性別定義提出詰問，其概念在於，人類被教導性別由遺傳決定，但亦有一說，環境對人類性向有關鍵影響。生物和物理外觀的高度相似，才使得了解性變得這麼有趣。

性別認同脈絡下的性，被人們內在固有的特質與本能所形塑，並為周遭環境所驅動，因此作品裡，這種屬於個體秉性的特質便透過圖像的並置來詮釋。此系列之所以運用拼貼，在於它是一種強而有力的語彙，尤其數位拼貼很適宜鑄鎔多元意識形態，簡單卻有優異圖像效果。

而2015年的短片作品，並無意呈現甚麼特定敘事，從幽賾杳冥的外太空到海洋的泱漭無際，影片看似摹繪自然界的浩瀚奇觀，卻潛伏著反抗意識。進行再生產的黑白畫面象徵了一種反烏托邦式的未來，隱喻人類存在之於地球不啻為一種蹂躪和自然資源的剝削，乍看藝術影像實為一種諷刺，也是Bernice Liu經由此作品，反資本主義大量生產大量消費的荒謬，以及自然資源罄竭之日，也是人類走向為自己廢棄物所湮沒的窮途時。

圖文來源／Booooooom、Bernice Liu

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人說畫虎畫皮難畫骨，中國插畫家「呼蔥覓蒜」偏偏隱去畫中人物五官，連皮相都不給見，卻能在細緻的人物動態與背景刻畫下，唯美呈現畫中故事，並帶予風雅韻長的古風氛圍。

呼蔥覓蒜本名王曉藝，1992年出生的女孩子，也和尋常小女孩一般沉迷於古裝劇，縱然她並非繪畫專業出身，卻不浪費自己的才華，在微博畫著「無臉古裝群像」──瑯琊榜、花千骨、陳情令、延禧攻略，眼看著她為各大熱門劇的經典場景都畫過一遍，人物衣著姿態、場景佈置古風細緻，讓戲迷隨意望一眼，即能再次跌入劇中。

其實呼蔥覓蒜一開始是畫臉的，然而從她筆名由來──源自蒲松齡《綽然堂會食賦並序》中的「夫然後息爭心、消貪念，箸高閣、餅乾咽，無可奈何，呼蔥覓蒜」──，可見她偏愛狐神鬼怪等古風題材，而在那神秘飄渺的氛圍下，她總覺得畫中人有了五官便俗了，於是才發展出無臉人的畫法。

呼蔥覓蒜企欲呈現的氛圍，即落在那烏髮飄長、柳腰風搖、絹衣如山嵐渺渺的描繪中。然而，她的作品並不單薄。在那若有還無、如月朦朧的畫面中，能隱見無論是妝髮、服飾形制，乃至服飾上的圖騰，都按著朝代與角色打扮細緻無誤地被描繪出來，這些微小細節即讓作品顯得具有深度層次。甚者，人物的喜怒哀樂，更在那被精心佈局的舉手投足間，在簡雅背景渲染中，並且由此延續了故事情節。

圖片／微博

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印度尼西亞藝術家Mulyana擅長用針織組構出大型的沉浸式作品，如此幻化針黹工藝而成立體雕塑，讓他受到國際精品愛馬仕（Hermès）的青睞，在2019年受邀為新加坡與首爾兩間店面規劃櫥窗。

逐一品翫Mulyana歷年作品，許多帶有珊瑚、海葵和水螅等腔腸動物的形廓，抑或海綿及軟體動物等，這些棲於灝溔無際海洋中、原始外觀頗讓人畏懼不安的生物，經由Mulyana充滿溫度且顏色繽紛的鉤針編織，讓人不再感覺排拒，以溫和視角欣賞並理解水下世界。

舉凡螺旋式觸鬚、齜牙裂嘴的詭譎章魚，還有種種叢簇而華麗、儼如珊瑚礁的巨型針織量體，Mulyana手中創造的海洋景觀，正是一股熱鬧非凡的氣象，加上陳設佈置時運用了懸吊方式，讓編織生物重現水域優游姿態。

事實上，歡快、愉悅和熱鬧並非Mulyana作品的唯一面向，就像2017年《靜默的祈禱者》（Silent Prayers）裝置，這位藝術家洗去所有錦繡紛紜的顏色，藉由一片素縞澹然，直指環境污染所造成的海水溫度上升及優氧化問題，均是海洋生態劣化與珊瑚白化的肇因。

為了實踐自己對永續性和社區的承諾，Mulyana重新組構他的海洋世界與人造珊瑚礁，而談起《靜默的祈禱者》創作概念時，他描述了一段心路歷程，「我的父親有個謹記在心的忠告，也就是『生活必須充滿祈禱』。祈禱是種希望，對人類來說無法活著而沒有希望。希望將轉化成一種信念以及實現目標的渴望，並迫使人們為目標而付諸努力加以實踐。」

他嘗試在這件作品中呈現祈禱，運用鉤針編織裝置來摹繪死亡的珊瑚，以此災殃作為海洋輓歌的前奏，讓人們強烈意識到生態已瀕衰竭，倘若人類持續漠視此問題，將難再治癒這已破壞殆盡的自然。事實上祈禱在沒有付諸努力實踐下，充其量也僅是一種呼喚和空洞盼望，而藝術是種行動，拯救海洋也仰賴更多行動。

同樣地，他2018年的大型裝置作品《心繫海洋》（Sea Remembers），詩意脈絡下，娓娓道來人與自然的關係。此作受印尼ArtJog藝博會所委託、努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum of Modern and Contemporary Art in Nusantara, Museum MACAN）贊助創作，在漂浮的黃色群魚間，底部珊瑚礁艷麗盎然矗立著，已成枯骨的大型海魚則彷彿一種對比，象徵著無論人類抑或動物，相對海洋歷史與其澒溶廣博不過天地一粟，海洋是生命的起源，更是人類的未來。

圖文來源／Colossal、Mulyana

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這篇文章 印尼藝術家Mulyana ：以鉤針編織，輕緩謳吟一曲海洋輓歌 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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只要有藝術之眼，即可看見生活的美，也能在生活中創造出美。而如此與眾不同的眼光如何培養？臺北市政府文化局自2017年開始推動「美學教育扎根計畫」，年年以兒童為主角，在不同面向上植下美學種子，去年從美術館概念延伸教育想像，而今年，文化局委託沃沃美學規劃，將生活美學實踐的目光聚焦於親子之間，在龍山文創基地設立了「小美學校」。

微美展：實際體驗，感受美在發生

沃沃美學團隊在計畫前探訪了基地周遭國小，透過鄰近學校了解在地需求後認為，對國小以下幼童而言，父母也是重要的美學資源引入者，於是他們帶來了讓親子都能一起參與的常設展「微美展─從生活開始」，以及多達90場次的工作坊與夏令營等市民活動，讓美學不囿限於師生之間的單向教學，而是讓社會大眾都能一起在「小美學校」這個情境體驗式的基地空間裡，實際感受美學正在身邊發生。

常設展「微美展─從生活開始」以開發五感為主，分有結構構造、材質質感、形體形狀、色彩色光、數位動漫五大展區。在展間門口，即可看見探索結構的展區「自造家Maker」。該區檯面上放有一般民眾熟悉的各式零件材料，立牆則插上一排排木栓，似乎兩者間當有某種關聯。

美學幼苗，在親子互動中萌芽

相較於大人對展區展現的遲疑與審慎研究，孩子的動作直觀快速，一進到該展區，即能直覺前往挑選檯面上的物品，並且毫不猶豫地放置到木栓上。而小小幼童搆不著檯面物品，一旁的父母則會自動補位，默默拾起物件，讓孩子一個一個地接過那些富含文化或教育意涵的日常結構物，在牆面上組合出自己的創作。當家庭成員協力完成作品，即是該展的初衷──美學在家庭觀眾中開始養成。

當孩子認真、有主見地將物件掛上木栓，甚至有些幼童由於太小，僅只能簡單重複將木栓拔抽取起再插回，對他們自身或大人而言，「每一步都是一場壯舉。」現場的工作人員這麼補充，「孩子會在大人的掌聲中獲得鼓舞，並且玩得更加起勁。」在如此的雙向交流中，家長能更熟悉孩子的內在世界，而孩子的美學幼苗也就此受到滋潤。

揉合普世美學與在地元素，形塑孩童的獨特自信

由於小美學校誕生在饒富在地色彩的龍山寺，於是展覽不僅設計讓不同文化背景家庭都能自然融入的普世美學體驗，也結合了在地元素。例如在數位動漫區，團隊不僅設計大朋友小朋友都喜愛的動物著色，更讓參與者精心創作出的繽紛動物，現身在以龍山寺前埕為背景的投影幕中，甚至會在整點來場集體報時秀，既新鮮又有趣。

數位動漫區頗受歡迎，塗鴉繪畫及呈現效果吸引許多孩子的注意，然而，在這美學體驗俱全的展覽中能發現，每個孩子的獨特之處。有一個爺爺帶著孫子看展 ，爺爺想讓孩子去熱門的繪畫區，然而，小男孩卻對該區興致缺缺，反倒在色光的玻璃貼創作，以及形狀製造所等區流連忘返。

人們在場域中選擇如何停留，如何略過，都能展現每個人的獨特面貌，或許，也是開啟其美感之門的關鍵線索所在。我們可以從這樣的學習經驗去發現，每個人都是獨一無二的。那位爺爺帶來的孫子後來仰頭問道：「龍山寺這裡只有這個遊樂園嗎？」孩子們在遊戲似的體驗中獲得的滿足，即能逐步建構產生自信，進而形塑美學經驗的自我實現。

多角課程迸發，全民探索美學進行式

在常設展之外，小美學校規劃了五系列課程，除了讓藝術家帶領孩童探索藝術的「藝術家小美」、讓親子共同參與的系統美學教育課程「大美小美一起來」、與鄰近學校合作校外教學的「小美交換生」、不怕孩子放假沒地方去的雕塑／建築美感夏令營「小美放暑假」，更有不分年齡、針對鄰里舉辦的「小美好厝邊」，讓對在地城市景觀文化有興趣的人都能參與。

「小美好厝邊」藝術課程結合社區文化，不同領域總能在接觸時碰撞出美好火花。比方青草拓印老師設計教案時，一一拜訪青草巷裡歷史悠久的店家，在說明來意後，即有熱情店家表示「這些草你們都拿去，要怎麼玩都可以」，讓老師收集了二十餘種藥材回去做實驗，最終為參與者打造了滿富趣味特色的創作課。

艋舺淵源流長的地域文化風情，在民眾與當地社區親密交流下，讓人們不僅走進萬華歷史，還能體驗美學在當代元素的挹注後，展現出新時代的多元樣貌。

攝影／AJune

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「不要問我從哪裡來，我的故鄉在遠方……」有著流浪靈魂的三毛這麼說道。然而，三毛知道──同鄉人也知道，她的故鄉在什麼地方。藝術家Mai Ta沒能有這樣的雙向認知，她以《我放火燒月亮，因為她不會醒來》（I Set the Moon on Fire Because She Wouldn’t Wake Up）為題，訴說作為一個異鄉人，在兩個國度的擺盪，以及內含的複雜情感。

Mai Ta在越南出生，國中到美國，如今仍居住在紐約。縱使國中就離開故鄉，Mai Ta喜愛自己體內流淌的越南血液，著迷於傳統的美麗與豐富，害怕快速工業化與現代化致使人們遺忘自身的文化與歷史，並且欲望向世界展現這個國度醞釀出來的藝術瑰寶，於是她以帶有輕盈與複雜特質的水粉，畫下那些屬於越南的事物──越南女神、越南圖騰……例如她在《我們該向誰致敬？》（To Whom Do We Owe This Pleasure?）系列的那些圖畫肖像，即像是被信眾拋卻的神，以悲傷、恐懼看向現今的人。

Mai Ta致力於宣揚越南的美，然而，對越南人來說，她太美國，而對美國人、乃至越南裔美國人而言，並非土生土長的她卻又是越南人，好似人一離開故土，無論到哪都是永遠漂泊的浪人，沒有能歸依的根。

在《我放火燒月亮，因為她不會醒來》裡，披散著長髮的少女身著越南傳統服飾，代表著藝術家的不忘根本，但她卻讓人物置身於瓶葉之後，或只能見到側臉，乃至於單眼，其餘都讓物體、長髮或陰影遮掩，在煙縷般紅燭、傳統珠門簾等圖像點綴中，帶有神祕色彩，而那神情體態，更揉入了Mai Ta過往畫的那些如鬼魅如神祇的女性影子，像藝術家與自己的對談，又如與過往傳統交談。

特別的是，畫中的這些女孩縱使與觀者隔了物，好似生份疏離，然細看少女的眼神，卻又是探向鏡頭那樣，存在著好奇觀察、又有種渴望關注的情感。或者，這也就像是她在越南、美國之間的幽微處境，以及那渴望被了解的心情。在越南傳說中，太陽是父、月亮是母，而星星是他們的孩子，中秋則是孩子們對月亮母親的愛。筆者想著，想放火燒月亮的Mai Ta，是如何渴望越南母親的醒來與目光？

資料參考、圖片來源／MAI TA、BOOOOOOOM、SUKEBAN MAGAZINE

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來自波蘭第二大城克拉科夫（Krakow）的線繩裝置藝術團隊，由核心人物Przemysław Podolski 與Marta Basandowska所組成，其主要創作，在於擘劃一系列和空間整合、磅礡巨構的沉浸式裝置。事實上作品的意念，冀盼重現了一個壯麗、灝博無垠的宇宙奇觀，使觀者踏進當中，便能攫捕其心頭曾浮現的宇宙輪廓。

Podolski提及自童年起，寰宇銀河那深邃悠遠、無限未知的神祕感一直吸引著他，自那時起，他探索宇宙的熱忱便未曾消褪，因此當他進入克拉科夫藝術學院就讀，便嘗試用藝術創作去實踐他對宇宙的嚮往，這一步，也為日後沉浸式裝置奠定深厚基礎。

當Podolski 與Basandowska相識後，兩人攜手打造了名為DecodeTheCode的藝術計畫，其主軸在於創造足以讓人躊躇逗留、仰觀凝覷的沉浸式裝置，藉此重塑與闡述宇宙可能的形體，並導引觀者進入覺知超然的狀態，感覺就像飄浮於銀河系中心，油然而生一股玄奧又縹緲的體驗。

兩人作品獨特之處，不僅是他們挪用了線繩藝術（String Art）概念加以實踐，更在於破除框架再上層樓。技巧上，乃是擷取多彩線繩反覆層疊、交錯而形塑輪廓的技法，並以此演繹在大型裝置中，正如他們所解釋，「線繩在空間創造了三維立體藝術，運用傳統技術和科學基礎，對空間結構進行想像，並使宇宙之美更易為人所體會接近。」

普遍而言，線繩藝術多半運用在平面構圖與創作，底材多半是簡單薄板或膠合板，但DecodeTheCode的宏構體裁，遠遠超越了傳統一片板子的範疇。其規模經常涵蓋偌大場域，像是整個房間、一片袤廣的草地，儼如鋪天蓋地的蜘蛛絲，綿綿密密纏繞在樑柱等結構體或天花，當觀者進入其中，就能360度為此全景所包圍，並翱翔在那遙不可及、深亦難測的闃寂宇宙。

圖文來源／Collater.al、Bored Panda

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你心中的台灣是什麼樣子呢？是街邊上的機車、高低錯落於街道上的各色招牌，還是櫛比鱗次、當代與傳統混雜的建築呢？藝術家 Sheridan T.（丹丹）來自台灣，她喜歡用自己獨有的筆觸結合水彩這樣帶有透明感的媒材，去詮釋我們生活的地方。

她一系列的《台灣建築與地景之畫》（Taiwan Architecture & Landscape Paintings）便是摹繪昔日令自己印象深刻又思念的台灣景色。像是台北永和保福宮，是丹丹認為自己去過的最美麗的寺廟之一。

另外還有丹丹在台中時，捕捉到一條正在施工的小巷。這個景色對長成於台灣的人們肯定不陌生，台灣各地時常都有大大小小的施工，看著作業車緩緩升起、降落，瓦片、水泥以及磚頭慢慢蓋起的房子，從無到有的過程，我們就像是用雙眼陪著一棟棟建築完成，雖然有時噪音惹人煩，但想一想還是挺浪漫的。

或是傍晚，夜幕垂臨前，幾個零星招牌還亮著燈的街上。這是台灣，不會打烊的一個國家，有人終於了結一天繁忙，有些人的一天才正要開始，這是島嶼土地上每日輪播的辛勤打拼城市故事。

丹丹其實不僅畫台灣，她出國走訪世界各地都會將眼底的景緻用畫筆記錄下來，但筆下的故鄉台灣，卻永遠多了一份叫人悸動的特質。畫裡流露僅屬於這片土地的成長記憶，水彩的色澤與渲染，讓每一種顏色、物件都像是在起舞，即便丟失了一些熱愛這片土地的小塊，透過這幾幅台灣風情畫，或許能夠找回那份感動。

更多 Sheridan T.：Behance

文／辛蒂

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／透明感的台灣建築與街景，藝術家 Sheridan T. 用水彩揮灑她眼裡的恬淡日常！

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這篇文章 藝術家Sheridan T.，以水彩勾勒朦朧雋永的台灣街景 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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這篇文章 受保護的內容: 2020桃園國際插畫大獎 結果公布：14個國家、近千件作品同場角逐 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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乍看Mateusz Urbanowicz（暱稱Matto）這個名字，或許有點陌生，但若賞覷他筆下的水彩畫，從東京的店肆小舖到阡陌巷弄的風景，城市細節歷歷在目，儼如穿梭日本動畫場景。

事實上， Matto的創作軌跡遍布繪畫、插圖及動漫，更在新海城所執導的長篇動畫《你的名字》（君の名は）中擔任背景繪圖師；至於新海城2019年鉅作《天氣之子》（天気の子）的日本版電影海報，同樣委由Matto操刀背景。

畢業作品受 新海城 賞識，引薦入行成專業畫師

1986年出生於波蘭的Matto，目前旅居於日本東京，本科原是研讀電機工程的他，輾轉到了波蘭的日本科技資訊機構學習電腦動畫，取得日方獎學金後，便負笈神戶攻讀動漫並取得神戶設計大學學位。當年Matto將自己的畢業作品《歸屬 Right Places》拿給到校演講的 新海城 請益，理念相契的兩人就此締結緣分。

2013年畢業後，他便在 新海城 所屬的動畫製作公司CoMix Wave Films擔任背景畫師職務，其間參與電視廣告、電視動畫以及長篇動畫電影的製作，像是電視動畫《宇宙浪子》（Space☆Dandy）、以及岩井俊二執導作品《花與愛麗絲殺人事件》等。

2017年起Matto展開其自由藝術家生涯，除了接案也專注在個人創作，當中包含數本膾炙人口的畫冊，像是2018年出版的水彩繪本《東京老舖 Tokyo Storefronts》（日文：東京店構）、2019年《東京夜行 Tokyo at Night》（日文：東京夜行）等。同時他還在大塚製薬株式會社委託下，以波蘭同鄉、日本首位女流棋士Karolina Styczynska的故事為題材製作3分鐘短片動畫《前進吧，卡羅琳娜》（すすみ, カロリーナ），他集編、導、畫一身，並由Studio Colorido繪製人物與製作動畫。

從《東京老舖》到《東京夜行》，考察城市的古樸與迷惘

因 《東京老舖》 水彩畫而馳譽各界的Matto，接受訪問時談到此系列的發韌和初衷，一是來自他對這些隱身於櫛比鱗次建築中的舊店鋪，竟能挺過數十載還保持營業的狀態驚詫不已，二則惋惜地震後坍毀的老店，因此決定畫下他喜愛的店鋪，從記錄場景來翫味東京。Matto每幅插畫都包含了店鋪商號以及周邊鄰里，讓人們看畫後可按圖索驥，去一趟原場址拜訪。

若《東京老舖》是本摹繪老字號商家的懷舊考，書頁間盤繞著一種不疾不徐的暇豫氣息和淳厚情味，那麼去年出版的《東京夜行》，則如實勾勒出東京那略顯不安、迷惘，隨時有人從暗處覬覦窺探的氛圍。Matto用畫作為黑夜嚮導，領著讀者穿梭在霓虹閃爍的摩天大樓、好似電視劇 《 深夜食堂 》 的陋巷餐館，最後再沿著濕漉漉的街道躊躇逡巡，一頁翻過一頁，就像滿懷心事的人們將自己拋擲於城市中踽踽獨行般。

雖整體畫風顯得沉邃幽賾 、 愁緒漫瀰，但Matto筆下的夜行景物依舊帶有暖意，藉著他所察所繪，彷彿透穿人們置身大都會時偶然翻湧的落寞與脆弱。《東京夜行》不僅有考究的街景畫，還搭配日英對照介紹繪作，其中更收錄了與新海城的對談，呈現兩人觀察東京這座城市的異同觀點，以如何將它再現於作品中。

2020年 Matto 的畫冊新作，場景從東京換移至北海道，水彩滃染的紛紜氣象也轉以黑色鋼筆詮釋，但不變地，依舊是畫裡對城市觀察的敏銳和感性，以及勾摹景物的細膩風情。

圖文來源／Mateuszur Banowicz、abdz、Pen Online

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1982年生於希臘的攝影師George Natsioulis，不諱言自己鏡頭下所攫捕的極簡主義視覺場景，乃是受到抽象畫影響。其作品往往關注明暗光影、輪廓形體、色彩及平衡的交互作用，藉此演繹如詩雋永的街頭攝影。Natsioulis的目光總會凝覷著一些隱微平凡的人們，像是單獨趨行在某個街口的城市居民，他們形隻影單的動態藉由精心佈局的結構和光影，驀忽間，角色嵌入既存畫面，成為蘊蓄張力來源的元素。

15歲拿起相機，正是全球極簡主義思潮氾濫時

不過，想勾摹出孤立的人們並非易事，一幀又一幀神秘感且心緒滿懷的人像剪影，或置身濃霧裡、或受建築稜線翳蔽的黯影，偶然則交疊在疾駛列車劃過的朦朧車廂前，種種彷彿刻意安排卻渾然天成的構圖，實則仰賴攝影者渴望到底的耐心。獵狩極簡美的覬覦之情，當然，再加上一對敏銳雙眼，最終Natsioulis才能在駁雜紛紜的城市街頭，捕攝那純粹得近乎唯美的瞬間。

Natsioulis在15歲那年首度拿起相機，這個因緣際會對他日後作品產生決定性影響。事實上在20世紀末的80~90年代，極簡主義思潮襲捲了服裝、室內與平面等設計領域，Natsioulis彷彿在此美學母體滋養下誕生，不僅垂直嗣襲其審美意識，也將此風格型態銘鐫於心，最後再迸發於鏡頭。

不過Natsioulis的靈感也來自許多成長期間所觀摩的諸多攝影師，尤其在印刷圖像愈趨式微的今日，攝影者健全的創作實踐，必須奠定在強化自身之上。直到2006年轉往數位攝影範疇前，他一直是35mm焦段鏡頭的虔誠信徒。拍攝上，他會使用方形格式（square format）以及鮮明醒目的美學，而這些也讓他在網路上聲名大噪。

最少元素組成的畫面，是觀看世界的另種視角

Natsioulis接受訪問時提及，一直以來他就很欣賞街頭攝影，只是沒機會嘗試這類敘事文本。當他開始利用數位單眼相機（DSLR）投入拍攝，地景與各種藝術活動就是他喜愛的主題，輾轉幾年後，他開始朝街頭攝影為主體拍攝並嘗試在圖像裡頭加進「人」這項元素，今日他不僅熱愛這種鏡頭敘事，並總在強化自身能力。瀏覽Natsioulis作品構圖，經常是一或兩人與洗鍊的線條結合，觀者往往能直取畫面內涵而無混淆之感。

多數人都會對他如何保持作品的極簡風格，以及完美讓主體從街道上凸顯的手法感到好奇，雖然這種鮮明風格散見於Natsioulis的作品，但並非總是如此，事實上他的極簡主義創作是受到所鍾愛的簡單攝影所啟發。對他而言，街頭攝影是傳遞極簡主義概念的載具，期待它能夠激發一種情緒回應，或提供某種獨特視覺體驗，藉由其簡單性、虛空間（negative space）以及最少形狀、色彩和線條元素的組成，重新喚起人們觀看世界的方式。

圖文來源／Raw Urban Shots、The World Photography Organisation

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這篇文章 極簡主義街頭 攝影師George Natsioulis ，在都市叢林獵狩一記詩意霎那 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。