城市美學新態度

網路上總有許多專為通勤族推出的「生存法則」，教的是如何在擁擠、倉促的上下班期間，順利擠上完美演繹沙丁魚型態的列車，以及如何展現伸縮自如的技能，好避開各種車廂內討人厭的行為。

不負眾望，日本人果然是最有創意的民族之首，不以聳動的標題吸引用路人目光，而是透過藝術結合惡趣味，警世世人即便處在忙碌和混沌之際，也別忘了本身該有的禮節情操；西武鐵道推出一系列名為「電車内迷惑図絵」的浮世繪禮儀海報，不只畫風引人注目，連名字也令人印象深刻。

以下的場景，你是否也覺得萬分眼熟、似曾相識呢？

迷人的浮世繪畫風，運用得宜能使觀者感到清幽、放鬆，如同身負文明思維和罔顧他人情緒的作為，都是一種世情百態下舒適且療癒人心的效用。

浮世繪畫作不只日人喜愛，也深受外國人的關注，西武鐵道的「迷惑行為」系列海報，展現國際觀也藉此提升人民對乘車禮儀的認知，許一個你我都能方便利用但不隨意的乘車環境。

圖片來源：西武鐵道

文／Beryl

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／「再熟悉不過的通勤族日常！」西武鐵道的浮世繪海報，告訴你正確的乘車禮節

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去年的這個時候，我踏上港島展開短暫的旅行，奔馳的機場快綫，車廂外的風光如電影播格般快速運轉，即使在山多平原少的丘陵地勢，港島的摩天大樓仍一棟接著一棟的蓋，我還沒來得及數完多少層樓，另一邊因城市發展而新建的高樓，又建構起密集的天際線。

走在香港街頭，天空頓時變得狹小，我試著遙望，所見的盡是樓房、商店招牌和漫天的電線電纜，各式面孔膚色的人種在這座城市裡穿梭，成為城市多樣的意象之一；香港的歷史源遠流長，其與「文化沙漠」是兩個完全勾不著邊的關係，早期受英國殖民的「叮叮車」就是最好代表，超過百年乘載過無數港人與觀光客，這一個多世紀以來，不僅串連起都會的繁榮，更連結著世代的記憶。

那些千禧年代曾風靡一時的港產片，印象中我們又記得多少？多少年的黃金周期，時不時憶起仍是經典；對 香港插畫師Pen So 來說亦是如此，在香港土生土長的他，始終抱持著一股社會責任的使命感，自覺身為香港人，應有責任為這個「地方」做點什麼有影響的事，好讓後人記得、好讓港式年代留存。

喜歡以黑白色調作為影像處理的特色，關鍵在於心中對香港舊建物的依戀，因為抹去色彩便能反映時序感，有時情緒的鋪陳也是必然的，因此 Pen So 的作品背後都有著深遠的故事意涵，不只街景更收錄著香港許多的重要時刻，他更希望為自己的國家發聲，激起不同民族心底的共鳴與反思；而這一切，全出自他對家鄉的認同與無私。

2D 的紙面創作，卻依然能感受典型 3D 城鎮的港式魅力，向上攀升的大道至小徑，歸咎於地形而造就立體、變化多端的生活模式，這般豐富感顯影在風俗人情與文化上，都如同幻影有千百種。

Pen So 將眼裡所見和親身所感，道出睹物思情的感傷，縱使白駒蒼狗，當年的繁華如錦、盛世香江已不復返，但誰不是衷心盼著，有朝一日能撥開烏雲便見日；等到那時，原先畫裡的黑白，也會因感動而換上繽紛色彩。

圖片來源：Pen So
更多 Pen So：Facebook、Instagram

文／Beryl

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／串起新舊的畫筆，插畫中復古又繁華的港式年代

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北美館典藏研究展「秘密南方：典藏作品中的冷戰視角及全球南方」，自7月25日至10月25日於臺北市立美術館展出。

本展由北美館館長林平作為總策展人，邀請客座策展人高森信男，以其長期視覺文化研究的視角重新觀看鮮少曝光的典藏作品。以北美館為主軸，結合其他公立典藏機構的藝術收藏、歷史物證或藝術人類學檔案，回溯冷戰時期迄今的歷史，透過收藏系統書寫所映照出來的敘事，逐步交織、建構出臺灣與全球南方互動的結構，藉此討論臺灣與東南亞、拉丁美洲及非洲等地的關係，重新定義臺灣於國際政治、經濟及文化交流上的歷史藍圖。

臺灣自日治時期已融入「全球南方」的體系，作為日本的南侵基地，曾為其東南亞及南太平洋各類學科的研究重鎮；二次世界大戰後，隨著政權轉移進入國共冷戰體制的抗衡，為強化與東南亞反共國家之間的聯繫，密切與東南亞華裔進行文化交流；1960年代起國際局勢變化，因應邦交國減少帶來的困境，許多交流開始聚焦於拉丁美洲、非洲及大洋洲。時至今日，和臺灣維持正式外交關係的國家幾乎來自「全球南方」。

北美館館長林平表示：「臺灣所在的地理位置雖位於文明發展重心的北半球，卻始終被視為邊陲的南方，而臺灣此種曖昧不明的處境，亦是暗藏在本展所欲處理的議題之內。『南方』影射了某一種特定卻持續變化的想像；它不再單指地理方向或空間向度，它暗喻某種價值魅力，是主流之外的異域、等待探索與開發的地方。但這辭彙從美術館的館長視角出發，它殺出理性重圍、落點成為典藏庫房『暗處』的隱喻。它是一個策展計畫，但也同時意圖指涉政治經濟、文化社會、博物館日常的『秘密南方』。」

本展包括北美館典藏日治時期的戰爭畫：由石原紫山（Ishihara Shisan）於1943年所繪之〈達魯拉克的難民（比島作戰從軍紀念）〉，藝術家以可可樹、扶桑花等熱帶常見植物為背景描繪難民休憩的場景，畫面中表現的異國風情與戰地主題形成對比；以及台灣重要藝術家如郭雪湖、馬白水、劉其偉、席德進等人於冷戰時期爭前往東南亞的寫生作品。北美館於1985至2008年期間曾密切與拉丁美洲的邦交國進行藝術交流、1998年後透過舉辦臺北雙年展及對當代藝術的關注，或是早期偶然的接受外交捐贈等各種機緣，典藏許多足以反映當代藝術視角的「南方收藏」。此外，國立歷史博物館因長期推動國際華裔藝術家的交流，收藏東南亞國寶級藝術家的重要作品，包括菲律賓藝術家洪救國（Ang Kiukok）、新加坡藝術家鐘泗濱（Cheong Soo Pieng）、劉抗（Liu Kang）及陳文希（Chen Wen Hsi）之作，將首次於北美館呈現。

另一方面，本展希望藉由當代藝術家的詮釋，為全球南方的藝術史敘事重新建構臺灣這塊版圖，例如：梅丁衍〈哀敦砥悌〉（1996、2020），藝術家為所有與我國建交、斷交的國家製作鍍金盤或錦旗，並隨著時事持續演繹新的作品內容；許家維錄像作品〈廢墟情報局〉（2015），以泰國情報局老兵演述當地神猴哈努曼的寓言，探討國民黨遺留於泰北的情報網絡；藝術家姚瑞中及馬來西亞藝術家區秀詒（Au Sow Yee），分別從歷史事件延伸出獨特的廢墟意象或虛構時空故事，為本展發展出全新的創作計畫。此外，歷史文獻的規劃及展出亦形成閱讀本展的重要過程，藉由新加坡研究者許元豪（Koh Nguang How）、獨立策展人陳湘汶、獨立研究者黃義雄及「數位荒原」駐站暨群島資料庫計劃主持者鄭文琦，各自以檔案計畫呈現臺灣與南方交流的織度，用一種介於藝術創作及文獻探討之間的形式建構討論的空間。

本展最後以「在地南方」命題，企圖與當下的臺灣社會做緊密連結。透過馬來西亞的黃海昌（Wong Hoy Cheong）、蘇育賢及張恩滿等藝術家的作品，觀眾可一窺因文化交流、移民／移工等原因，建構出當代臺灣與東南亞的交流史，並藉此對照當代藝術空間及組織於近年來與南方國家的互動，意識到所身處的當代臺灣，如何一方面繼承了冷戰遺緒，卻又同時暗示著不一樣的未來。

圖文提供／台北市立美術館

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迄今已邁入第七屆的「桃園插畫競賽」，自2014年啟動以來，不僅躋身桃園年度藝文盛事之一，也是台灣插畫藝術家切磋觀點、頭角崢嶸的重要平台。累積多年徵件、審理與展覽的經驗後，2020年競賽擴大規模辦理，從區域走向國際募集作品，期待為台灣挹注更豐富的創作能量，帶動美學思考及產業向上提升。

插畫大獎主題「未來?未來!」，揭示後疫情時代的人類盼望

今年度鑒於新冠病毒（COVID-19）疫情蔓延全球，加上因應數位化潮流，本屆競賽採線上報名，加上首度擴大向國際徵件，讓2020年報名創下951件新高紀錄。正如2020桃園國際插畫大獎主題――「未來?未來!」，在全球經濟低靡、產業陰霾壟罩之時，「未來?未來!」也揭示人類總經由盼望未來，激勵前行，也象徵從個體、城市到國家，面對難預測的未來，應保持危機意識與更佳調適力。

本屆評審團隊邀集資深插畫創作者、繪本作家、圖像文創品牌創作及經營者、商展策展人暨博物館商店營運負責人等5位跨領域專家，從近千件作品中，擇選出24件優秀獲獎作品，包括金獎、銀獎、銅獎與桃畫獎各1名，佳作20名。競賽囊擴一線作者到新手、專家到素人，來自14個國家、近千件作品在此平台同場馳騁角逐，激盪出精彩成果。

金獎∣卓霈欣《樹冠羞避-1》

卓霈欣為道地桃園人，畢業於英國皇家藝術學院視覺傳達插畫碩士，現居德國柏林投入動畫與插畫製作。奪得本屆金獎的作品《樹冠羞避-1》，描繪樹冠羞避（Crown Shyness）的現象，亦即森林樹種共生下所產生之適應性行為，樹冠互不遮擋，形成一個溝狀開口，藉此避免相互擦傷、碰撞以及害蟲傳播。

旅居德國的卓霈欣，疫情期間外出時光驟減，能感受鮮明季節嬗遞之處，正是窗前的樹由裸露枝枒、抽嫩葉，再到一樹華茂的生長循環。觀樹的心緒，以及疫情期保持安全距離的規範，使她憶起「樹冠羞避」的特性，便據此繪製了3頁短篇漫畫，藉以抒發保持距離的「新常態」，其實是自然界定律，所以萬物才得以繁榮共存。評審團認為，此作運用分鏡描寫，展現用圖像說故事的能力，整體性強且畫風獨特。

銀獎∣林佳蓉《陪你悲傷》

林佳蓉現居新北市，輔仁大學應用美術系畢業。她臆度著未來有著不可預測性，並認為悲傷不再像過往能輕易釋放，或許因為成長、或許因人心疏離，但創作將一直陪伴她度過快樂和悲傷，並期待自己的作品能成為一種陪伴、為更多人解愁。

她獲得銀獎的作品，描繪一位蹲坐在發光植物叢的女子，她的悲傷情緒把周遭染成了憂鬱的藍，畫中右下方儼如小房子的冰塊，無法體會女子惆悵，僅是咀嚼著自己能懂得事情。但上方一個接近的圓形物體則彷彿從遠而來的救贖，因感受悲傷而緩緩趨近，並準備把悲傷情緒以及眼淚裝起來帶走，圓形飛行物跟悲傷的女子說：「哭吧！沒有關係，我們一起。」

評審團認為此作契合整體時代狀態，堆疊的色調柔和靜謐卻佈滿悲傷，簡單的眼口筆劃呈現主角間的關係與情緒，表達雖然含蓄，但情感層次卻十分豐富。

銅獎∣季榆汝《星星牌-披星戴月 艱難時刻》

季榆汝現居高雄市。英國伯恩茅斯藝術大學插畫碩士。擅長描繪充滿虛幻的圖像並使用網點和砂礫質感來增加圖面的深度，作品常見奇幻、童趣和宗教式的中心思想。她的銅獎作品以塔羅牌為靈感，星星牌象徵遠景光明，即便黑夜星光依舊閃耀，傳達人們在艱難時刻仍需保持信心。

創作敘事描繪著全球犧牲奉獻的醫療人員，他們手持COVID-19疫苗，是讓世界變美好的解藥；至於人物背後的流星拖曳軌跡，象徵艱難時刻即將遠颺而逝，也向疫情期間如星殞落的醫療人員致敬。評審團認為此作在色塊和畫面比例的呈現，主角姿態將主題帶出一種革命性的奮鬥感，讓人對這件作品很有正向的鼓勵性精神，而洋溢希望之感，正是它最飽滿的特質。

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1998年法國亞維儂藝術節開幕演出，來自台灣的優人神鼓以《聽海之心》站上了這個在表演藝術界舉足輕重的國際舞台，震撼的鼓聲在古城石壁間迴盪，久久不散。那一年，《聽海之心》被評為亞維儂藝術節最佳節目，「從阿爾卑斯山上下來的山神」，是法國《世界日報》對優人的讚譽。

震撼阿爾卑斯山腳的優人神鼓，是劉若瑀1988年從美國回台之後創設的，她把父親預備作為家族墓園的木柵老泉里山頭當作訓練基地，劇團歷經幾度蛻變，在融合擊鼓、靜坐與武術的一系列創作中，開創出台灣劇場演出的新風貌。

踩進土地深處才能激發創作底蘊

才華洋溢的劉若瑀成名極早，1980年初台灣第一個實驗劇場「蘭陵劇坊」成立，劉若瑀擔綱主演的《荷珠新配》為戲劇史寫下重要的篇章，編導金士傑和參與演出的劉若瑀、李國修、李天柱、鄧安寧、馬汀尼等人，日後都成了引領台灣表演藝術的重要推手。

之後劉若瑀開始活躍於螢光幕，曾以中視《小小臉譜》獲金鐘獎兒童節目主持人獎，然而，1982年，不滿30歲的她，毫無猶豫地放下一切，遠渡重洋到紐約大學深造，並進一步通過遴選加入波蘭劇場大師葛羅托斯基（Jerzy Grotowski）門下，跟著大師展開為期一年的苦修，體驗行走、跑步、爬樹、熬夜行軍，徹底翻轉過往的訓練、開啟一段截然不同的表演之路。

原始而粗礪的訓練，讓城市長大的劉若瑀，開始慢慢發掘、體會到自己內在的力量。1988年她回到台灣，開始有意識地往土地深處踩去，創立了「優劇場」、開啟為期五年的「溯計畫」，走訪全台、親身了解台灣的民俗、傳統與文化，結合葛羅托斯基的身體訓練，發展出當代肢體訓練法，為往後的創作，墊下穩定厚實的根基。

1993年黃誌群（阿襌師父）帶著獅鼓加入，更進一步將打鼓、打拳、打坐融入劇團訓練，「優劇場」也正式更名為「優人神鼓」。多年來，他與劉若瑀一直是劇團的靈魂人物。對內撐起行政、排練與導演的工作；對外更扛起劇團的海內外交流。對團員而言，她是個嚴厲、有原則與有夢想的團長；對外，她恬淡自適地將台灣的文化底蘊化為舞台上的表演和鼓聲，馬不停蹄地在國內外舞台上密集巡演，長達20年不曾停下腳步。在她的經營與深化下，優人神鼓彷彿成為台灣文化外交的代名詞，深植國際觀眾的心裡；聽到鼓聲，就彷彿看到台灣。

老天出聲：「該回家了。」

2019年8月13日早上，一場大火燒掉老泉山上的劇場。劉若瑀趕到時，與優人神鼓一起成長30年的舞台、鼓具已化為灰燼。當下的她沒有掉淚，甚至沒有太多悲傷，只是一愣：「老天爺要告訴我們什麼？」她想。

發生火災之際，優人正奔波於世界各地巡演，常常一走就是兩三個月，老泉山像是旅館，在他們短暫歇息排練之後，復又目送他們趕赴下一站。一場大火，將山上所有人工施加的東西燒成灰燼，萬幸的是周圍的山林安然無恙，她記起30多年前第一次看到這塊地，「原來老天爺是在提醒我們：『該回家了！』」此時的她，笑得釋然。

事發後，劉若瑀當機立斷取消海外邀演，決心帶著團員把劇場蓋回來，重建優人與山林的關係。「這批團員雖然年資都不短，但進團後多忙於出國表演，一直沒有機會好好與老泉山相處。」共建計畫展開之後，她開始找老師來上課，一起學習用樸門永續設計進行生態重建。團員們放下鼓棒，扛起竹子蓋竹棚、搬石頭、枕木鋪路、搭起爐灶煮飯共食，勞動的過程篳路藍縷，卻一步步將團員拉近土地、拉回山上。劉若瑀也終於有時間和機會，好好認識他們舞台下的另一面。

找到內在的「祭天」

老泉山位於台北市邊陲木柵的山區，沿著山路往上，一路可遠眺整個台北市景。抵達優人的山上劇場，車子禁止入山，每一位訪客觀眾，都必須走上一段15分鐘的山路才能抵達劇場。不刻意整理的陡坡，鋪蔓著天然碎石與泥土，必須專注地好好踩住每一步。這段路稱之為「優人之路」，優人希望行進中大家都能禁語，好好與山對話。

按部就班的重建工作進行得雖順利，但劉若瑀也慌過，隨著COVID-19疫情蔓延全球、各國表演藝術產業首當其衝的停演、歇業，重啟遙遙無期，「表演藝術是我一輩子賴以為生的夢想，沒想到竟然成了災難中人類最不需要的事情。」

儘管如此，劉若瑀從未想過放棄，忙於重建的同時，她仍孜孜不倦地埋首創作。早期優劇場深入民間廟會，了解傳統祭典，這些探索成為後來優人很重要的養份，「表演者的老祖宗是『巫／覡』，幫助地方人士與神明溝通。」前段時間，劉若瑀拜訪九份供奉神農大帝的寺廟時，體悟到人類遭逢難關時，總會更積極祈求神明保佑，因此，她決定選在今年的8月13日，祝融造訪老泉山一週年的這天推出新作《祭天》，為劇團這些年對老泉山的疏忽，正式祈求老天的原諒。

過去習慣在作品中探索道與藝，強調禪修與當下狀態的劉若瑀，在創作《祭天》時卻刻意跟團員「交心」。她問大家：「有沒有曾經在某一個時刻，特別希望老天幫你一個忙？」沒想到意外挖出了每個團員的生命故事，「聽得我淚流滿面，彷彿第一天認識他們。」而她恬淡自適的笑容裏，卻難得露出一絲如母親的哀慮。

然而新作《祭天》卻不是挖掘或治癒生命瘡疤這麼簡單，祝融之災和看不到盡頭的疫情，讓劉若瑀反思，地球固然要靠人去改變，但人身上的問題沒有解決，就無法改變天地，「我們要先找到內在的祭天，才能改變世界。」此刻的劉若瑀，笑容裡多了份安定與確定。

過去的優人神鼓自帶仙氣，在雲霧中打鼓、探索虛無縹緲的解答。新作《祭天》較往年的作品很不一樣，冥冥中一場火，燒掉優人的居所，也燒掉劉若瑀承擔30年的包袱。然而汗水、石礫與與泥土是如此真實，勞動過的手，拿起鼓棒也將和以往有所不同。若以十年為單位，優人神鼓的下一個十年，定然翻開叫人期待的新篇章。

圖片提供／優人神鼓
文／Stella Tsai
文章來源／臺北文創 
本文經《臺北文創—名家觀點》授權刊登

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美國漫畫家比爾•基恩（Bil Keane）曾言：「昨天已為歷史，明日依舊未知，今天則是一份恩賜。這就是我們為什麼稱之它為現在╱禮物（present）。」能把握的今日，就是予人最好的禮物，而這份禮物來自於過去的積累，現在的選擇也將影響未來的發展。

2020桃園國際插畫大展 ，呈現跨領域創作能量

奠基於立足當下、瞻望未來的理念， 2020桃園國際插畫大展 以「未來？未來!」為題，邀請來自8個國家共37位創作者共同參與，其中包含日本、烏克蘭、越南、馬來西亞、西班牙、瑞典、台灣及澳洲等國，創作領域涵蓋插畫、動態圖像設計、飾品以及當代藝術創作等多元領域。本展以四大主題串起敘事軸線，包括「復古即創新」、「我畫故我在」、「畫外之音」，及 2020桃園國際插畫大獎 競賽得獎區「未來？未來!」。

展覽將於2020年8月13日至9月6日於桃園展演中心一樓展出，期間並有座談會以及插畫、手工藝等工作坊活動，場次與報名人數有限，欲者從速以免向隅。

展區1「復古即創新」

透過作品帶領觀者回到過去，拉開了時間及空間的維度，從歷史脈絡和不同國家、族群的特殊文化與生活型態，觀察插畫家們如何站在時空巨人的肩膀上，去尋求自我認同，並從中獲取源源不斷的創作養份。

展區2「我畫故我在」

插畫家以畫筆描繪社會的各種現象，記錄著人們當時的價值觀和生活畫面。關於悲傷、寂寞、孤單，這些情緒藉由作品被記錄下來，並希冀透過插畫創作，帶來正向的情緒影響力、創造新社會價值，並展出插畫家們對於2020年疫情現象的全新感知創作。

展區3「畫外之音」

展出義大利及臺灣的插畫創作案例來說明，在當今講求環保與綠時尚的時代，插畫家們如何透過創作內涵呼應、透過不同以往的循環媒材為地球盡一份心力，共同譜出屬於人、自然及土地的和諧三重奏，延續對於未來的展望。

展區4「未來?未來!」

本區展出「2020桃園國際插畫大獎」的24件精彩獲獎作品。不僅可見活躍於第一線的著名插畫家作品，還有許多年輕新秀與學生的初啼之作。他們向世人分享在面對不可預測之將來的心情狀態與應對方式，提供給觀者抒發情緒的宣洩管道，去想像和影響可期待的未來。

展覽資訊

展覽名稱：未來? 未來! 2020桃園國際插畫大展

展覽日期：109/08/13(四)-109/09/06(日) 週二至週日09:00-17:00週一及國定假日休館

展覽地點：桃園展演中心一樓展場 (桃園市桃園區中正路1188號)

指導單位：桃園市政府、桃園市議會

主辦單位：桃園市政府文化局、桃園市政府藝文設施管理中心

執行單位：瘋設計

推廣活動

名額有限，額滿為止。報名資訊請至桃園插畫大展臉書查詢(臉書qrcode)

假日定時導覽資訊：無需事先報名，現場參與即可。

時間：8/15(六)、8/16(日)、8/22(六)、8/23(日)、8/29(六)、8/30(日)、9/5(六)、9/6(日) 【場次一】11:00-11:30【場次二】16:00-16:30

人數：每場次30位

團體預約導覽資訊：參訪前7天接受電話免費申請，聯絡人 0971-531-073毛小姐

時間： 8/14(五)-9/4(五)期間 週二至週五10:00-16:00，每場約60分鐘

人數：每場次25位

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當在朋友IG上見到了有西瓜汁、芒果剉冰入鏡的海景照片時，總讓人不由笑著，夏天就該與海啊冰啊為伍才是。然而並不是每個人都外出的，也有人還在COVID-19的疫情籠罩中無法放心出遊，不過，夏天還是存在於英國插畫師Zena Kay的靜物畫裡頭。

對Zena而言，美食一直是她作品靈感的來源。滿滿鮮橙汁裝盛在帶鄉村風的米白牛奶壺裡；黃檸檬片鋪底的烤魚綴有翠綠香料，放上了湖綠盤子；點綴新鮮檸檬片的紅色大龍蝦擺在小藍花白盤上；還有一袋橙果在旁；鮮採多色蔬果擺在顏色粉嫩清爽的條紋餐桌布上……夏季水果、新鮮食材，與明亮桌布背景的搭配，讓每一張都顯得開胃。

藝術家對食物的情有獨鍾，顯示在她使用、調度了所有能彰顯該項目的方法──烹煮、閱讀、書寫、繪畫，她感受到這是天賦的禮物，為此她還想到餐飲業工作，還好（對讀者而言），她最終選擇了插畫，以無遠弗屆的形式傳遞食物的美好。

Zena的食物插圖色彩鮮艷，細節豐富，並且結合了複雜的製作步驟及天真的視角，讓靜物畫顯得輕盈活力，不承載過多寓意。她認為，「烹飪書如果插圖畫得好，能激發讀者的創造力，最終讓人聚在一起，去實際品嚐那些原先是插圖的東西。」

為此，她運用各種顏色──「我真的不能理解為什麼不用所有顏色！人生需要一點色彩，有時候我們都太認真了。」她也讓自己的作品在數位技術與手繪中自由來去──「我盡量不給自己太多壓力，因為我知道我某天可能會用ipad，隔天會換成油彩、粉筆或墨水。」做為食物的信徒，她不把自己局限在某種風格定調中，不做風格的奴隸，以免扼殺了自由嘗試及享受自己作品的可能。

對插畫家而言，在創作過程中得到快樂是創造力的基礎。為了保持熱誠，她與夥伴合作，在隔離期間互畫了對方的房子，並創了個IG帳號stillherestilllife，鼓勵人們畫靜物──純為娛樂而畫。截至文章撰寫時，該帳號吸引了逾五萬的人關注，並讓插畫家、攝影師及更多創意結合在一起。或許這個不設限平台，也會和Zena的插畫一樣，在自由中往更豐厚的路上前進。

文字參考／It’s Nice That

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這篇文章 來道檸檬烤魚！英國插畫家Zena Kay筆下明亮繽紛的夏日靜物畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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每日生活在灰暗方正的都市叢林裡，觸目所及都是科技和文明的人為斧鑿刻痕，久而久之是否令你懷念起嬌豔翠綠的大自然呢？美國舊金山的藝術家Mona Caron在聖荷西麥克納里會議中心（SanJoséMcEnery Convention Center）大樓的牆壁上快意揮灑，畫出了一朵恣意盛放的大型花朵壁畫，名為「Limonium」。

這個作品是由聖荷西市文化事務辦公室公共藝術計劃（City of San Jose Office of Cultural Affairs Public Art Program）委託，SJ會議中心SanJosé團隊協助設置。
Limonium精緻的粉紅色和綠色花瓣橫跨四個平面，散佈在大樓的六面外牆上，從花朵的中心往各個角度綿延探出，立體感十足的花瓣彷彿獨立於牆外隨風舞動，令人想要上前尋訪它的陰影、嗅聞它的清香。

這幅作品中其實有共用同樣花莖的兩株植物，花朵的主體面向會議中心的入口，左側車庫的入口裡面有另外一株帶有枝枒的花。「同樣地，我仔細地繪製了最右邊的花莖和花瓣，使人們從街道和上層陽台觀看它們時，看起來都是連續的。」Mona Caron如此說道。

為了讓畫作與建築物更加融合，Mona Caron只使用大地色調及礦物顏料，盡量維持淺淡的色澤。融入建物的花朵展現它柔媚多嬌的身姿，抹去大樓原本剛直的線條感，幻化為富有生機的植物。它們在由混凝土和瀝青構成的牆壁上狂野而自然地生長，無聲但昂然地提醒我們：生命就應該如此無拘無束的飛揚。

圖文來源／boredpanda、colossal

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這篇文章 生命就應該如此自由飛揚──水泥叢林裡盛開的花朵壁畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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在此世事詭譎難測、人心渙漓不安的年代，人們渴望療癒、需要療癒，而 插畫家Evan M. Cohen 的作品，擁有一股平撫潛意識傷口的力量，他把讀者攬進和諧寧謐的畫作，讓心能歇放在某種宗教儀式的神祕學氛圍，一張圖、兩張圖、三張圖….儼如深呼吸般，隨著他漫畫式插圖的敘事徐緩推進，焦躁與衝突感逐一呼吐而出，驀忽間，很多不解之難也就釋然了。

插畫家Evan M. Cohen ：流露靈性和宇宙意識

Evan M. Cohen筆下多見線條感圓潤娉婷的人物，他們置身在前、中、後自然事物所層疊出的景深畫面中，動作或默禱、或冥想，再搭配宇宙意象和個人能量般的幾何圖騰，種種元素，似乎都在勾勒一種向天祈禳以降福於地的意念，不論是尋求滋養抑或癒傷。經由創作，似乎窺見他試圖歸返與大地共生共榮的狀態，近似天人合一美學意識 。

Cohen在13歲那年學會了Photoshop，進入紐約斯基德莫爾學院（Skidmore College）研讀藝術時，他主修木頭浮雕、石版印刷、凹版、絹版印刷等各類手繪版畫技巧，也逐漸強化自身的視覺美學底蘊，但汲引深厚藝術傳統之餘，他也透過自學並參與漫畫嘉年華，砥礪自己將數位繪圖工具摸索至熟練，而這些素養，讓他最終得以成為平面設計師與插畫家。

對此他不諱言談到，「在這個時代如果你不擅長數位工具，其實很難靠藝術這件事謀生。」如此保持警惕的態度，加上一張桌子、一台電腦與平板，Cohen便這麼從零開始闖蕩他的藝界人生。

以紐約為藝術創作基地的Cohen接受訪問時談到，「我是那種隨身攜帶畫筆和素描簿的人。舊素描簿記錄了我身在何處，以及那個當下我在想些甚麼。」或許，正因這種隨時捕捉細微心緒的創作型態，讓他足以詮釋靈性之美和超自然韻味主題的箇中原因。

圖文來源／Chronogram、Booooooom

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黑貓在傳統上向來毀譽參半，以台灣來說，黑貓陰鬱外貌常象徵晦氣和不吉利，但在埃及為職司死亡之神，為了讓黑貓更為世人所愛，馬來西亞 插畫家Kamwei Fong 以簡雅筆觸賦予黑貓詼諧、頑皮和蓬鬆圓潤的形象，冀盼這些黑魆魆的動物能一去汙名。

用黑色墨水創作的他施以細短線條，絲絲縷縷地於紙張上加疊描繪，然後再運用密度變化勾摹出墨色濃淡或形成輪廓，尤其纖若毫毛的墨線，更能真實呈現動物毛茸茸的質地和紋理。儘管每隻貓兒有短腳肥軀的一統風格，但外觀、姿態與性格都有著細膩變化，有些蓬鬆豐潤成一個球狀，有的則好奇、困惑甚至警備地望著身後拖曳的長尾巴

自2010年起，Fong便以Bo & Friends的化名展開插畫家職業生涯，除了黑貓這等毛茸茸的小東西，當他投入線條式的黑白墨水繪畫時，他也經常幻想一些迷人的猴子、金魚、小狗等動物。他在線上商城Etsy販售自己的簽名印刷插畫，也和巴黎 Galerie Club Sensible藝廊合作。

在他最新的作品哩，早先常以獨立姿態成畫的黑貓角色，現在則以一種龐大集群的型態出現，並藉此陳述著他心知所嚮的「貓茸茸烏托邦」，畫紙中的貓世界亦如人間，存在各種情緒與生理狀態，諸如發獃、慵懶、酣睡、冥想、瞋怒等等，但不變的，依舊是那厚實濃盛的皮毛與圓鼓鼓體態。

在新創作中，黑貓甚至也擬物化，有時是一座靜巉巉的山丘，彷彿貓族神祇般，護佑著棲住此山的子民，有時也成懸掛天空的日月，成了別有意境自然景觀和現象。

多年來Fong對這類縝緻的工筆畫保持孜孜不倦及祈禱般的信念，儘管處理每隻動物以達適切墨線密度的細節常要耗去他逾一個月時間，但此類「長時間努力並消耗上噸微型沾水筆的過程」，能讓他踏實地沉浸在所繪之物從雛型到輪廓，最後完成一幀畫的建構感，對Fong而言這是一種療癒且喜悅滿溢的歷程。

圖文來源／Colossal

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原應在今年夏天盛大展開的比利時布魯塞爾花毯節，因為新冠肺炎疫情肆虐而必須延期舉行。雖然今夏無緣一睹花毯節的艷麗風采，但幸好柏林縮時攝影師 Joerg Daiber 製作了上一屆2018年的花毯節縮時影片，畫面中如錦緞斑斕多彩、細密繁複的圖樣，以及圍繞著花毯的熙攘人潮，彷彿都讓我們置身當年的盛會，聽見鼎沸的人聲，嗅得百花的芬芳。

一群志工小心翼翼的將幾千朵秋海棠設置在廣場上，耗費許久的時間，最終拼湊出一條鮮妍壯麗的花毯──這就是著名的比利時布魯塞爾花毯節。

比利時布魯塞爾大廣場是舉世聞名的聯合國教科文組織世界遺產之一，自1971年開始，每兩年舉辦一次花毯節。花毯的製造過程是由設計師和園藝家同心協力選擇主題後，先在廣場上放置巨大的防水布，再依造設計圖仔細填上草皮以及花毯節的主角──數千多朵秋海棠。比利時每年生產3500萬種不同顏色和形狀的秋海棠，若要問哪種花最能夠代表比利時在花毯節爭妍競放，秋海棠絕對是再適合不過的選擇。

每幅花毯只會展出四天，然而柏林的縮時攝影師Joerg Daiber留下了它們永恆的美貌模樣。他製作了一部令人驚豔的縮時影片，內容是2018花毯節從設置到完工的過程。Daiber從布魯塞爾大廣場周圍幾棟建築物的頂樓拍攝，在鮮豔的色彩、高解析度和移軸攝影效果等等技術襯托之下，布魯塞爾大廣場的絢麗花毯無疑是其中最雍容華美的主角。影片詳實記錄了花毯製作經過，忙碌的志工像小螞蟻一樣匆匆來去，四周的古蹟好似一幢幢的玩具娃娃屋。這些迷人的微小風景也出現在Daiber拍攝的其他影片中，內容遍及了世界各地的美麗景點，都發佈在他的頻道Little Big World。

雖然今年的花毯節因為新冠肺炎疫情不得不延期，但 Daiber 的影片讓我們能夠持續回味2018年花毯節的美麗倩影。2018年的主題是墨西哥的文化重鎮瓜那華托市（Guanajuato）。

圖文來源／MY MODERN MET

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瑰麗絢爛、生機蓬勃的澳洲大堡礁是舉世聞名的觀光景點，在你今生必訪的旅遊清單中是否也有它的一席之地呢？為了永續留存這美麗而夢幻的水底世界，藝術家Jason deCaires Taylor與海底博物館（MOUA）合作，藉科學之力鍛造出有溫度的裝置藝術。目前已完成的兩項作品分別是位於湯斯維爾（Townsville）沿海的發光雕塑「海洋警報」（Ocean Siren）以及水面下的大型藝術品「珊瑚溫室」（Coral Greenhouse）。

海洋警報（Ocean Siren）是一個鶴立於海中的發光雕塑，由202個LED燈組成，其採用戴維斯氣象站（davies reef weather station）提供的海水水溫數據並轉化為顏色，從深藍、淺藍、黃、橙、紅，依序反映逐漸升高的海水溫度。在最高溫時那通體泛著詭譎紅光的人形刺痛著觀者的眼眸，恍若是水底珊瑚無聲承受的巨大痛楚一次迸發了出來。

珊瑚溫室（Coral Greenhouse）則提供珊瑚和其他海洋生物一個友善空間，由適合珊瑚生長的耐腐蝕不銹鋼，以及酸鹼值為中性的水泥製成。其長達12公尺的骨骼結構能散去強勁的海流，底部的空間供給不同大小的物種各自棲息，上層結構會流過帶有大量營養物質的水流，很快地建立起一個健康安樂的珊瑚礁生態系。

在海底博物館的規畫藍圖裡，Taylor認為使當地住民參與作品是至關重要的一環，例如海洋警報（Ocean Siren）即是以當地的十二歲原住民少女為原形製成。他特別期盼能牽起孩童與珊瑚礁之間深切的歸屬感及責任心，進而珍惜守護這片家園；珊瑚溫室（Coral Greenhouse）則是試圖吸引更多遊客潛泳而來，以有趣而動態的方式探訪藝術品與海洋生物，最終興起保護珊瑚的使命感。

在美麗多彩的大堡礁工作是Taylor一直以來的願望，雖然申請許可證的過程曠日廢時、載運數百噸重的藝術品熬心費力、新冠肺炎疫情猛烈爆發，不得不延後博物館開放時間……凡此種種都是險阻的關隘，但Taylor仍克服萬難，正是希望有更多遊客前往大堡礁拜訪隱沒在陣陣波濤之下的海底博物館，置身其中感受璀璨喧鬧的生命力，在這絕世美景之下沉醉拜服，喚醒內心與自然相依相惜的深切渴望。

圖文來源：MY MODERN MET、designboom、Jason deCaires Taylor

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Eidtor’s Note
羅馬尼亞攝影師 Alex Galmeanu拍攝的建物及風景，不僅結構整齊一致，顏色也和諧，如此療癒的畫面，讓人不由好奇，是事物自己乖乖排排站好，還是他的相機讓框內景色聽令列隊？

如果有一張「強迫症」檢視表，我應該是直接拿滿分。新書不能有摺痕、指甲油要順著同方向塗抹、架上的書籍必須按照大小高度排列、櫥內的衣服比對顏色深淺後一一掛放，我將整理物件視為整頓心情的一種方式，只要眼前看得舒適順心，也能讓翻亂的想法，好好喘一口氣。

但有時也會暫且放下整理術，停下手邊的任何動作，躲到網路世界，翻找光是欣賞就會「很療癒」的攝影作品，像是羅馬尼亞攝影師 Alex Galmeanu 一系列堪稱能治癒強迫症的照片，他將完美主義發揮完全，他的作品不僅整齊、對稱，彷彿所有人事物冥冥之中，都聽從他的指令乖乖歸位。

「一致性」是最快讓人感到心情舒暢的方式，運用在生活中，或多或少得已清除雜緒和解開纏亂的內心毛球；Alex Galmeanu 拍攝的建物和風景，不僅是構圖整齊劃一，就連顏色的安排也恰到好處，相中的井然有序順勢撫慰了心思。

Alex Galmeanu 的作品不僅能紓壓情緒，我們也從中看見不同城市的發展和風俗文化，一個個風格迥異的建築，體現了當地人民的性格與生活習慣，萬物造化有著偌大的相連性，每每欣賞 Alex Galmeanu 的相片，都像新生、再一次重新感知。

圖片來源： Alex Galmeanu
更多 Alex Galmeanu：Facebook、Instagram

文／Beryl

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／完美主義下生成的特殊技能：讓人事物乖乖歸位，井然有序的整齊排列！

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說到日本的美麗風景，你會想到春日漫天飛舞的櫻花、深秋緋紅如火的楓葉，或是寒冬時期闃寂銀白的霜雪呢？當然上述所言都是日本廣為人知的美景，不過日本著名的攝影師和CG藝術家Yutaka Kagaya（又名KAGAYA）最近捕捉到了專屬於夏季的美麗畫面──日本姬螢火蟲在夜間繡球花的周圍翩翩起舞、螢光點點遍野漫散的夢幻場景。

從6月開始，姬螢火蟲便以令人歎為觀止的模樣照亮森林，使得暗夜中的森林看起來就像星光熠熠的夜空。姬螢火蟲發光的方式跟其他螢火蟲不同，牠的閃爍間隔特別短暫，相較於拍攝其他螢火蟲飛舞時呈現的帶狀線條，姬螢火蟲在照片中是一點一點的小小光點，襯著黑夜的深黑絨幕，就像一個浪漫綺麗的童話世界。

螢火蟲漫天閃爍飛舞的模樣，對我們而言或許只是又一場自然界賞賜與人類的眼目盛宴，然而對螢火蟲而言，在熾熱的夏日拚了命的綻放自己的點點光彩，可是有其重要的生物學意義。螢火蟲閃爍的光芒是一種求偶的信號，就像每個物種都有自己獨特的求偶方式，螢火蟲藉著黑夜中浪漫的螢光來尋找命定伴侶繁衍後代。可惜的是由於環境汙染，姬螢火蟲的數量正在逐漸減少，因此KAGAYA能夠捕捉到森林中大量螢火蟲共同閃耀的畫面，實在是非常幸運的神奇經驗。

圖文來源：MY MODERN MET

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藝術家Toni Hamel 於1961年出生於義大利，目前定居加拿大多倫多的市郊奧沙華，並據此為創作基地。觀看其作品霎那，會誤從超現實主義（(Surrealism）風格潛入，隨探翫畫中細節漸深，不難辨識主題針對了當代社會文化現象、環境與價值觀，有著或輕或重的譏諷甚至詰難。

危險的文明，闡述人類脆弱性的繪畫

言及自身創作概念，Hamel以「闡述人類脆弱性的繪畫」加以評註，她處理普世利益的議題時，習慣從歷史與心理學論述找到批判著力點，作品敘事挑起人類行為的諸種質疑，且針對當代文明思維向度下的負面影響保持戒慎恐懼。

Hamel的作品經常帶有故事性，日常裡的個人經驗到外部觀察，皆是她藝術實踐的發軔之始，她從中擷取靈感，再摹繪出那些足以反射、闡述這個時代心理脆弱特質的主題作品，舉凡善與惡、神聖與褻瀆、好與壞皆等量齊觀，不刻意褒貶或陟罰臧否，而是放在畫中成為當代生活的映射。

也歸功於如此宏觀的議題，讓Hamel有著永不罄盡藝術材料來源。延續著前述的概念架構，她以遊走在傳統與非傳統材料的表現形式下，將創作觸角探進了繪畫、雕塑以及藝術裝置等領域。

畫裡解嘲：對自然的掠奪、價值觀的箝制

Hamel自2017年起即展開「滿潮與微罪」（High Tides and Misdemeanors）的主題創作，該系列可視為2015至2016年間「本我之地」（The Land of Id）的嗣承與延續。「滿潮與微罪」的創作中，切出了一種人類與自然環境間的特殊觀點，但同此之際，亦探索文化和人類中心時代下的典型社會現象。

「本我之地」（The Land of Id）則揭櫫了一種人類對自然生態的擄掠豪奪。在弗洛伊德精神分析理論中，本我（Id）屬心理動力學中的人格或精神三大組成之一，是人類原始衝動與內驅力。它自我中心、渴望立即滿足個人需求和慾望，毫不瞻前顧後，未衡量任何可能性厚過與負面影響。對Hamel而言，心理動力學範疇所指涉的本我，徹底吻合當前人類對環境的態度。

「本我之地」繪作呈現一個顛倒錯亂的世界，裡頭壟罩了狂躁與混亂，Hamel藉此系列針對人類行為做持續性論述，也觀照吾輩與自然生態的關係，兩種敘事軸線俱並詮釋出趣味觀點。它一方面使人類反躬自省，若與自然的關係持續惡化，將招致險釁與難預期的災難性後果，但也提供思考啟蒙。「本我之地」最主要地，依舊是提醒人類剝削性的行為將招致危險後果。

至於她2011至2014年的稍早作品「陰霾不散」（The lingering），則深刻銘鐫著一種象徵意義與強烈的自傳性質。該創作描述肇起文化上施加於人的期望與限制帶來的有害心理影響，無論是刻意或無心，這些影響皆使女性對自身形象、自我接受與認同受到了霑染。

Hamel畢業於義大利萊切美術學院（Accademia Belle Arti di Lecce），並取得加拿大雪爾頓學院（Sheridan College）電腦繪圖深造證書。她也曾榮膺多個重要獎項，其中包括多倫多大學的金鑰匙國家榮譽學會獎（Golden Key National Honor Society Award），以及米蘭魯彼昂姆獎（Lubiam Prize）。

圖文來源／Toni Hamel

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COVID-19疫情至今，你多久沒與親友有個親密的擁抱？相較於東方人，西方人在身體上接觸更為密切，見面擁抱、親臉頰，都是家常便飯的事，然而在防疫期間，別說身體碰觸了，隨處都在警告著，人們要保持社交距離。

1990年出生於「小巴黎」德國萊比錫的藝術家Käthe Butcher原本以為，她不是個容易受到驚嚇或偏執的人，然而在今年三月，她感到十分恐慌，寂寞也如浪潮襲來，讓她離開倫敦，回到家人身邊。「這完全是個對的決定。」她這麼告訴藝術人文網站Colossal。

而這對情感聯繫的渴望，最終呈現在Butcher的新作《花園裡的擁抱》（A Hug In The Garden）──兩個女人緊緊擁抱，好似要將身體埋入另一個人裡頭那樣的滿溢著依戀。背景裡一片素淨，主題裡的「花園」，呈顯在兩人身上穿著的花葉衣衫，女子身上的花園各自蔓生，有些更超現實地掙出布料，好似向外長就能有陽光暖照。

熱情橘色的柔弱花朵，以及輕盈飄飛的蒲公英，也宛如女子展現的情感──既優雅、纖細、柔美，又乘載著兩人之間的親密感、滿溢的情緒與從裡而生的如草韌性。而這些特性，能追溯到著重工藝裝飾性的新藝術運動和以人體表現強烈情慾的席勒。

從〈花園裡的擁抱〉可見到Butcher的過往。內向的Butcher從小即喜愛看各種漫畫與書籍，並且沉浸在對線條的熱愛裡，以漫畫風格繪畫說故事，並讓情感思緒漂流在繪畫的世界。

最終藝術家風格定了型：以精緻的鉛筆線條與黑色區域，畫出敏感又堅強的女孩，也捕捉女性的性、親密感與女性特質。「當人們看著我的作品時，我希望能讓他們反思自己的情感、過去的時光或對未來的渴望。」Käthe說。

圖文來源／COLOSSAL、Kathe Butcher

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出生於1984年的洛杉磯 畫家Alec Egan ，有種賦予平凡場景奧賾深韻的能力，透過他厚塗顏料繪法以及穠豔得近乎縟雜的用色裡，那種毫不含蓄扭捏而近似野獸派（Les Fauves）的色彩駕馭，讓生活中枯澀甚至庸俗的室內場景，頓生亮麗氣象。

平凡與混亂之中，賦予物件自顯性與張力

不過Egan畫中歷歷在目的物品和空間，其實建立於憑空臆造的記憶，他看似耽溺在往事溫香，實則為一種戲耍，但Egan顯然熱衷攪和在這股懷舊氛圍中：鄉村風格的碎花沙發，百花爭妍的窗簾、壁紙與地毯……這些緊湊圖騰毫無喘息地加疊在一塊，但爆炸性色彩卻顯出一種趣味平衡效果，它們相互干擾與烘襯，卻不至於吞噬彼此。

Egan的風格，一如舉行其創作個展「亞力克・埃根：八月」（Alec Egan: August）的藝廊Anat Ebgi所描述的，「在Alec Egan一團混亂的作品中，其實存在清晰時刻，他會彰顯和詮釋特定物體，並讓它反覆呈現在不同畫作上，這種重複性讓物件得到自顯性與強度，儘管物件本身平凡無奇。就像一雙襪子、窗台上的盆栽，似乎都能萃取出某種沉鬱厚重的意義。」

自2017年起，Egan的藝術實踐即致力於油畫創作，主題則在勾勒某幢想像房子的室內場景。多時候Egan的展覽會圍繞著一幀關鍵的油畫（通常有著優勢尺度），裡頭摹繪著諸如浴室、客廳、臥室之類的房間，內部闐溢各種居家細節，接著這幅概觀某個空間的主畫將成為整個系列的概念性原料，接著Egan將擷取其中某個部份發展成單獨作品。

該主題創作依舊持續，但新型冠狀病毒（COVID-19）肆虐高峰時的居家隔離期，Egan決定為他的家庭場域繪畫另闢蹊徑。

不存在之屋，向20世紀藝術巨擘致敬

2020年7月11至9月5日展出的「亞力克・埃根：八月」，囊括了Egan上半年創作的14幅畫作，8月暗示著最燠熱的季節，萬事萬物似乎都有易燃的危險，在接近夏末的三伏天，這個系列指涉著迎接新季節來臨前的某種結尾和歸納。

展覽主畫為《更衣室》（Changing Room），Egan採用一種儼如廣告般喋喋不休的創作模式鋪陳，包括形形色色的維多利亞時代壁紙、復古英國鄉村品牌Laura Ashley風格的室內裝修，以及60年代大膽旅行海報等，黏膩厚重的美學語彙以及層層加疊的感性、浪漫圖案，錯雜成一種讓人幻惑和迷茫的視覺感知。

雖然駁雜紛紜，但這處不知所云的房間卻流露出神秘與隱蔽感：在一座詭譎的野外花園，厚重窗簾沉甸甸地懸在掛桿上，霑潤露水的玫瑰花透著馡馡馨香，究竟這處悄然無聲的房間裡發生了何事，有甚麼人事物又隱蔽在簾幕之後呢？

事實上Egan的室內場景刻意避開世間確切的人事時地物，繪畫的美學風格實則更廣泛地指涉和隱喻某些20世紀的藝術巨擘，包括法國畫家愛德華‧維亞爾（Édouard Vuillard）、大衛・霍克尼（David Hockney）以及偉恩·第伯（Wayne Thiebaud），像是畫中一雙紅色繫帶的工作靴暗示著梵谷（Vincent Van Gogh）的靜物畫。Egan的畫作彷彿集體記憶的懷舊快照，也是對物質性、現實和想像力的探索，拓展了抽像畫和靜物畫的傳統。

圖文來源／Artnet、Anat Ebgi

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這篇文章 洛杉磯 畫家Alec Egan ：馴化野獸派色彩，化庸俗成斑斕 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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在七月中旬結束的2020第八屆台中藝博，做為COVID-19疫情爆發後首個大型博覽會，主辦單位社團法人中華民國畫廊協會理事長鍾經新表示，本屆的台中藝博會迎來了最多長官與記者的到臨與關切，藏家民眾也都紛紛出籠，不僅讓總參觀人次逾萬人，展覽期間塞爆附近飯店、餐廳；銷售佳績更是捷報連連，計有15家畫廊成交金額達百萬以上，總銷售額突破5000萬，讓來自國內外的參展藝廊都滿載收穫而歸。

說起台中藝博這個區域型博覽會，其特色可由各屆主題窺見：本屆主題為「空間向度•雕塑賞遊」，去年則是「文化漫步—雕塑維度」，得見主辦單位欲以「雕塑」形塑該在地藝博性格的企圖。

鍾經新告訴我們，台中七期聚集了許多公司的旗艦店，按「文化藝術獎助條例」及「公共藝術設置辦法」規定，公有建築物須提撥百分之一的經費設置公共藝術，致使當地公共藝術發展較為完善，而雕塑由於較為具象，入門較容易，使得許多大樓或新興藏家傾心於該藝術形式，讓主辦單位在決定台中藝博的定位有了著力點。

確認了藝博會定位後，下一步即要引起藏家的關注。台中藝博與台南藝博，同為地方性博覽會，為讓藏家能有參與的動力，於是著重與在地特色、飲食、電影等各項領域結合。無論是在點心上使用印有台南藝博logo的椪餅、亞洲第一座室內深水潛水旅館潛立方旅館辦晚宴、舉辦姚謙《一個人的收藏》電影欣賞，以及與在地店家合作活動，都是協會欲以豐富多元的活動設計，吸引更多藏家的到來。

本屆台中藝博與去年相同，前一年即規劃在國際團隊經營、擁有多國際人士住房的日月千禧飯店舉辦，然而適逢全球新冠肺炎疫情，與國外藝廊、藝術家實際面對面交流的機會銳減，這讓台中藝博延續台南藝博的線上形式，規劃了線上實境體驗，成為實體和線上雙軌並行的博覽會，不僅讓國人能實際看到展品，也讓國際愛好者得以如臨現場。

鍾經新認為，由於疫情形勢可能持續數年，在台灣疫情控制得宜的狀態下，往後雙軌並行的模式預計會延續下去，或許也會開發出更新穎的面貌來因應。無論如何，科技技術在往後的博覽會的對外聯繫上，必要占一定的份量。

這在接下來的國際型博覽會台北藝博也是一樣的。也由於在邊際管制、人員移動的限制下，國際畫廊數量將會較往年少，鍾經新表示，這正好是展現台灣價值跟台灣特色的機會，例如協會即在原有的MIT新人推薦特區外，新增設原民MIT。今年十月，來看台灣實力如何展現吧！

圖片提供／社團法人中華民國畫廊協會

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「2020台北新藝術博覽會‧番外篇」特展，8月15日起將於松山文創園區2號、3號倉庫，展開為期16天的展覽。全球疫情持續嚴峻的現在，民眾不用出國，在台灣也能欣賞來自全世界35個國家的國際級創作。

台北新藝術博覽會打破全球藝博會以畫廊為主的慣例，首創「以藝術家為核心」的全新概念，每一展位就是一位藝術家的個展，讓台北新藝術博覽會成為「具有溫度」的國際藝術展會。

「番外篇」特展展出包括「2020國際藝術家大獎賽」入圍作品、國際與亞洲精選藝術家的作品。此次共有來自全球35國、191位藝術家參展，展出近800件作品。創作題材涵蓋各種當代藝術的不同面向，創作題材豐富、多元，深具地方特色及文化內涵。

本次參展藝術家包括：曾代表義大利參加54屆威尼斯雙年展的寫實古典畫家Carlo Alberto Palumbo、2017年和2018年被義大利藝術巡迴國際雜誌授予「TOP 60當代藝術大師」之一的O. Yemi Tubi、馬爾地夫總統國家認可獎Muaviyath Ali、2002年和2004年第五屆和第六屆Bharat Bhavan國際版畫雙年展Gouri Vemula、徐松波、米照廣、劉寶軍、高小云、李善單與MSLL瑪馨玲月等藝術家。

展出的作品風格多元，例如：西班牙Vitaly Leshukov神奇多彩的風景畫；美國Teddy L Wang的超人類主義視覺效果繪畫；荷蘭抽象畫藝術家 Christian van Hedel的城市藝術作品；Alex Bertaina光彩紛呈的風景畫；Brita Seifert彷彿置身於潛意識裡的夢幻作品；以絲綢繪畫為特色的 Natasha Foucault；立陶宛藝術家Remigijus Januškevičius 令人置身童話世界；被譽為「千禧世代掌旗手」的英國Sara Sammakia 是活躍於現今普普藝術界當紅的視覺藝術家；頗受矚目的韓國Seungeun Suh（徐承恩）；「東方的畢卡索」李善單帶來「得道」、「念佛大圖騰」兩大系列創作，眾多精彩作品等您瀏覽。

德國，Brita Seifert，《The concert is over》，蠟筆與彩色鉛筆，60x80cm，2020。

2020台北新藝術博覽會 • 番外篇｜

貴賓專場：2020. 8. 15（六）～8. 26（三）
公眾展覽：2020. 8.27（四）～8.30（日）

展覽地點：松山文創園區（2號、3號倉庫）
地　　址：台北巿信義區光復南路133號

預約專線：（02）7743-7788 #3218 蔡小姐

圖文來源／台北新藝術博覽會

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這篇文章 防疫不用出國，也能藝遊一夏！松菸「2020台北新藝術博覽會‧番外篇」多元登場 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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「2020桃園國際插畫大展」8月13日上午舉辦開幕暨頒獎典禮，邁向第7屆的插畫大展不僅展出多國藝術家作品，藉由本屆競賽主題「未來？未來！」，體現席捲全球疫情的生活樣貌，揭示世界面臨的議題，反思現今生活型態，用插畫遠眺你我的未來。即日起至9月6日，將在桃園展演中心1樓展場展出。

雖然日前台灣疫情較國外平穩許多，當日與會者大多仍配戴口罩，會場也嚴格執行測量體溫等防疫措施。順應全球防治疫情及數位化潮流，本次插畫大獎以線上徵件方式報名，同時擴大向國際徵件，讓更多插畫的豐沛資源導入台灣。從14個國家、近千位參賽者中脫穎奪下金獎的是桃園插畫家卓霈欣《樹冠羞避- 1》，作品以樹叢植物共生，卻又保持距離的生態行為，呼應當下防疫新生活，銀獎及銅獎分別為林佳蓉《陪你悲傷》、季榆汝《星星牌-披星戴月 艱難時刻》，另外桃園限定的「桃畫獎」由陳圓禎《Summer Online Concert》獲得殊榮。展覽除了參賽者優異作品，也邀請烏克蘭、瑞典、澳洲、西班牙、越南、日本、馬來西亞等15位國際知名插畫家共同展出，共102件展覽作品，來自不同的視野，一起感受能量，開啟你的未來！

桃園市副市長李憲明先生出席典禮表示，插畫是非常親近民眾生活的藝術，鼓勵大眾前往欣賞本次桃園國際插畫展。也勉勵參賽的畫家如同種子，未來都有望在藝術領域發光發熱。評審陶樂蒂亦提及，雖然此次參賽者囊括海內外，但在匿名評審下最後大獎依然留在台灣，顯示台灣插畫界的進步，且此次作品內容多元性十足，除了順應時事的防疫話題，亦有關於夢想的作品，促使觀者產生更多的期待與想像，彷彿能窺見台灣成為插畫大國的光明未來。

展覽除了「未來？未來！」競賽展區，並設計規劃過去、現在時間線等3個展區：「復古即創新」記錄插畫家們在藝術史、國家文化中如何得到認同，揉合經典復古於當代創作；「我畫故我在」以插畫家信手拈來的媒材、生活常見等恣意塗鴉；「畫外之音」由桃園當地藝術家的作品，發掘桃園在地人推薦的優美秘境、向大眾提出桃園深度旅遊的邀請，記憶臺灣樹種製作成多功用樹皮的繪圖，以及將花卉結合創作等，闡述環境保育宣導。展覽週末假日安排系列趣味工作坊，讓大小朋友都可以親手體驗，另外期間還有限量打卡兌換插畫玩味手錶，把握時間看展，也掌握自己的未來！相關報名資訊請上「桃園插畫大展」臉書粉絲專頁報名參加。即日起至9月6日，誠摯邀請民眾蒞臨桃園展演中心「2020桃園國際插畫大展」。

█ 活動資訊：

◆展覽名稱：「未來？未來！」2020桃園國際插畫大展」

◆展覽時間：109年8月13日(星期四)至9月6日(星期日)
　　　　　　週二至週日上午9時至下午5時，逢週一及國定假日休息。

◆展出地點：桃園展演中心展場 (桃園市桃園區中正路1188號）

◆主辦單位：桃園市政府藝文設施管理中心

◆入場方式：自由入場

◆活動洽詢、團體導覽預約電話：（02）2545-4366 #502

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這篇文章 2020桃園國際插畫大展　注「疫」你的未來！ 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。