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虛擬藝術作品〈Upload not Complete〉互動體驗裝置於2018年末，由台灣藝術家胡縉祥、蔡秉樺、張兆慶共同創作，作品主要在探索除了視覺之外，科技藝術包含觸覺體驗的可能性。

理念文本取自於團隊2017年新媒體跨域展演〈CyberCube〉，其中探討人的意識上傳至數位空間之過程，想像此階段人的意識已融合於數位空間，意即人可感知數位空間中的所有虛擬物件，而在本作品中，將創造一個混合虛擬的實體空間，當民眾進入此場域中，不但可以看到真實世界，也能透過VR顯示器、風力氣味裝置及觸覺穿戴設備來體驗與感知作品，藉由此種觸覺互動體驗形式，企圖重塑民眾對於科技藝術過往之認知。

作品將虛擬與真實融合的過程放大，那是人的意識上傳至數位空間的過程，是當視覺感知已經失去的狀態，人還能透過風、聲響、振動等觸感與音感，來認知身處的空間。體驗者用不同感官，感受媒體藝術，創造一個電腦能夠完整知道體驗者在空間中位置的數位空間，讓體驗者去聽、去移動、觸摸物件、感受振動，來認知空間。

作品特別加入新的互動體驗，觀眾在體驗(上傳)過程會被3D攝影機動態記錄下來，在體驗的最後，數位空間中被上傳的其他體驗者會出現在觀眾身邊。

〈Upload not Complete〉入圍位於義大利威尼斯舉辦的2019拉古納國際藝術獎，目前正在當地展覽，展出日期至2019年4月23日。

｜拉古納國際藝術獎

一個不限創作主題的國際藝術比賽，旨在促進並提升當代藝術。比賽是由「義大利文化協會MoCA」與「藝術拉古納工作室」共同舉辦，曾獲義大利總統勳章，並獲得義大利外交部、文化部等多項單位贊助。今年已邁入第十三年，極具公信力及國際知名度，在國際藝壇上的合作單位持續增加中，提供藝術家更多的發展機會，為藝術家跨足國際提供良好管道與助力。

圖文來源：胡縉祥

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來自英國的空氣建築團隊（Architects of Air，以下簡稱AOA），打造了一座巨大柔軟，且無任何人工光源的彩色建築「光影幻境」，做為 2019 台灣國際藝術節（TIFA）舞台外的壓軸活動，於4月2日至4月21日，為今年「屬於每個人的藝術嘉年華」定調，在這個朗朗春日帶出光影與色彩交匯的美。

色光與幾何線條構成魔幻空間

這座長 42.5 公尺、寬 36.4 公尺，佔地約 850 平方公尺的建築群「光影幻境」。從2016年展出至今，曾巡迴西班牙、法國、荷蘭、加拿大等國，是AOA團隊裝置作品中極具代表性的一件作品。

充滿鮮麗色彩的「光影幻境」，內部並無加裝燈具，全憑純粹的自然光反射透光並染成三原色（紅、藍、綠）的PVC材質，在空間內形成大量搶眼的色彩。不同顏色投射出各自的個性，色塊交疊處產生更多顏色。

這個空間會因著不同的天氣或時間有著細緻的光影變化，為觀者帶來令人震撼的視覺感受────不用擔心天氣不好，縱使在陰雨天，也都能有非常魔幻奪目的呈現！每一次的臨場感受都是獨一無二的，這樣的體驗與劇場的體驗有著驚人的相似度，也是TIFA邀請團隊來台的主要原因。

百條曲線造就自然天堂

這個或圓弧或尖起的建築空間，創作靈感來自大自然、幾何圖形、伊斯蘭及哥德式建築，大片單色的強烈彩色玻璃感透光，成就出一個放逐想像、沉澱思考的魔幻空間，讓人想起動物子宮、原始洞穴，也宛如置身天堂。

這要說到「光影幻境」英文原名KATENA，字源來自建築學中的「弧形垂曲線」。建築體內充滿著弧形垂曲線（catenary curve）──「光影幻境」英文原名KATENA的由來。這種曲線工法被譽為「上帝的建築師」的安東尼．高第（Antoni Gaudí）使用在聖家堂，以帶來天堂般的感受。

循著高第的腳步向大自然取材，「光影幻境」由自然界的蜘蛛網幻化而來，一萬片PVC組成百條以上的曲線，全由團隊用特殊膠水手工完成。在沒有電腦輔助的過去，則是要先製作模型，再依比例放大，非常費工。

舒服地待在色彩的烏托邦裡

AOA團隊藝術總監、創辦人及設計者 Alan Parkinson分享，在巡迴過程中，每個國家因民情差異而展現出的不同面貌：在北美，有不少觀眾會以較理性、工程學的角度來欣賞；而在荷蘭，觀眾大多放鬆慵懶地躺在空間裡；而日本的參觀者，則呈現相當平靜、自在的狀態，在參觀的同時也彼此留意保有私人的空間範圍。

縱使人的對應千變萬化，每個地方都有個共通點：享受在這個空間內有點迷失方向、與外在世界隔離的感覺。不禁讓人好奇，台灣的觀眾在這裡頭會是什麼樣的模樣？

「我會希望人們不只是『占據』或『捕捉』空間，而是多花點時間『在』（Being）空間裡。」Alan Parkinson這麼說。無論是大人小孩，都能來到這個由色彩與曲線形成的無障礙烏托邦裡，找尋屬於自己觀展最舒服的方式。

圖／艾莉歐

文字資料來源／兩廳院

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泡棉、氣泡紙等緩衝包材，由於無法回收，除了重複使用、丟垃圾桶，還可以拿來做些什麼？

荷蘭藝術家Suzanne Jongmans，身兼雕塑家及服裝設計師兩種身分，並具有攝影專業，設計並拍攝了一系列模仿文藝復興時期的肖像。細看這些美麗模特兒，他們身上貌似頂級高雅的經典時裝衣飾，細看會發現一些衝突感──這些竟是由你沒想過的氣泡紙、泡棉製成。

這些不可回收的塑膠製品，經過藝術家的慧眼及巧手，重生成獨具設計感的繁複高領服、公主泡泡袖乃至大氣頭飾，完美演繹了16世紀文藝復興畫作中的迷人丰采。你能看得出這些肖像照仿自哪些作品嗎？

資料圖片來源／fubiz

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「垂直與水平的直線，傳達了兩股對立的力量，無處不在地支配著萬物，相應組成了『生命』。我發現在自然中，若有任一特定面向能達成平衡，必然仰賴其相等的對立面。」這一段話來自皮特．蒙德里安( Piet Mondrian, 1872－1944)。

蒙德里安最為著名的就是方格、黑線、三原色，在現今的建築、家具、印刷和裝飾藝術等等，依然可見他的影響力。

第一次看到蒙德里安著名的「紅黃藍黑構成」作品時，在完全不了解他的情況下，說真的還真傻住了，不知從何看起。雖然從美感的直覺上，能夠意會到「這絕不是隨隨便便開個表格來合併儲存格填色」，而是有著神奇的平衡感與韻律感的精心佈局，但依然沒有具體聯想可以前去。

直到閱讀了他的資料，才明白他所追求的是一種接近宗教的哲學狀態，而且，他一生經歷了幾次繪畫形式的重大轉折。現在眾所皆知的幾何抽象風格，是生涯中期才出現，並且經年累月成熟起來的。而他早期作品，寫實功力之深厚令人驚訝也驚艷，同時也能在當中看見他漸漸展現「使用線條來表達精神狀態」的傾向（例如1905年的《Farm near Duivendrecht》）。

他繪畫形式的轉變過程，在1912年先後完成的兩幅《靜物與薑汁罐》(Still Life with Ginger Jar ) 就是一個很清楚的展示。

在他的個人生平與藝術的關聯中，後世許多人認為宗教與戰爭是兩大關鍵。我覺得從這一點來談占星上的行運非常有趣。

原本跟隨父親篤信清教徒的蒙德里安，在1909年時，加入一個通神論者協會，改變他看待生命萬物的視角。而當時，天上的海王星正在對他的整張星盤強力作用中，尤其是他專司藝術創造的第五宮。

海王星往往會去消融邊界，從物理學的角度來說，就像把一切都變成原子，你我都是天地蜉蝣，而人們也是在這種時候領會了「更高層次」，產生了我與眾生一體的體悟——而蒙德里安加入的通神論者協會，使他採取新柏拉圖主義，而該主義正是主張所有存在皆來自一源。

在此同時，1914年第一次世界大戰爆發，蒙德里安決定以藝術宣揚和平，集結志同道合者，致力於新造型主義，並簽署反戰的「風格派宣言」，開啟了接續近二十年的關鍵轉變時期。他希望能透過找尋萬物的規則來帶給世界秩序。

這段時間，正是天上的冥王星（戰爭）在他的第五宮（藝術創作）走動的時間，最後與他的木星（理念、社會秩序）相聚後道別。這段時間可以看見我們所熟知的蒙德里安已成形，《紅黃藍構成》(Composition with Red Yellow and Blue, 1928) 便是此時期的名作之一。

誰想得到，這些看似極簡無機的畫面，竟然是蒙德里安對世界大同的期盼，而那些直線與色塊，所敘述的則是他對自然萬物的寧靜崇拜。知道了他的精神之後，不免覺得，被歸為「冷抽象大師」的他，心裡竟是如此溫熱。

撰文／七本音

圖片來源圖／wiki、artnews

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照時程來說，幾大國際畫廊現身的「台北當代」是2019亞洲藝術市場前哨戰，但細探究竟，不少作品早在2018HKArt Basel上曝光，令人失落；除了舊貨甩賣疑慮，還有主場憤怒——僅僅消費台灣藏家，未見更強勁國際支持力道，以及國內畫廊與相關單位的不積極作為。試水溫在所難免，但在作品、展商與買家結構息息相關的連動下，如何深化市場，甚至串連展演空間與官產學人士，尚付之闕如。這不是總監任天晉單一責任，更是台灣藝術圈集體課題。那麼，三月的香港藝術週，是否帶來不同層面的啟示，港島各地畫廊與非營利空間的多種策略是否可供台灣藝博會與整體環境應變參考呢？

嚴格說起來，今年的香港藝術週可以觀察到下列幾點：

一、西方藝術明星傾銷亞洲市場

跨國畫廊主異口同聲地否認中美貿易大戰與前次區域經濟放緩對銷售成績的影響；官方展後新聞稿亦表明，今年香港巴塞爾依舊銷售強勁。實際走訪卻不難發現，整體更傾向買方市場，投資目的大於收藏，中國當代藝術或因先前「葉永青」事件牽連，光環明顯暗沉。畫廊走回歐美老路，多是常見面孔。例外的是，Richard Nagy Ltd.初參展即推出席勒回顧展，以及搭上「延禧宮略」莫蘭迪色熱潮，也呼應藝術家曾梵志策畫的「塞尚、莫蘭迪和常玉」一展，高古軒與卓納展位都掛了莫蘭迪《靜物》畫作待價而沽。回到前述亞洲藝市前哨疑惑，可能顧及稅率，抑或值此大戰造成全球經濟前景震盪不明的干擾，部分大畫廊吸睛作品早於2018年西岸與今年一月的「台北當代」曝光，多少影響藏家心情與購藏意願。當然，以此論斷香港藝市地位下滑稍嫌過早，但不諱言，藏家總是希望能看到更多新鮮貨色以及真正的好作品。

二、拍場比價效應，導致藏家下手滯後

以亞洲超級富豪為對象的香港巴塞爾，此次VIP卡控管更加嚴格，貴賓預展日人潮較去年少約兩成，對目標藏家來說自是節省時間氣力，但初來乍到且不解水位的新興藏家而言就傷透腦筋。因此，首二日銷售速度與換牆頻率不如以往，加上與拍場的比價效應，明顯拉長藏家入手的考慮時間。

三、是大風吹還是收割？

整體說來，今年巴塞爾的亮點之作數量確實有限，令人驚豔者也明顯較期待要少。尤其蛋黃區畫廊大都採取保守策略，多展出平面作品；反觀蛋白區，作品形式相對新鮮有趣，也更能突顯自家性格。此外，藝術家有名牌光環，畫廊也有。中小型或區域畫廊昔日帶出的藝術家，幾經爭戰，吸引了國際畫廊目光，然後西瓜偎大邊，作品移到了大畫廊展位，順勢叼走藏家與品味經營。有趣的是，凡反射性的平滑面與可愛精緻的作品前，拍照打卡絡繹不絕，益發突顯數位自媒體時代的美學偏好。

四、年輕藏家隊伍開始出頭

可以發現，20至40歲的年輕藏家隊伍開始冒出頭來，而且品味極為多元——幾萬塊美金的作品，往往不假思索。不少畫廊嗅到這點，以價衝量之舉明顯見效，使得不少展出作品均質而普遍。另一方面，嗜好經典口味的金字塔頂端藏家不為所動。透過香港巴塞爾、Art Central，以及拍場令人意外破億港元的KAWS與其他亮點，更強化Ｍ型市場兩端發展。過去由學術商業相繼背書的藝術史標誌出高級、高雅、高價的美學，但年輕世代多元族群的崛起，讓他們開始試圖以不同的角度切入，來找出證明自身世代的「三高」品味。

五、藝術品味時尚化

過往，大概8到10年間，藝術市場就會換點口味，如今因科技變革與資訊爆炸而縮短週期變短，幾與每季都得翻新的時尚相同，自然也促使藝術家創作的質量產生變化。第七屆香港巴塞爾不得不變，即便逾半畫廊仍屬西方當代在亞洲的傳播據點，偏偏大家已經看膩了蛋黃區畫廊不見新意的展出名單。已有的因應之道除了將東南亞藝術融入經營格局、鎖定各大機構典藏走向與藝術獎項如威尼斯雙年展或Power 100來加持，還有大會官方扶植中小畫廊特殊策展項目與藝術家。至於能否短時間之內奏效，還有待後續觀察。只能說，顧及藝術市場的平衡，香港巴塞爾不可能抹滅某特定區域畫廊。但在最高藝博殿堂，區域性畫廊必須考量自身文化特性，減少或轉移戰場，待足夠經驗才能同場競技，不可僅把參賽當作形象宣傳。

六、 抗中政治意味濃厚

無論香港巴塞爾「策展角落」的「1979星星美展40週年」，還是Art Central高小蘭為「行為藝術x4A」製作的《New Territories Old Territories》，三個白輪軸每面各寫「Hong Kong／is／isn’t／China」，邀眾齊思：到底香港屬不屬於中國？抑或，Opera畫廊展出Joe Black以2萬個持槍塑膠兵拼湊的毛澤東肖像、Art Projects畫廊有唐偉傑以「MADE IN HONG KONG」貼紙貼出《你睇我唔到》（粵語：你看不到我）、《MADE IN CHINA》等作。對比台灣與中國政局緊張，香港藝術圈無懼敏感議題，大談身份認同矛盾。

「巴塞爾的成功是順應香港的歷史身份。」見證香港藝術市場卅年變遷的漢雅軒負責人張頌仁是這樣總結這一超級市場的，相當符合香港免稅優勢與轉口港特質，也在一度失去藝術空間的脈絡下，發展出可能的藝術從業行為。那麼，台灣呢？諸多藝博會的後起之秀相繼瓜分台灣藝術市場與規模，固然主辦單位相互之間存在著實力差距，但如何建構自身消費價位和風格屬性，好繼續在亞洲藝術市場佔穩一席之地，甚至擁有更多話語權呢？可以確定的是，未來仍將有一番苦戰！

攝影／陳芳玲

藝事廳

不論事情大小、情節輕重，抑或展覽生態、市場趨勢，皆有可談可議之處。
是以成立「藝事廳」，歡迎各方人士前來共議同論。

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自 2016 年開啟第一屆 Wonder Foto Day ，2018 年增添特殊展位、進一步將展覽場地與藝術攤位擴增，使攝影藝術的視野更加寬廣。今年 Wonder Foto Day 在松菸舉辦有別歷屆聚焦更多特色活動，除了 WFD 藝術家們的聯合競演，亦包括 T3 Photo Festival Tokyo 東京國際攝影節特展、 若⽊信吾「他的回憶:現實、 記憶、夢」個展、攝影藝術書籍區、 SAMSUNG Galaxy S10「#BeStar特展」、數位暗房攝影工作區共六大展區。

日本 TIPC 東京國際攝影大賽特展(Tokyo International Photography Competition)，再度進駐 Wonder Foto Day，且跨足雜誌、廣告、音樂等領域。曾執導電影《星空下的華爾滋》與《白河夜船》，更是木村拓哉與淺野忠信御用攝影師的若木信吾，將把自身出版社原裝移植 WFD，並舉行首度的台灣特展：《他的回憶：現實、記憶、夢 | 若木信吾與若木爺爺》 。

日本 TIPC 東京國際攝影大賽特展

《 他的回憶：現實、記憶、夢 | 若木信吾與若木爺爺》

本屆 Wonder Foto Day 匯集台灣、中國、香港、日本、韓國，俄羅斯，進一步延伸柬埔寨、泰國、印尼，甚至美國、紐西蘭共 11 個國家，精選 120 位傑出攝影師，在 120 見方空間自由揮灑獨特且多元的攝影作品，並由主理房彥文領軍策展人谷口純弘、知名複合藝術空間朋丁負責人陳依秋、ONFOTO STUDIO 負責人韓筠青、藝評家傅尔得，並特別邀請巴賽隆納知名國際品牌設計公司 Blacklist Creative Partners 創辦人 Massimiliano Scaglione、以 KANA KAWANISHI ART OFFICE / GALLERY 推動當代藝術的指標河西香奈、與收集 Le Corbusier (勒・柯比意) 作品聞名，法國巴黎 Zlotowski 藝廊執行長 Yves Zlotowsk 等，總計 13 位評審與藝術家，屆時將頒出 13 個評審獎項，大幅突破歷屆紀錄，讓優秀作品得以在討論與激盪中脫穎而出，打開世界的全新大門。

不斷思考著如何透過攝影增加城市魅惑⼒的 Wonder Foto Day，在這個四月將走出松菸，協同非營利組織：報導者與台灣三星電子，進入台北市的書店、咖啡店、餐廳，甚至服飾、滑板、陳設研究所等特色店點，以會外衛星展的形式，展出以人物故事為概念的創作，在不同的展點與區域規劃間，訴說著都市人們的日常，進而牽起大家對這座都市不同情感的體驗與想像。

資料來源／ Wonder Foto Day
攝影／蹦啾莉歐

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這篇文章 同時擁有4大國際攝影展，WFD一覽當代豐富多元的攝影藝術 最早出現於 城市美學新態度。

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如果來到兩廳院2019TIFA桑布伊演唱會，能聽見他的吟唱從遼闊的山林谷地裡，穿過葉縫光束奔向耳畔。你說戲劇院哪來的廣袤山林？那就是舞台設計黎仕祺的魔法所在。

黎仕祺談桑布伊：讓人一秒落淚的「傳達系藝術家」

金曲獎舞台設計黎仕祺，回憶第一次聽到桑布伊的歌聲，就是在金曲獎上。他從沒聽過這個卑南族古老部落青年的歌聲，直到耳邊傳來播放入圍的年度專輯獎──那是桑布伊的個人創作專輯《椏幹》。

至今憶起那聲音，他仍要倒抽口氣，「前面的吟唱一出來，一聽就會掉眼淚。」他深深呼吸才能往下說，好像不能以己身承受迴響山林的遼闊。而他想做的，就是要在舞台上，把這個「很厲害、不是個關起門來抒發己懷的藝術家」的特質表現出來。

對黎仕祺而言，桑布伊的歌聲具有傳達的能量──對族人、自己的人生狀態，以及對大自然的應和，都以他特有的嗓音在吟唱中「擴散」開來。為了表現聲音裡的無垠，他為舞台上裝置了兩棵樹，一前一後營造景深，並用上了後舞台，要讓觀眾感覺到更遠的遠方。

手編自然稻竹，造出九尺草本大樹

台上兩棵高達9尺的「樹」，枝木向外延展，細看竟是草繩編就。20條細繩紐成一條10公分粗繩，再將粗繩編成淺色草樹，最後用上了6萬條，十足十的費工。黎仕祺笑說，他原要用麻繩，但因太「貴重」──太貴也太重，改使用質輕的草繩，而這個決定，不僅考驗特殊道具團隊手的靈巧度，連帶他們的鼻咽喉，也在挑整收齊那些飛蓬般的斷草殘枝中變得嘶啞，最終在口罩護體中完成兩棵樹。

而樹總要有葉，細看舞台上的樹冠，卻是片片不規則狀的竹編裝置。由於在戲劇院吊桿夠多，如簍的竹編大片大片地平吊，不僅添增豐茂立體感，更能讓光透過篩口，形成自然的光斑。

無論稻草或竹，都不是樹，而是劇場式的想像。劇場出身的黎仕祺表示，由於這次演唱會是TIFA的一環，而桑布伊的歌聲想傳達的深意，適合劇場的樣子。於是，不會有大量LED彩幕麻痺你的視覺神經，而是就此開啟一趟想像之旅。

掙開形體侷限不直譯，帶著想像去到各自的遠方

對於舞台，黎仕祺想做的是好玩的設計。怎樣才能好玩？「就在於用一些手法，讓觀眾在看戲過程中有不斷的想像。」於是，當源活詢問他想辦在音樂廳抑或戲劇院時，他馬上選了能更靈活運用的後者。而想在舞台上放樹，他就偏用了竹，用了稻草，就是不直白譯成一棵寫實的樹。

和樹不一樣的材質，也沒有做出樹幹、樹葉，但觀眾還是能從各種暗示中，得知那是棵樹。但當在聽著桑布伊的歌聲時，觀眾會不經意地發現，你以為的樹出現了草繩的紋理，你以為的葉影是從竹編上篩下來的，便能產生一些想像——例如從竹簍想起菜市場，而它上頭總會放著高麗菜，或自問竹與稻是不是原住民的符號等等。每個人的生活經驗，會產生不同的連結與畫面，把你帶到更遠、更有趣、更獨特的地方。

黎仕祺堅信，每個人都有想像的能力，而他不能剝奪這個空間。他提到為如果兒童劇團《雲豹森林》設計的舞台中，其中的森林全然沒有刻板的山形，而是以四個六邊型的立方體呈現。他印象很深刻的是，有個孩子看見演員圍著簡單的幾何量體轉繞、攀爬，還是能知道那代表著山，並且興奮地衝到臺口，想一起去登爬。

「一但你的東西充滿想像，小朋友看你的東西絕對不會無聊。」劇場力量的展現，深深震懾了黎仕祺，並影響他往後的舞台設計，並且就此放開了形體的侷限。他一再地向我們說，也似乎在對自己勉勵，他設計的視覺，不能只是複製固有的形式，要能傳遞情感、開啟想像。

有機活雕塑傳達情感，歡迎來到黎仕祺的想像世界

能觸動觀眾的，來自於設計師情感的精準呈現。這次竹與草編成的高大作品，由於製作及裝臺非常手工，是「活的雕塑」。黎仕祺說，或許不同時期布置，這件作品會因為心境轉變呈現不同的面貌。「如果之後遭遇一些比較黑暗的事，而覺得生命不是那麼柔軟、平順的，我可能會讓枝幹更猙獰、草繩更鬆解點也不一定。」

為了能在這個有機的藝術中，將自身對桑布伊的情感精準傳遞給觀眾，採訪一結束，心繫著裝台狀況的黎仕祺，旋即消失在門的另一方，回到創造想像的劇場世界。

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這篇文章 從六萬條草繩中放任想像，與桑布伊吟唱一同盪向山林遠方──金曲獎舞台設計黎仕祺專訪 最早出現於 城市美學新態度。

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A post shared by fmk7 (@fmk7) on Jan 30, 2019 at 10:32am PST

動畫設計師Vincent Viriot，為設計工作室Iconic Paris的新網站打造動畫視覺。由於Iconic Paris時常使用單色調的圖像，並利用黑白的藝術、音樂和電影標誌圖像，這讓設計師Viriot有了靈感──他­­­­­­­­­在這些領域中，挑選上搖滾巨星大衛．鮑伊、星際大戰黑武士Darth Vader和法國傳奇電音雙人組傻瓜龐克，將他們的肖像作為視覺主軸，以他一貫強烈而富標誌性的圖形風格來製作動畫。

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在這系列作品中，Iconic Paris給予Viriot很大的自由。對人物做數位建模後轉成3D，藝術家再將銅元素引入了黑白調色板。幾何形狀圍繞圖形，產生了具節奏運動的巧妙構圖，每個肖像的立體感都因切割與旋轉而顯得突出。

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在小部分的切割中，Viriot在內部嵌入幾何形。藝術家表示，他想專注於材質與幾何形狀的建構，並為這些著名的偶像帶來極簡風格。

圖文來源／designboom、Instagram

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這篇文章 STAR WARS黑武士頭像切割旋轉，3D解剖系極簡金屬機械動畫超吸睛 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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*本文並不涉及香港政治生態的議題，主要以今年3月香港藝術週所見藝術市場生態的現狀討論。

每年3月，亞洲最大藝術盛事就是香港藝術週，畫廊、藏家、藝術家都會將焦點關注在這一週香港的藝術活動上。從3/26至4/1短短一週的期間，同時有位於灣仔會議展覽中心的Art Basel、中環海濱活動空間的Art Central、金鐘港麗酒店的亞洲當代藝術展、尖沙咀馬哥孛羅酒店的Harbour Art Fair ，以及多不勝數的畫廊展覽開幕。過去藝術市場分眾清晰，頂級、二級、飯店博覽會層級清楚，各賣各貨，市場雨露均霑的香港，已不復見。尤其從2018年香港蘇富比拍賣與Art Basel同步後，更是明顯。

過去部分畫廊視Art Central為Art Basel的「農場」系統，站穩腳步後，即有可能向上進階，如是想望顯然不再成立。環顧今年Art Central的整體展覽質感確實較往年提升不少，亞洲畫廊比例增加，台灣參展的畫廊數目更是創下新高，公共區域則展出本次第一屆曼谷雙年展的印尼參展藝術家Heri Dono之作，足見主辦單位用心。但無論是市場考量，抑招商不盡理想，參展畫廊多選擇了小展位、參觀人潮與成交量也不如往年。我個人認為主因是原本香港Basel的外溢效應已經結束，過去拍賣與博覽會各行其是的模式在去年被打破後，已經帶來且帶來1+1＞2的加乘效果，人潮與資金與媒體焦點都集中在香港會議展覽中心，其他衛星博覽會似乎就難逃被邊緣化的命運。

衛星博覽會，快速邊緣化

今春香港Art Basel共36個國家、242間畫廊參與，平均水準雖有「質」的提升，但令人驚豔的作品相對較少。首日VIP的參觀人數在大會嚴格控管下略有下滑，卻絲毫沒有影響到成交量，包括David Zwirner成交額就接近1000萬美元，Hauser & Wirth、Lisson Gallery、Pace Gallery等國際性畫廊皆有不錯斬獲。由此也不免讓人困惑是否如今藝術市場已經走到「大者恆大、贏家全拿」的局面？對此，

我抱持著相反的答案。舉例來說，首屆參展的東南亞畫廊Richard Koh Fine Art，位於Insights展位，呈現參加了首屆曼谷雙年展的泰國藝術家Natee Utarit七件大型作品，同樣在VIP首日開展三小時內售罄，亮眼成績可見一斑。過去人們認為Art Basel高不可攀的偏見在今春也有所扭轉。在Discoveries展區裡頭，好些年輕藝術家作品只要5000美金即可入手，而部分專營版次作品的畫廊，對稍為知道藝術史或是國際藝術脈動的新興藏家而言，同樣可以可以挑選到物美價廉的作品。如英國雕塑藝術家Antony Gormley的小幅版畫（共25版），金額低於10萬台幣，對於一件雕塑原作動輒超過39萬歐元的藝術家來說，無疑是提供了剛開始收藏的新興藏家一個收藏名家絕佳機會。

就目前來看，香港作為國際金融重鎮的優勢與地位，似乎仍屹立不搖，但如何有效維持，並且開發在地新興藏家，都是未來所必須面對的課題。否則，一旦既有的優勢持續受到政治有形無形的干預，難保不會被亞洲其他城市所取代。就內部而言，上海就是中國極力要打造成全中國的金融貿易中心，即邊緣化香港；而外部的台灣、新加坡、首爾是否有條件在藝術市場上取代香港的位置，或是做為儲備市場，值得觀察。

攝影／陳正杰

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這篇文章 香港，是否不再「香港」？！ 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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｜公主不再哭哭啼啼，她們既溫柔又能打

《冰雪奇緣》（Frozen）的女主角艾莎（Elsa）被眾人發現了她隱藏十幾年的驚人魔法秘密，於是一個人逃到了下著淵遠大雪的無人雪山上，當她大唱〈Let It Go〉、用一雙美腿狠踏白雪，用力踏出了一幢湛藍冰宮時，所有人都再也無法拒絕冰雪女王的魅力。不管是之後她大戰入侵者，瘋狂輸出攻擊魔法的戰鬥場面，或是故事結尾對於真愛之吻定義的翻轉，艾莎的角色形象一改先前迪士尼動畫公主系列—公主們總是等待一個未曾謀面的王子來改變自己的命運—被動近乎孱弱的處境，新形塑出了一位能夠保護自己，甚至捍衛自己所愛事物的女主角形象。

《冰雪奇緣》劇情中有一個橋段，艾莎小時候用魔法與妹妹安娜（Anna）玩耍時，不小心用冰雪魔法擊中安娜的頭，導致她昏厥，她們的父皇母后焦急地帶著他們去見森林中的石精靈長老，看看能否有解決辦法。石精靈長老一開口便問他們：「艾莎的冰雪魔力是詛咒還是天生？」父皇母后簡潔地回答：「天生的」。這串簡單的問答，對照著《冰雪奇緣》一上映，就讓許多影評與粉絲爭論不休的主題—「艾莎是不是一個同志？」，是一個切入點，我私心認為，這一個橋段正是迪士尼公司為同志觀眾們準備的暗語彩蛋，同時，石精靈長老的回答也是迪士尼處理同志議題的一個立場態度。

｜艾莎是同志？

艾莎天生的冰雪魔力隨著她的年齡增長越發強大，有時甚至無法掌控，而父母教導她的並非學習去控制與運用，而是戴上手套，單純地壓抑它，同時也間接導致艾莎足不出戶以免傷人意外。能說艾莎父母的愛蠻橫嗎？但是他們也從未見過那麼強大的冰雪魔法⋯⋯

《冰雪奇緣》要傳達就是，越是去隱藏與壓制天生就具有的「天賦」，它反而會在意想不到的地方一次性的爆炸開來，而冰雪魔力暗指的可以是才能、性格、愛好，或——性傾向，在我的認知裡，性傾向不過就是一種人格特質而已，它與律動平衡感、理科腦、交際花或高敏感人無異，只是一種天生具有的特質傾向，自我實踐使一個人趨近完整，因此這些傾向都需要一個管道來疏通，或者舞台來發揮。

事實上，主題曲〈Let It Go〉的歌詞處處都有玩味之處，它的巧妙設計讓不同生命經驗的人能夠投射出不同感受。「別讓他們進來，別人他們看見，你永遠都該做個乖女孩」（Don’t let them in／Don’t let them see／Be the good girl you always have to be），這一句唱在同志耳邊，簡直就是一個同志關在櫃子裡的心得啊！

艾莎被認為是同志的點還有一個，就是她的創造力，拜託，她可是自己一個人操盤設計了一棟冰宮還有妖氣爆棚的長禮服耶（不像灰姑娘還要靠仙女跟一群小鳥）！

同志經常被認為對時尚與美感有異常的感受力，儘管我認為這是一種誤解與偏見，但不可否認的是，同志確實在時尚、設計、戲劇或藝術界的比例異常地高。一種同志百種人，穿著時尚身形健美的陽光男同志，或是帥氣俐落短髮的鐵T，不過都是同志其中的一種爾爾，但因為這些形象容易被接受，因此也被當做「同志模板」經典款，不僅在異性戀眼中視為主流，同志圈內也總有同志主流形象之爭。目前最通用的縮寫LGBTQ，代表的是女同性戀者（Lesbian）、男同性戀者（Gay）、雙性戀者（Bisexual）、跨性別者（Transgender）以及酷兒（Queer）或是對其性別認同感到疑惑的人（Questioning），光是自我性別認同就有這麼多種，何況是人的形象？

|「艾莎」從過去就存在

美國前衛藝術舉足輕重的藝術家羅森伯格（Robert Rauschenberg，1925 – 2008），以抽象度與符號度極高的作品聞名，他將輪胎與羊標本組裝成裝置雕塑，透過絹印與拼貼反覆堆疊出一幅平面繪畫，這些作品投射給觀眾最初印象便是「看不懂」，而人腦的慣性會嘗試在目前無法理解的視覺印象中去挖掘「意義」，試圖去看懂，去補足意義。藝評家與策展人郭昭蘭指出，在當時的藝術評論對於羅森伯格後現代作品的看法分成兩派，一種是從整個後現代藝術的時空維度來觀看的羅森伯格的拼貼手法，不特意去解讀他所安排的符號意義，將之視為一種手法；另一派則是認為羅森伯格的圖像性徵都是有意義的，必須去拆解這些符號。

而郭昭蘭選擇了另外一個角度：羅森伯格的同志身份。

當時50、60年代的美國處於極度恐同的年代，壓抑到了60年代末後也因而出現了著名的性戀抗議運動「石牆暴動」，郭昭蘭研究羅森伯格與同性密友的書信等資料，發現羅森伯格這種抽象與打散符號的藝術手法，也是一種保護自己的做法，這些拆解的符碼讓他能夠隱藏自己的情慾於作品中不被輕易解讀。如果將艾莎逃家到雪山建立自己冰宮的過程視為一個同志的出櫃與自我認同之旅，那麼羅森伯格的拼貼藝術就像是那座冰宮，待在裡面既能讓他創作藝術、也能讓他免於恐同氛圍的傷害。

對於LGBTQ的無知恐懼組合出了一個個櫃子，將人們關進去，虛擬的艾莎與真實的羅森伯格，卻都有著突破這層櫃子的原生衝動，草間彌生舉辦乍現行為藝術時曾說過，如果世間眾人都能自由地釋放自己的愛慾，那麼戰爭會消失吧？

甲事讀藝 ｜下期預告
史嘉蕾喬韓森原先預計在電影 《 Rub & Tug 》中挑戰試圖挑戰跨性別角色路易絲．吉爾（ Lois Jean Gill），卻引起了影迷們的不滿而辭演，影迷抗議：一個異性戀女子真的能飾演好跨性別角色？而一個異性戀藝術家能創作出同性戀藝術？真的有「同志性」這種東西嗎？

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在這裡，妳知道，妳得拼命地跑、不停地跑，才能保持在原位。想去另一個地方，速度必須加快兩倍以上才行 ！

　路易斯．卡羅，《鏡中奇緣》

《愛麗絲夢遊仙境》作者路易斯．卡羅在《鏡中奇緣》這本書中有個有趣的片段，紅皇后帶著愛麗絲奔跑，跑了許久，周遭的景色竟然都沒有改變，當她們停下腳步後，卻發現還停留在原地，愛麗絲困惑地說在她的世界中這麼努力地跑一定會到達她想要到達的任何地方，但為何在這個「世界」不是這樣呢？紅皇后這樣回答她：「在這裡，妳知道，妳得拼命地跑、不停地跑，才能保持在原位。想去另一個地方，速度必須加快兩倍以上才行！」

在童話故事中，這話聽起來沒有不「合理」，因為各種奇幻想法都被允許。但有趣的是紅皇后這段富有禪意的回答其實是對人類存在的狀態的一種暗示。說穿了，盡全力奔跑只能維持在原地，這不就是生存競爭法則媽? 不斷地改變為了是維持不變。但如果有一方跑得太慢，就只能被淘汰出局。

認真看待自己的生活，我們可能會驚覺紅皇后對愛麗絲講的那番話，不也是對我們說的！置身在「快速流動」「當下實現」的社會中，似乎只有越輕盈、能快速移動、輕裝上路者，才可能有機會勝出，趕得上不斷位移的目標。因此我們的存在狀態就是不斷地在奔跑，不管能不能抵達終點、不管終點線後的獎品會是什麼，只要我們有在動、有在跑！這種持續奔跑的狀態似乎能給我們一種安心感，我們都只能堅定地在跑道上，不管有多麼疲累…

於是我們反問自己，如果終點線總在位移，如果路途上充滿隨意、偶然、不可測的風景，如果目的地快速失去魅力…這種「未盡的事業」帶給我們的，只有無盡焦慮。身為跑者，該如何面對這一切呢？

生為跑者的藝術家們，同樣處在當代社會的不確定、無規則可循，他們慣於面對藝術創作的不可測與、混亂曖昧性，但透過各種視覺表達與形式，獲得自主的自由。 當然，在已經沒有典範可模仿參照的今日，我們無法、也不能把藝術家的當作我們的人生樣板，但我們可以學習他們面對生活不確定與偶然性時候使出的各種組合拳，無論是躲藏、回避、疏離、嘲笑、抵抗、挑戰、破壞等。當我們凝視他們創作的視覺圖像時，可能會發現圖像描繪的是喘大氣、奔跑、爬行、後退、甚至騰空跳躍是他們自己，不也是我們自身的寫照。 

我們常常掛在嘴邊的「放下」、「放空」、「放鬆」、「放縱」、「放棄」， 在中文的「放」這個字，是一種動作，其實也是種狀態的轉換，帶有「使之自由」的隱喻。「人生這樣放」( Posing For Life)作為展覽的主軸精神，希望透過不定期推出「放」系列展覽，能暫時舒緩那股「永遠保持準備就緒」的緊張狀態，讓大家用藝術家各種「放」招式，繼續奔跑下去吧。

參展藝術家

“說出我、她、以及她們的故事”

我們不是男生們想的那樣│琳恩．弗里茨

琳恩．弗里茨 ( Linn Fritz）來自瑞典，為歐洲知名的動態圖像設計師，曾與Facebook、Google等知名企業合作。在她的「女孩」系列作品中，以純色、極簡、抽象形體勾勒出女性形體，隱含創作者對於社會對女性外在形刻版印象的一種抗議。這份替女性同胞們發聲的「抗議」來自她長久處於男性主導的設計圈中處於邊緣感與焦慮。圖像中的女人們以超大尺寸與不對稱比例表現女性身體的多元樣貌，強調她們的生活情境與主體身分。

我畫的是寂寞 │王立心

自遠古時代的面具文化、西方肖像畫傳統，至今日「臉性」社會中大量複製、生產、拆解人類的臉部，「臉」依舊是我們身上代表社會的那一部分，藉其來展現自我，亦遵循相應的社會規範。唯有一張臉與另一張臉目光交會，彼此交流之時，它才會成為一張「臉」。台灣當代藝術家王立心以蠟筆作為媒材，專注於人物肖像，但她未追尋西方消像畫傳統中那分相似性，捕捉生命的表情、召喚記憶並非她創作的首要意義。她以一種城市觀察者的角度，在「遊子」、「隱隱」、以及「國中女同學」三件作品，以近十年創作跨度，反覆探索在當代社會中，人在不同年齡、身分、情境下的心境轉折與群體疏離。

穿上文化這件大衣│何芝諺

印尼雅加達的何芝諺是東南亞新崛起的圖像創作者。熱愛以女性作為創作主題的她，創作中的女性圖像多為是她自身的寫照。在「雅加達天氣預報」這系列作品中，她結合手繪、拼貼、數位等多形式，佐以文字，表達出新世代對於性別、身分認同、在地文化等多方向的觀察。粗細不一線條中出女性陰性柔美的特質，並巧妙置入雅加達傳統服裝與熱帶國家的植物等圖像。創作者並非刻意置入「傳統」元素，而是探討當前新世代對以一種亟欲束緊，卻又想隨時從傳統中鬆綁的矛盾狀態。

“當我們被綑綁”

當我們在物質消費中建構出自我，得到短暫撫慰，卻也被焦慮與不安全感給綑綁。 

我和我的明星臉們│山崎詩詩

山崎詩詩（ Shishi Yamazaki ）為日本著名的影像創作者，以具細膩手工感的水彩逐格動畫作為獨特風格，為各大品牌如香奈兒競爭邀請合作。過往我們認為身分認同是固定不變的，但反觀今日，我們可以隨心所欲在虛擬和真實世界的身分建構中來回遊走。身分認同不再是閉鎖在我們身體內的固定物，而是可以透過虛擬分身來表演展演之物，就如同山崎詩詩跟她的身分們「詩詩女孩」（Shi Shi Girl）。如她所言：「我是『我』以及看起來像我的『角色』的混合體。」「滲透壓」系列自畫像作品，她透過「臉」來表現自我？亦或她的分身？當她的「臉」成為公共符號，為流傳被大眾消費之際，符號化的明星臉成轉化成一張面具。

誰說怪獸不會變老│蕭博駿

當代藝術家蕭博駿以 「寶可夢_」 系列作品反諷了人人瘋狂於「寶可夢」遊戲抓寶現象。在以敦煌石窟中藻井圖案謹然有序排列的畫面中，在「真實」世界中該擁有厚實乾淨的黃色毛髮的寶可夢，卻像是飽經風霜，有著被過度消費後的衰頹感。創作者以西方肖像畫形式讓寶可夢這個虛擬存在成為觀者凝視的對象，同時逆轉了圖像與生命之間的聯關係，另一方面，他亦描繪出從人類對於永恆不朽的追尋，已經讓位給當下實現滿足的消費文明的狀態。

超越古今－超Kawaii的文藝復興 │長尾智子

長尾智子（Tomoko Nagao ）出生於日本名古屋，生活並工作於義大利米蘭。她以融合奈良美智畫風與村上隆超扁平風格，發展出屬於自己的JapaPop微普普藝術語言，活耀於歐洲畫壇。

智子的創作取材自文藝復興、古典藝術大師，並結合代社會消費品牌與符碼，以「Kawaii化」的圖像方式帶出更多元化的思考角度，不再那麼純粹地崇尚商業主義或諷刺流行文化，而是宏觀地植入更多如全球化浪潮、環保意識等各種不同議題，這從根本上便有別於眾人熟知以安迪沃荷為首的美國普普藝術，或是村上隆這類近乎「快時尚」日本普普藝術有所區隔。

“當我們置身虛擬世界中”

捕捉想像的純真│胡容

胡容（Dung Ho）出身於越南順化，目前工作並定居於胡志明市。作為動畫師與數位插畫家，她喜愛在夢幻般的色彩中表現出孩童與女性形象，捕捉混沌世界裡的那份純真感，創造出的天真溫暖的力量消弭當代社會的負面情感，同樣喚醒觀者心中純真童趣。

使用科技，保持人性│強克亞．山姆

出身美國德州的強克亞．山姆（Junkyard Sam），為電玩遊戲與插畫藝術的跨界藝術家。他構築出一個全虛擬藝術造型世界，而這個世界中的奇異生物、小黃人軍團們有著各自的生命與任務使命。如果他停止創作的畫，這些人物的生命就停止存在。於是他持續創作，讓這些怪獸們可以持續它們的冒險。

作為電玩設計師，儘管他擅於使用各種科技創作媒材與工具，他仍堅持使用手繪上色。儘管作品可能有人為不完美之處，但每件作品就如同人一樣有其生命，「我無法把科技從我的生活和藝術創作中完全去除，不過我盡力要保持人性化！」

參觀資訊

• 展覽名稱 ：人生這樣放Posing For Life.
• 展覽時間 ：2019年4月25日至6月9日
• 展覽地點 ：放空間FUNSPACE │ 台北市松山區南京東路四段51號3樓
• 預約參觀 ： (02) 2545 -4366

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花王環保公益展首度從地面延伸到誠品R79中山地下書街，公益展演｢微笑心生活 一起做環保｣活動，也是一場綠光與創意共舞的展演。

｜生命光廊

透過花王國際兒童環境繪畫得獎作品，看見孩子對未來環境的繽紛想像。孩子的繪畫作品在層層綠線簾裡閃閃發光，民眾可以用雙眼和雙手來接近。

｜食物森林

以環保愛地球從台灣出發的概念，民眾可透過影像紀錄穿越場域，體會花王在新竹從種樹，保育，淨灘，永續到傳承環保理念的動人故事。

大小錯落的現代感圓柱將大地能量傳輸到地下街的設計意象，詮釋著企業願意將乾淨能量還給大地的態度和心意。

｜認識日常用品的生命週期
讓民眾瞭解如何在產品原料採購、製造、運送、消費者使用及廢棄個環節，節能減碳的可能性。

將畫作、繪本文字、品牌心意融合為充滿真誠對話的空間，每週末的手作體驗活動，開心參與，微笑滿滿，完整體現了微笑心生活，一起做環保的美好展演。週末並提供日用品包裝材料，免費體驗DIY手作包的樂趣。

整個四月Let’s ECO Together!大家一起漫步台北最美地下綠林吧～

資料圖片提供／花王(台灣)股份有限公司；蹦啾莉歐

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莫內曾說：「普天之下能引起我興趣的，只有我的畫和我的花。」他的花園是他最愛的模特兒，但他的人生一開始是沒有自然的，回首莫內走向繪畫這條路，毫無疑問，一切都是命中注定。

莫內15歲就擅長諷刺畫，他以速寫捕捉名人外貌特徵，再加以變形，畫得又快又好，很多人都前來請他畫肖像畫，讓他「不得不」把收費從10法郎一路漲到20法郎，一天可完成6到8幅，加一加幾乎是當時巴黎工人的10倍薪資，那雙手簡直是鈔票機。

年輕莫內對自己這項賺錢的本領相當得意，他也在當地的畫具用品店託售畫作。與此同時，後世稱為「天空之王」畫家尤金‧布丹（Eugene Boudin），也在那間店托售自己的作品。布丹是繪畫史上最早力行戶外創作的畫家之一，他看到莫內的優異資質，積極要他跟著一起出門寫生。但傳統風景寫生聽起來平淡無聊，不比畫針貶時事的諷刺畫刺激，年輕的莫內興趣缺缺。

要推一個人入坑，首先就要讓他快速嚐到甜頭。這個道理布丹似乎很懂，畢竟他就是靠這招把莫內（Claude Monet）攬入印象派當他下線的。

禁不起布丹再三邀請的莫內，跟著去幾次，結果就這樣迷上了戶外寫生。要怎麼能讓倔傲的年輕人，耐住性子發現光與自然的變化，方法是：趁黎明前出發，讓莫內的眼睛經歷黑夜到白晝的過程。經過布丹的啟蒙，莫內逐漸愛上戶外繪畫，並決定去巴黎習畫，並以此為終身志業。

莫內的父母原先要把家裡的雜貨生意交給兒子，現在莫內卻說要走向叉路，對他非常失望，不願贊助他實現夢想。但莫內有雙賺錢的手，19歲存到2000法郎，就帶著布丹的介紹信去到巴黎。

然而，19歲的少年來到繽紛的巴黎，享受到前所未有的自由，一下子就忘了初衷，沉迷時髦的娛樂消遣，不到兩年，盤纏就花得差不多，只能去回家當兵去。

但是你的就會再回來找你。當兵第二年，莫內染了風寒，在休養期間認識初具印象派雛形、畫風新穎的荷蘭畫家約翰‧容金（Johan Jongkind），布丹畫作即受他的影響。縱使身體還沒痊癒，莫內似乎記起了自己對繪畫的愛好，經常隨之出門作畫。

後來，家人態度軟化，讓他到瑞士畫家夏爾・格萊爾（Charles Gleyre）門下習畫，莫內和其中的年輕畫家們志同道合，人稱「巴蒂尼奧勒幫」，他們甚至辦了展，竇加、布丹和塞尚等人也都來參與。

由於畫風與當時的古典正統派的藝術風格相差甚遠，當時巴黎諷刺畫報《喧囂》刊登知名劇作家兼藝評的路易‧勒魯瓦（Louis Leroy）的特稿，描述跟當代名畫家約瑟夫‧文生（Joseph Vincent）參觀時，Vincent看到莫內〈印象‧日出〉的「心得」：「多麼隨心所欲，多麼運筆自如阿～連壁紙的初稿都比這幅海景要完整呢！」

如今在巴黎瑪摩丹美術館的這幅畫，怕是當時無法想像的天價了。藝術家的作品再怎麼鬼畫符，都不能小看啊。

最後再小小總結一下莫內走向印象派的旅程──無論想不想要、有錢沒錢、當兵生病，甚至作品被當壁紙初稿，都無法轉變他一輩子的畫家命，怎樣都會遇到印象派的人，還因此變成天王級人物，這不是命定是什麼？至於諸如你我沒有接收到任何神蹟神啟的，或許就得重新思考人生了。

文字資料／張志龍《繁星巨浪》（布克出版）

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第一眼看到巴西廣告天才兼藝術家Juca Máximo的作品，無論是海報或畫作本身，都會受到震撼。

Máximo在16歲展示了廣告天分，並就此擔任藝術總監。33歲愛上繪畫後，他在廣告創意中以各種繪畫方式，建立起自我的風格。由7名女性撫養長大的經歷，使他的成長過程充滿女性氣質，他的繪畫也常出現女性身影，並在其中表現獨特的活力與熱情。

在他的作品中，女性肖像常以大比例佔據畫面，其中大略可分兩種：一種以粗硬線條、大膽層次及濃烈色彩，描繪出華麗溫柔的肖像，作品展現了奇特的協調，並帶有迷人的吸引力。

另一種則是更富侵略性衝擊：以層疊的深色厚漆創造雕塑感，並與米色皮膚形成鮮明對比；或是以黑白作為主色調，使粗狂筆觸與柔弱女性造成反差，讓情緒從不同角度呈現的女性肌膚或臉龐流露出來。

Máximo表示，他尋求「作品帶來一種不舒服的感受」，這種感受可以引領人從外表深入，看到裡頭還有別的東西。憑藉著這些強而有力的畫面，Máximo得到拉丁美洲四大畫家的聲譽。

圖片資料來源／minus37、VISUAL ATELIER 8

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在這個「男神」、「女神」已成為娛樂綜藝流行用語的現在，發出「米開朗基羅真是神」的讚嘆，反而像是詞窮了。

《大衛像》( David, 1501-1504 ) 很有名，《創世紀》( Genesis, 1508 -1512 )也是，網路上隨便一搜就是大把的圖片，但親眼目睹的話，會是什麼樣的風景？

《大衛像》有五公尺多，凡人只能仰望。也只有仰望，大衛才完美，因米開朗基羅就是設想了觀賞的視線，將大衛的頭部與左手比例放大；近年坊間津津樂道「大衛的瞳孔是愛心形」，精確來說其實是馬蹄的印痕形狀，這奇特的鑿痕，使得大衛的雙眼能隨著光影發射出堅毅銳利的注目視線。

被這個身形巨大的英雄盯著看是什麼感覺？我難以想像。就像若有一天能走進《創世紀》所在的西斯廷禮拜堂大廳，被這複雜壯麗的巨型壁畫包圍，又會是如何地震撼？我真的不知道。

Genesis 01《創世紀》是米開朗基羅在西斯廷禮拜堂大廳天頂的中央部分按建築框邊畫的連續9幅宗教題材的壁畫。

當米開朗基羅被譽為藝術史上最偉大的藝術家，甚或是神選之人時，我或許濫情，總之一點也不覺得過譽。這不只因他不可思議的才華－開始雕刻《大衛像》時他才26歲，而《創世紀》則是在33歲時開始。且集雕刻家、畫家、建築家和詩人於一身各領域都出色，也因他ㄧ生都似在超越人與神的邊界。

在此我先挑出他星盤中的「太陽與冥王星」來聊聊。雙魚座的他有著珍稀的大風箏相位－軸心的兩端點是雙魚座的太陽、火星，與處女座的冥王星。是個不斷透過作品來挑戰神之地位的創造者，這在當時是不得了的事。

他身處在宗教與上帝主宰一切的時代，人人權威是從，但他卻在作品裡脫去了耶穌、聖母、使徒們的衣服，甚至把現役教宗、司儀的臉，移花接木到壁畫中的聖經角色上，讓他們被剝皮、被蛇咬，然後比照辦理，全部都裸體。想當然引起了激烈的爭議，但他本人表示：這只是把人還原到最初，不論是神還是人，最初我們都是衣不蔽體的啊？像這樣使用令人屏息的藝術作品、華美的言語、帶著神意的軟釘子來推倒權威，彷彿讓人看見太陽雙魚座的幻術威力，以及冥王星處女座的內斂革命風格。

據說他在進行《創世紀》時，即使不習慣溼壁畫技法（在建築牆壁的濕灰泥材質上的作畫技法），依然辭退了絕大多數的助手，只留下幫他抹灰泥、和顏料的人，並且用布遮住畫作，四年間幾乎獨自一人埋頭工作，不洩漏一丁點畫作的長相。這也非常有冥王星孤絕秘密的行事作風。

關於他身上的冥王星，除了挑戰極權之外，他亦相當關注死亡與神性的連結。關於這個部分也十分精彩，估且容我留待下集繼續。

米開朗基羅的所有作品，至今我仍沒有機緣親眼目睹，據說站在他的作品前，「雙腳無法動彈，口舌失去言語」乃是真真切切，絕非浮誇的形容。我想，這也就是目睹神蹟的時刻了。

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2019台灣文博會邁入第九年，即將在4月24日盛大登場！今年主題為「Culture On the Move—文化動動動」，展場設計突破以往──沿著台北舊鐵道線，橫跨5大展區，就要在12天內以城市為舞台，擾動你對文化的思維與想像！　

演變舞台‧編輯地方｜華山1914文創園區

華山有兩大文化概念展區：「演變舞台」打破前後台界線，展場即是表演場，動員29個團體、超過40場跨界演出，如布袋戲大師陳錫煌x新生代台味搖滾樂團「拍謝少年」合作打造野台大戲；金曲獎最佳新人以莉高露x同根生樂團，演繹最真誠純淨的土地之音。

另一主題「編輯地方」，策展人王耀邦、游智維、方序中、游適任及舒米恩，深入桃園、臺南、屏東及臺東調查風土地景。特別策劃的地方誌「本地The Place」，更要挖掘出屬於地方「最野最現代」的一面。另外還有以「茶3.1415」為題，將茶文化演變的時空路徑作為端點，論述生活中的工藝百態。

除了豐富的展覽之外，「山海廟集 大好辦桌」市集，則集結「編輯地方」4個城市的24個品牌，包括桃園的野上麵包店、台南的阿霞飯店、屏東的福灣巧克力等在地好味道，以廟埕熱鬧辦桌的型態與大眾共享。

Hi, Story 過去未來｜松山文創園區

做為「博覽會」文博會商展區一環，松山文創園區預計與花博爭艷館，強力展現超過570家設計及圖像授權品牌能量。

松山展區今年特別以時間軸串連5個類型不同的博物館：國立臺灣博物館、國家人權博物館、國立臺灣歷史博物館、國立傳統藝術中心、國立臺灣史前文化博物館，推出「Hi, Story 過去未來」博物館聯合展區，從史前文化、台灣歷史、政治軌跡到常民生活，表現過去成就當下與未來，同時透過數位與科技展示手法，達到未來博物館的想像與示範。

Talent 100｜花博公園爭艷館

同樣做為文博會商展區，花博公園爭艷館規劃「Talent 100」展區，以平面結合AR呈現參展者的創作圖像，藉以展現圖像創作的多維度及無限可能。超高人氣網紅IP「黃阿瑪的後宮生活」、介紹冷知識的插畫創作團隊「怪奇事務所」及「黑啤與皮下組織」也等你來同樂。

文化大學堂｜空總當代文化實驗場

空總作為文博會五大場域之一，以「混水釣蝦場」為題，規劃了釣蝦系列活動，就是要邀民眾來痛快釣蝦！並且在活動中舉辦展覽、論壇與工作坊等活動，打造多元討論及思辨學習空間

NEXT鐵道博物館｜臺北機廠鐵道博物館

打開靠近松山文創園區之局部圍牆，透過大型看台裝置與策展空間，讓民眾一覽台北機廠全景，看到過往時空軌跡並想像未來城市面貌。

除了以上5大展區，另加入位於舊鐵道廊帶起點之「國立臺灣博物館─鐵道部園區」及「臺北流行音樂中心」各據點，打造「文化創新廊帶」，除了深度展現在地文化風貌，更吸引國際品牌同台較勁，並藉透過深化策展主題，匯集台灣的文化創意力量，朝亞洲最具思考力的展會前進，進而向世界發聲。

圖片文字資料來源／2019臺灣文博會

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今春香港蘇富比拍賣，在時程上與亞洲地區最具指標意義的HK Art Basel恰好同步，一定程度上也造成了一、二手市場的互相觀望與影響，但最終蘇富比春拍依然開出了總成交額高達37.8億港元（以下幣值均為港元）的紅盤，也寫下亞洲蘇富比歷來第二的紀錄，成績斐然。且其中共有六件拍品破億，不但印證了亞洲藝術市場的多元開放與雄厚實力，也頗有宣告藝術收藏新世代正式來臨的意味。

若從這幾件破億拍品來看，吳冠中《荷花（一）》以1.3億元成交、紐約所羅門·R·古根漢美術館（The Solomon R. Guggenheim Museum）舊藏之趙無極1958年作品《無題》以1.16億元拍出、趙無極《15.02.65》以1.02億元成交以及張大千1969年的潑墨潑彩作品《伊吾閭瑞雪圖》以1.62億元易主等，都是現代藝術與中國近現代書畫拍場中經常以常勝軍姿態出現的名字，獲致如此拍賣結果想來對多數人而言已是司空見慣，絲毫不會感到意外，只是再一次確認這些名家深厚的藝術市場支撐能力，說明了只要拍賣公司有本事徵集到精品大作，藏家自會爭相而來。

｜潮流藝術席捲，年輕藏家進場

然而，在這次香港蘇富比春拍中最見驚奇的，莫過於與日本潮流教父NIGO聯手在4月1日愚人節登場的「NIGOLDENEYE® Vol. 1」專拍。這場未演先轟動的大戲，果然不負眾望，場中33件拍品一件未留，不但為拍賣官贏得了白手套的殊榮，全場更拍出高達2億2,000萬元亮麗成績，尤其原本預估價只在600萬到800萬元的《THE KAWS ALBUM》一作，更是令人大感意外地突破億元關卡，以超過估價十數倍的1億1,600萬港元易主，創下KAWS的世界拍賣記錄，甚至連走紅多年的草間彌生跟奈良美智都被海放，充分展現了潮流藝術的驚人魅力。

拍賣結果一出，立刻引發全球熱議，除了針對多重擬仿的此作是否具備藝術原創性的討論，世人也紛紛猜測買主到底是隨即在網上秀出作品圖的歌手小賈斯汀（Justin Bieber），還是近來頻頻出手，大手筆買下包括巴斯奇亞（Jean-Michel  Basquiat）等人作品的日本最大時尚零售網站ZOZOTOWN的創辦人前澤友作（Yusaku Maezawa）……不管真正的買家是誰，都替當代藝術市場的未來走向投出了一記強而有力的變化球。尤其值得注意的是，進到此一專場競舉的買家，竟有將近一半是40歲以下的年輕族群，而且不少還是第一回參與拍賣。對他們而言，在沒有價格包袱的情況下，如何與父執輩的收藏品味做出區隔，才是目前的首要之務；而KAWS塗銷、竄改既有卡漫人物形象之舉，或許恰好滿足了他們心理層面反抗父權的需求與想像，再加上眾多擁有高知名度的偶像藝人推波助瀾下，KAWS儼然當代藝術市場的新興救世主。只是令人好奇的是，在這個變動劇烈的數位時代下，他能坐在王位多久呢？

圖／香港蘇富比

藝事廳

不論事情大小、情節輕重，抑或展覽生態、市場趨勢，皆有可談可議之處。 
是以成立「藝事廳」，歡迎各方人士前來共議同論。

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法國藝術家Juliette Oberndorfer的插畫作品，多描繪神祕森林中的動物。雖然Oberndorfer的創作看似手繪，但其實是以數位方式建立。她時常以霓虹系的粉色、玫紅、淡紫，與綠松石藍等色調相偕，在深色森林的映襯下，顯得鮮豔妖麗，並在這大膽卻和諧的綺夢色調中，展現了流暢筆觸及豐富細節。

Oberndorfer筆下的動物多是森林走獸，或是帶有原始氣息的神獸，形體極簡，帶有意境，作品裡偶有女性與這些野獸相遇情景，彷彿在訴說一個迷人故事──關於人類與野生動物共存的秘密世界。

除了數位插畫，Oberndorfer也將她自然綺麗的世界實體化成剪紙、刺繡、羊毛氈、陶塑作品，以不同形式呈現其獨特色調的動物，以及夢幻恬靜的氛圍。

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圖文來源／My Modern Met、Instagram

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在上篇，聊到了米開朗基羅身處在宗教權威至上的時代，卻用藝術挑戰了人與神的邊界，不斷雕著神、畫著神，同時也從中詮釋何謂「人」——人性中的偉大化為理想中的英雄，人性中的醜陋也存在於神殿中。

若將人性的光明與黑暗，對應到生的本能與死的本能（在此借用了佛洛伊德的理論），米開朗基羅以「聖殤 Pietà」為題，留下了四件作品。透過「聖母瑪利亞懷抱著耶穌的死去」這個「名場面」，表達了內心的光明與黑暗。

米開朗基羅的冥王星舉足輕重，當他選定聖殤作為重要主題時，冥王星所關注的生死哲學似貫穿其中。深切探討死亡時，或許總是在尋求什麼是不滅的？什麼是從死亡中生生不息的？

米開朗基羅完成第一件「聖殤Pietà」時，只有24歲（1498-1499）。這是他的第一件大型雕刻，也是成名之作，接收到的讚賞與討論沸沸揚揚。無比冷硬的大理石竟能有著彷彿觸摸得到的皮膚彈性、肌肉溫度、衣著皺摺，同時肢體佈局精心安排幾近完美，卻依然真實自然，使人有如親臨神聖的悲劇現場。而當中最令人驚豔的，是他的情感詮釋。有別於傳統上其他藝術家讓悲傷的母親哭紅了眼、淚流滿面，米開朗基羅給了聖母哀美內斂的面容，就連耶穌甫從十字架上褪下，負著傷痕，也有如熟睡般平靜。這樣的聖殤是因實現了崇高理想死去，是依著使命，將自己全然交付出去的極致大愛。

但這個詮釋，隨著歲月增長，有了變化。當我們感覺距離死亡很遠時，它可以很美，然而當生命被分解、破壞的力道就算再迂迴亦持續增強時，讓人不得不陷入沈思。或許是這樣的沉重，讓米開朗基羅70歲左右再作「聖殤florentine pieta」時，細節不再精緻華美，面容最清晰的是耶穌背後的一位年長男性，疑似是他本人，低頭凝視。

再過十年後，聖母慟子已不再平靜，哀傷憐惜溢於言表，耶穌上身魁梧（尤其是右手）但下肢孱弱，作品細節更少，情感卻更沉重。至於他87歲臨終前仍持續雕鑿的那最後一件，幾乎是粗胚，耶穌的右手已脫離身軀，聖母也不再吃力托扶耶穌，只見兩個修長的人形，一同輕盈地往上升起。

我在找尋資料時，一時興起，查了耶穌的星盤，據說祂其實是誕生在二月的雙魚座。不只是和米開朗基羅同星座，星盤中也有相當類似的配置－兩人都是太陽火星合相在雙魚座、都與落在處女座的冥王星對分相、與海王星三分相，水星也都在水瓶座等等。這樣的巧合讓我不禁驚呼真是「命中注定雕塑祢」。

人的一生可以說是生與死及其象徵的拉鋸，我想米開朗基羅的偉大之一，是將這一切的樣貌，化為宏偉壯麗的悲劇和絕美，千古流傳。他的精神悟性與技術成就都太神，使世人因而能見識到什麼是神。

圖片來源／WikiArt.org

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想到毛氈作品，主題大多是療癒力滿點的小貓小狗和兔子熊貓等，現居溫哥華的日本藝術家Hiné Mizushima，偏要做蟬、草履蟲和海蛞蝓！

但是，Mizushima手工縫製的多彩毛氈作品，還是能以馬卡龍般的柔和色彩，以及精緻可愛的造型，讓各種單細胞生物、蟬、水蚤、水母、魷魚等毛氈界的不尋常生物，呈現討喜的一面。如果細看這些作品，能發現它們是以刺繡、縫合和鉤編等不同技巧製成，再添縫胸針、固定到掛畫或加上玻璃鐘罩，甚至放進培養皿裡頭。

除了做毛氈，主修日本傳統繪畫的Mizushima，也創作微型拼貼畫、插畫，還會源自江戶時代青森縣津輕地方的小巾刺繡（Kogin），更是個定格動畫師！她為美國搖滾樂團明日巨星合唱團製作的MV，即結合了刺繡與動畫兩項特長，做出風格別致富童趣的動畫作品。這個自稱「慢手工藝人」的日本女孩，正帶著數把刷子在國際間創造屬於她的可愛世界。

圖文來源／COLOSSAL、Hiné Mizushima

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