彩色絲線加金屬 Laura Baverstock繡出超華麗昆蟲與動物

August 15, 2019, 6:44 pm

城市美學新態度

現在有愈來越多人投入刺繡藝術，每個人所擅長的表現方式也不盡相同，且各有特色。倫敦刺繡藝術家Laura Baverstock則是使用貴重金屬跟彩色絲線繡出栩栩如生的生物，讓每個手工繡出的昆蟲與動物彷彿穿上閃閃發光的華服，像是以繽紛的絲線繡出蜜蜂毛茸茸的外型跟彷若薄膜的翅膀，或是用金屬線表現雄獅霸氣金黃的鬃毛，細緻的表現方法把刺繡變成了華麗的工藝品。

Baverstock嘗試突破刺繡只能平面展示的限制，專注研究立體手工刺繡的變化，在風格跟取材上則是受到風格上則受自然主義和現實主義影響，因此她的作品也以自然界的生物居多。

Baverstock的作品不管在視覺或是觸覺都極具3D立體感，除了選用適合的絲線之外，她也特別注重構圖跟色彩的搭配，因此她的作品除了手工的細緻感之外，更多了幾分生動的姿態。

Laura Baverstock曾在英國的皇家針線學院求學，並獲得手工刺繡學位，同時也是一名插畫家。她除了刺繡創作之外，也參與了電影跟時尚業。而她的刺繡功夫還獲得奧斯卡提名認證過！在電影《雙后傳》（Mary Queen of Scots）當中，兩位女王服裝上的刺繡花紋，也有她所製作的作品。電影中那些無比繁複的宮廷服裝，都是從女王的畫像、珠寶、蕾絲、絲絨、來取材，再透過Laura Baverstock的靈巧雙手展現當年精緻絕美的刺繡工藝，讓人不得不佩服啊！

圖文來源／COLOSSAL

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墨西哥建築師回收塑料　打造意義非凡的藝術海浪

August 15, 2019, 8:41 pm

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海洋垃圾的問題已日益嚴重，連在遠在北極的浮冰都發現五顏六色的塑膠微粒，許多藝術家跟建築師都在思考如何把塑膠廢料再回收利用。

墨西哥每年至少產生50萬噸的塑料廢棄物，然而這些廢棄物幾乎都流至大海中，ulf mejergren建築師（UMA）認為有必要解決這個問題，於是收集了大量的塑膠瓶，打造出一個外觀與眾不同的藝術學校。

設計團隊把塑膠瓶重新塗上藍色、青色跟白色之後，再穿過彎曲成不同角度的鋼筋，靠近地面的瓶子則利用水泥或是沙子填充，確保塑料瓶的穩定。乍看之下以為是巨大的柵欄，遠觀才發現是驚人的塑料海浪！

這面高大富有表現力的塑料海浪，為藝術學校打造全新不同的外觀，同時也有遮擋雨水跟陽光的實質功效，還能回收再利用製成學生們的桌椅。

設計團隊希望透過這次的改造計畫，不僅能刺激人們的好奇心，也為孩子們的成長提供一個鼓勵創意的環境。當人們每次經過這片藝術海浪時，同時提醒了大家這些塑料瓶是從哪裡來的，不要忘記塑料垃圾正在破壞我們的海洋環境！

圖文來源／designboom

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蒐集「寶可夢水溝蓋」，玩家打卡日本最佳理由

August 18, 2019, 8:01 pm

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日本每個城市的人孔蓋各個不同，常常能顯現出當地的文化，由於時常會有新設計，是觀光客會特別注意甚至蒐集的項目。現在到日本一些地方，能看到特設人孔蓋，上頭有了寶可夢角色！

日本為了振興觀光，與寶可夢合作了「寶可夢當地Acts（ポケモンローカルActs）」活動，製作具當地特色的水溝蓋，吸引人們到一些比較不知名地區或嚴重受災區旅遊。岩手縣應援的是一樣是岩石的「小拳石」，香川以特產「烏龍麵」派出發音相似的呆呆獸，鹿兒島則是伊布，至今已有13個縣市加入行列，預計會擴大到全日本。

這些寶可夢水溝蓋不僅設計吸睛、能打卡，《Pokemon GO》內甚至設置專屬補給站，圖樣也是這些特設人孔蓋！這些獨一無二的水溝蓋圖案和它們的準確位置，都公布在官網上，讓人方便去尋找，你準備好去蒐集了嗎？

圖文來源／MY MODERN MET、Instagram

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相機撞上數位編輯，甜甜的視覺糖果一口接一口

August 19, 2019, 12:32 am

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過葡萄牙攝影師Teresa Freitas的眼睛看世界，就像走進糖果般的仙境。她憑藉柔和柔和的色調和富有想像力的構圖方式，不斷增加的旅行攝影作品，用鏡頭捕捉到每個地點的魔力。

Freitas在大學二前即開始便對攝影和創意編輯方面有著極大的興趣。在此期間，她使用黑白電影拍攝肖像畫，但她的風格很快演變成她今天創作的彩色數位照片。從聖彼得堡的軍事遊行到布達佩斯的溫泉浴場，她異想天開的畫面與色調看起來就像是「布達佩斯大飯店」的場景一角。

Freitas以數位技術編輯照片，實現她獨特的柔和色調美學。「當我旅行地點越來越多時，便開始意識到我們可以用多少顏色來塑造一個圖像，並給一個地方帶來一種微妙的陌生感？因為它不會同時存在，」Freitas告訴我們她的想法。「我總是被繽紛的顏色所吸引，所以這不是我有意識決定的方向，而是一個自然的結果。」

圖片文章來源／My Modern Met

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鏡頭拍不到的地方，才有真正的我─荒謬幽默的證件照攝影

August 19, 2019, 8:29 pm

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證件照裡的我們，看起來都是正襟危坐地看向鏡頭。然而，在這個只有顯示頭部到肩上、被嚴格規範的局部攝影，能代表你我的真實模樣嗎？

倫敦藝術家Max Siedentopf顯然對小小鏡頭以外的世界很感興趣。她看著證件照那些表情莊重、摘下眼鏡或飾品等能展現個人特色的圖像，決定為這些無法展露自我表達的無聊呈現，創建一個「事實」場景，於是以其奇特的幽默打造出Passport Photos系列攝影作品。

在Passport Photos中，Siedentopf讓招募來的人維持面部表情的平靜，每一張都是標準證件照的模樣，但在這之外，他們正專心在平衡手臂上的酒杯、被用膠帶貼在牆壁上，甚至其實被攝者眼前地板正著火。

Siedentopf的這系列作品畫面簡潔，卻能利用衝突且帶有荒謬的形式，將證件照外的世界展現出來，以不尋常的日常傳達出人格特色。如果是你，會怎麼設計自己的場景？

圖文來源／Max Siedentopf、COLOSSAL

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爆出清涼暢快的全新體驗，超大戲水城堡攻佔台中

August 20, 2019, 11:45 pm

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炎炎夏日想和全家大小一同玩水，卻擔心泳池人擠人，戲水花樣選擇不夠多嗎？距離台中市區最近的全新複合式超大戲水城堡，大開城堡門邀您一起消暑共度歡樂親子時光！

2019 唯一在台中市內的全新複合式戲水城堡，除可享受定時水炸彈醍醐灌頂的清涼透徹快感，還有360 度刺激旋轉水滑梯讓小朋友在滑水時有錯失方向的感覺也不可錯過，期間更準備多款戲水道具像是獨角獸游泳圈、海盜船造型水上氣墊及水槍讓大家玩得不亦樂乎。特定的周末還準備了人氣明星小美人魚和冰雪奇緣主題舞蹈秀讓小朋友跟著音樂一起舞動，瞬間忘卻夏日的煩悶暑氣，也可隨著輕快的音樂與超嗨的鯊魚和恐龍互動遊行，玩累了還有泡泡星球歷險記讓大小朋友沉浸在夢幻泡泡世界裡。

Dali Art 藝術廣場是大台中地區最受矚目的新型態生活廣場，瞄準時下人們對生活風格的日常需求，與啟發孩子的品味與美學想像，Dali Art 藝術廣場致力於營造友善的親子活動場域更以寓教於樂為出發點，不論是靜態的知識型講座，亦或是動態親子遊樂設施，如此多元的親子活動期望能陪孩子一同體驗生活中的美好，傳播美學種子讓孩子浸染在美學生活裡，讓孩子們來到園區不只能享受親密親子時光，還能從中學習到不同的知識啟蒙孩子的美學能量。

｜活動資訊｜
活動期間：2019.08.17(六)~2019.09.30(一)
活動地點：41267台中市大里區科技路1號
活動時間：平日：11:00am ~ 20:00pm (18:30 最後售票時間)
假日：10:00am ~ 21:00pm (19:30 最後售票時間)
票價資訊：平日 150 元；假日 200 元
主辦單位：Dali Art藝術廣場
官方網站：https://www.daliartplaza.com.tw/
粉絲專頁：https://www.facebook.com/www.ideasoft3d.net/

圖文提供／ Dali Art 藝術廣場

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現代極簡金蕉色列車—旅美設計師江孟芝打造移動式集集美術館

August 21, 2019, 12:30 am

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旅美的台灣設計師江孟芝，不僅在德國紅點傳達設計大獎、美國IDA國際設計獎、義大利A’國際設計大賽等國際設計賽事得過獎，也是暢銷作家及紐約視覺藝術學院研究所講師。這次，出身屏東的她，為集集設計彩繪列車，首創全台灣第一座移動的美術館，在本月20號燦亮曝光！

搶眼大器的極簡金蕉黃

江孟芝以在地文化、大膽創意、減法美學做為創意主軸，收藏集集線所有的美，打造前所未有的風格，要將彩繪列車提升到美術館的層次。列車車體大膽選用「金蕉黃」重新對每個角落進行全面改造，這是台灣車廂內裝首度百分之百被單一顏色所包覆，整體顯得簡潔大氣且視覺強烈，讓整部列車猶如一件藝術品，馳騁在二水與車埕的山嶽之間。

江孟芝選用的金蕉色，象徵集集的經濟作物山蕉、石虎重要棲地的暖黃，更是集集支線的火車車頭、車廂顏色。一種顏色，即把集集光輝歲月連綿交織在一起，在1999年921大地震後二十年的今天，再度呈現集集黃金年代的輝煌。

以設計連結在地人文自然

以顏色連貫的車廂時空中，內部的車頂天花板有集集線的時間年表，年代的演進會隨著列車前產生速度感，與地板的香蕉線條交相輝映。與此同時，座椅椅套也全新換過，採用香蕉果肉的粉嫩白色。並在座椅上放置以假亂真的特製報紙，添增日常火車旅行空間氣息。報紙上的二十年前921新聞，與現今集集耀眼蛻變的報導相輝映，呈現出這個從裂痕淬煉出的小鎮金黃歲月，期待民眾能坐下來細細體會與感受。

車廂間的拱門，則是訴說集集線從集集車站、車埕木業展示館到添興窯陶藝村等20種在地浪漫。而在車廂內前車門上，仿日本時期風格的懷舊時刻表與集集線路線圖，則是可供民眾當場查詢列車班次的真實時刻表，讓現代從歷史中接軌前行，既實用又饒富趣味；車廂內後車門，江孟芝列出大人小孩都該知道的簡單香蕉小常識，讓集集美術館之旅，除了人文教育，更添增人們對在地自然物產的認識。

驚喜彩蛋設計藏巧思

值得一提的是，由於集集有「石虎娘家」美譽，設計師讓石虎在車廂間神出鬼沒，無論你是坐在窗邊或站在門旁，都可以找找俏皮可愛的石虎是不是就在周遭，並提醒自己對自然萬物的敬重。

除了可以在集集美術館裡找石虎，如果拉開車廂內的鵝黃色窗簾，還能撞見個可愛彩蛋——當地名產「香蕉冰淇淋」圖樣。這也是設計師自推的必看設計之一，下次搭乘時記得拉一下窗簾，看看這個隱藏版的可愛巧思！

江孟芝認為，她這次設計的國立集集美術館，以多樣的集集風貌，突破列車設計，打造連結集集過去回憶與未來展望的橋樑，代表了即使受到天災襲擊，台灣人仍越挫越勇、再創奇蹟的堅毅精神。

「國立集集美術館」全部4節車廂，預計於今年9月底以前完成，未來1年這輛彩繪列車將加入集集支線行列，到時候一起去搭車朝聖，並感受經典小鎮之美！

圖文來源／江孟芝facebook

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海漂物的新生命 Kirsty Elson化腐朽為神奇

August 21, 2019, 9:20 pm

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有參加過淨灘活動嗎？在沙灘上常常會看到各種海漂物，腐朽的木頭、髒污的瓶蓋、折斷的樹枝、生鏽的釘子等等，這些東西在大家的眼裡，應該都算是垃圾，但在英國藝術家Kirsty Elson眼中，這些都是藝術創作的材料。

Kirsty住在康沃爾海岸邊，因此很容易收集到這些別人眼中不要的海漂物，她最擅長利用漂流木、貝殼跟其他海漂物，手工打造出各種造型的木頭小屋。Kirsty將這些物品重新清洗跟整理，在過程中會使用少量的油漆幫漂流木上色，而原本髒污的瓶蓋可以變成燈塔屋頂，生鏽的釘子則是屋頂上的煙囪，就連貝殼都成了小船，在她的巧手之下，這些海漂物都被拼接成一間間有著古拙造型的海濱小屋。

Kirsty曾說「漂流木的好處在於每個型態都是獨特的」，她利用這些漂流木原本的造型，重新拼接出適合的模樣。正因為如此，她的每件創作都是獨一無二的，世界上不會有第二個相同的手工作品。

漂流木、鐵釘、插頭跟貝殼，加起來就是深海中的鮟鱇魚，被丟棄的木刷跟勾環，則化身為逗趣俏皮的海馬，看著這些樸實的手工品，是否能想像原本都是海邊的垃圾呢？在藝術家的巧思之下，本來要被丟棄的海漂物，成了能療癒人心的作品，很神奇吧？

圖文來源／COLOSSAL

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白雪公主、小美人魚、愛麗絲，全變古裝美人？Nayoung Wooh的韓系西洋童話插畫

August 22, 2019, 1:44 am

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迪士尼近年展開系列經典重拍，或有非白人扮演中東人等爭議，但你能想像東方臉孔、穿著韓服的美人魚或其它公主嗎？

Nayoung Wooh,迪士尼,童話,插畫,韓國,韓國傳統服飾,宮廷,韓國古裝,動漫,動畫

韓國插畫家Nayoung Wooh，又名obsodian（黑曜石），主修國畫，在韓國遊戲大廠Nexon工作的背景，喜歡韓服的她，擅長將韓國傳統文化素材轉變成現代東方動漫風格，整體視覺柔和典雅又吸睛。

她最有名的創作即是「Fairytales」（童話故事）系列，以韓國古裝風格延續著名主題及配色，巧妙再現迪士尼等經典童話的主人翁及場景。Wooh原先是想以韓國民間故事製作插圖，然而她又認為其中沒有新意，「西方的童話故事怎樣？」她突然靈機一動，便撞擊出這系列令人眼亮的插畫，你看得出來以下畫面，源自哪幾部經典的轉化嗎？

除了將傳統人物服飾置入意料外的西方場景，Wooh也為動物們或電影海報人物穿戴上了韓國傳統服飾，讓他們呈現出其獨有的典雅氛圍。現今，她更進一步開立線上課程教導人們繪畫，要讓東方傳統之美深入走進更多人的世界。

圖文來源／KPOP HERALD、HITEK.fr、Wooh Nayoung facebook

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親愛的，我把風景馬賽克了！模糊焦點讓柴米油鹽變浪漫

August 25, 2019, 9:21 pm

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常使用電腦繪圖的朋友們應該對於dpi（點陣數／inch）不陌生，dpi數越高，畫面越清晰；反之，畫面不但越模糊還會出現色塊方格狀。英國藝術家Jason Anderson傑森・安德森將dpi 原理使用在油畫上，他將日常景觀像素化後，加上柔和色調使作品呈出現抽象的城市景觀。

安德森最初的工作為大教堂彩繪玻璃的修復師。他曾說，在彩色玻璃設計和修復中的拼圖訓練使他完成這樣的作品。

每件亞麻畫布的作品都會有一個亮黃色的焦點，通常代表日出或落日。安德森平衡了自然和人造，主要是基礎設施 – 船舶，遊艇碼頭，火車，建築物 – 在每個柔和的霧霾中看起來很小而且很遙遠。

圖文資料來源／COLOSSAL

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復古相機與搭景都備好了，你想拍哪一款？韓國藝術家手工摺疊精細多彩模型

August 25, 2019, 10:49 pm

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只要給韓國藝術家Lee Ji-hee幾張紙，她作出的模型一定會融化你我的心。

Lee最有名的是復古相機系列。五顏六色、不反光、有點厚度的紙，經過她精細的手工摺疊與切割，製作各種經典型號的復古相機。這些相機造型優雅，色彩圖像更是令人驚豔──Lee不囿於實物的黑白主調，為老式機器打造出華麗吸睛新靈魂。

而她對色彩配置的天賦不只展現在相機主題，也為客戶創造了食品、居家用品、汽車等領域主題。她以鮮麗單色為背景，讓模型搭配各種對比的顏色，讓作品無論是單看或在整體場景的襯托下，都比實體來得精緻豐富且和諧。

除了色彩，Lee的每一件作品同樣有著精緻細節。它們或以不同的紙質打造質感，或以藝術家特有的觀察力，展現作品的真實度或趣味性，例如起司披薩的拉絲、保有微彎綠蒂的番茄、有著細緻孔洞呈現的家電或編織品，甚至插頭連結線也不是單純一直線，而是與實物相同有著特殊處理等等。

看了她的作品，你是否也躍躍欲試，想為喜愛的作品來做個紙模型？

圖文來源／COLOSSAL

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海平面以下的黑白生活　攝影師Christian Vizl的沉默王國

August 26, 2019, 2:05 am

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我們對於大海總是有著無止盡的想像，海平面以下的生活更是讓人好奇，迪士尼卡通的小美人魚公主，有著多采多姿的海中夢幻生活，那麼，褪去顏色的海洋世界又會變成什麼模樣?

墨西哥攝影師Christian Vizl從小就被海洋世界所吸引，他也常常想像在海浪底下的世界，如果有一天海水都消失了，所有生活在其中的生物都靜止不動，那他就可以悄悄地走進靜謐的大海之中，近距離觀察他喜愛的世界。

為了實現這個夢想，Christian Vizl從十幾歲時就拿起相機，學習關於攝影相關知識及技巧。直到2010年，他跟一位水下攝影師一起潛水之後，才發現原來他所熱愛的海洋跟攝影可以結合在一起，這激發了他對於水下攝影的熱情。跟其他色彩絢麗的水下攝影作品不同的是，Christian Vizl受到黑白攝影大師安塞爾．亞當斯（Ansel Adams）和亨利．卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）作品的啟發，堅持使用黑白攝影風格為他鍾情的海洋王國留下影像紀錄。

Christian Vizl專注拍攝當下的情感表現，希望讓觀看照片的人能有深層的共鳴。對他來說，黑白攝影更可以凸顯照片的主角，如何運用自然光線創造出富有戲劇效果的成果，讓作品情感更加豐富，一直是他努力的目標。

他曾表示「就像詩人用文字創作詩歌一樣，攝影師用光來創作圖像。」Christian Vizl認為黑白攝影是實踐這個目標的最佳方式。

Christian Vizl曾為了拍攝美洲鱷的特寫照片，在毫無任何安全裝備的狀況下，在墨西哥海域潛水一整天，然而對他來說，這只是他熱愛水下攝影的生活日常之一。

對於海平面以下的生物，不管是世上最小的魚，或是最大的鯨鯊，Christian Vizl對牠們有著無法想像的喜愛，他說「我對於拍攝工作樂在其中，同時也願意花上所有時間與任何類型的海洋生物相處一整天而不厭煩」。

但在Christian Vizl多年的水下攝影生涯中，他心痛的發現，這片浩瀚無垠的蔚藍王國，目前正面臨著前所未見的危機，人類的過度捕撈，污染，塑料，輻射，以及自然氣候變化等等，讓這些美麗的生物一步步被推向瀕臨滅絕。Christian Vizl希望透過他的作品，讓人們不僅能看到海洋世界不為人知的一面，還能同時提高對海洋環境問題的認知。

圖文來源／ MY MODERN MET

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神祕學觀藝術　聚光燈之外─ 竇加

August 28, 2019, 3:18 am

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芭蕾舞，作為一種象徵著古希臘式美感的舞蹈，從古至今，其姿態印象不脫優美典雅一路，舞者恪守著肢體交疊延展的特定角度，在舞台上彷彿不受地心引力牽絆，輕盈如化羽成仙，絲毫不見吃力，而那些舞台下近乎冷酷無情的訓練，則被嚴密地藏進鞋裡的血與繭。這樣的反差，我想很適合拿來映照這位以芭蕾為主題聞名的畫家——竇加（Edgar Degas, 1834.07.19- 1917.09.27）。

有時我們會在表演廳或舞蹈教室一類的地方，看見竇加的畫作懸掛在牆上。比如 “ The Dance Class (1874) ” 或 “ The Dance Foyer at the Opera on the rue le Peletier (1872) ” 用色大膽優美，構圖精妙絕倫，多少世紀過去了，還是令人望之興嘆，許多人認為是竇加帶他們領略了芭蕾之美。然而，若深究下去，關於那個時代、關於畫面中暗藏的黑影、關於竇加這個人以及其他畫作，或許就再難以唯美二字輕盈掠過了。

竇加所在的十九世紀末，在社會經濟演變之下，芭蕾舞在劇院中成了廣告時間，芭蕾舞者的服裝成了情色交易的驗貨包裝，富裕的歌劇院貴賓以權勢引誘脅迫這些出身貧困的年輕女孩，為了養家活口，以及在競爭激烈的舞台上脫穎而出，她們不得不讓自己透過賣身來換得賣藝成功的機會。

《費爾南德馬戲團的拉拉小姐》(Miss La La at the Cirque Fernando)，1873－1875

我們時不時就會在竇加的畫中發現舞者身後那一道黑影，例如 ” Dancer On the Stage L’etoile (1878) ” 在舞者後方那個隱藏面孔的西裝男子，或者在” Dancers at the Old Opera House (1877) ” 這樣的畫作中，以隱身窺看的視角觀看舞台。

我想就從這邊來提出他的星盤。竇加的太陽是巨蟹座，有一說將巨蟹座的男人稱為「男人中的女人」，並衍伸出纖細敏感或顧家暖男等等聯想。然而從竇加為她的姑姑所畫的家族肖像 ” The Bellelli Family (1867) ”中，我們看到的卻是氣氛詭譎壓迫的一家人，媽媽與小女兒別開視線，男主人甚至背對而坐，只有大女兒面無表情地盯著我們。這很纖細敏銳，但一點也不「暖」啊！實際上，竇加的性格是出了名的冰冷疏離幾近陰森，簡直是徹底砸了巨蟹暖男的招牌，到底怎麼回事？

其實深入來說，巨蟹座的男子，必然會透過月亮（巨蟹座的守護行星）來整合自我認知，而月亮代表了一個人心中的女性原型。竇加一生畫了超過一千五百張的芭蕾舞者，另外也畫洗衣婦人、女帽匠，還有出浴的女人。然而月亮若是落入牽涉「混沌、無名、奴隸、犧牲」等等議題的十二宮（就像竇加），那麼不論是作為性交易工具的芭蕾女孩，或者無數不露臉的浴女（例如 ” The Tub (1886) ”），以及其他社會底層的女性就浮現出來了。再加上竇加的月亮落在摩羯座，更為他的內在情感加了嚴肅悲觀的成分。

《調整舞鞋的舞者》(Dancer Adjusting Her Slipper),1890

我想竇加對這些女性的關注，或許是一種自我認同的來源。他畫她們將命運的苦看似若無其事地掃進蓬蓬裙底下，就有如這個社會將女性若無其事地揉捏抹去，也如命運將自尊若無其事地粉碎。曾為貴族而家道中落的竇加，說不定是將她們視為不能承認的同伴了吧？

圖片來源／Wiki

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八月。未知｜電音森林裡走出7巨人精靈！丹麥藝術家結合Rap與木雕喚起環境意識

August 28, 2019, 9:13 pm

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如果在森林裡見到巨人迎面走來，別擔心他會吃掉你，可能是Thomas Dambo親切的巨人家族一員，等著你再往前走幾步，和這些森林裡的大精靈打打招呼。

丹麥藝術家 Thomas Dambo，在美國、丹麥、德國、韓國等世界各地，創造出以回收木料製成的神祕巨人，等著人們在森林間或你沒想過的地方發現他們，甚至攀上他們。

Dambo的新作出現在比利時，以七個木雕巨人慶祝在全球公認最大電子音樂節之一「Tomorrowland 明日世界」15週年。超過200名志工協助蒐集材料，並花了15名工作人員半年的時間來創造這系列木雕作品。

Dambo不僅設計木雕，編了段rap，講述這些巨人的童話：像松般高大的巨人們在森林裡，見到「小小人」對自然的作為而感到憂心，他們希望能讓小小人變得更好，於是決定建一座塔，並邀請小小人進入森林登上塔，讓他們能親眼見到自然的美。

「從小我就喜歡聽不同的童話故事和民間傳說，並想像自己在一個充滿神龍與巨人的魔幻世界。」Dambo說，他十幾歲就像個rapper那樣開始寫一些自創故事、建造出一個宇宙。於是在這個最新的系列中，他將過往經歷都結合在一塊：回收利用、饒舌、自然及雕塑。

今年來到De Schorre的電音嘉年華，遊客不僅能和音樂一起搖擺數日，還能在森林小徑裡遇見這些可愛巨人們，更能攀上觀察塔，進一步感受自然的美。

圖文來源／designboom、Thomas Dambo

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永恆美麗的童話都是騙人的，稍縱即逝才顯生命可貴

August 29, 2019, 2:31 am

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2016年Law在柏林BIKINI購物中心利用花卉布置出春天，她放置了3萬朵鮮豔的鮮花，顏色各異（花卉由Tollwasblumenmachen提供)。從展示的作品中我們可以看到從鮮艷美麗的盛開狀態，漸漸成為萎縮、失去彩度的枯萎型態。但乾燥花並不亞於盛開的花。我們從中看到了生命的流動與之存在的意義。

Rebecca Louise Law是一位英國裝置藝術家，因擅長使用天然材料（花卉為主）創作的藝術作品而聞名。Law熱衷於自然保育，她因應不同的展出地點採購數千種原產的植物和花卉，使用乾燥和新鮮的植物材料設計、裝置，讓展出的形成一種探索人類與自然之間關係的沉浸式體驗。

Community ,2018　at Toledo Museum of Art 2019

在過去的十五年裡，Law從她製作的每件藝術品中收集了乾燥的遺骸。展覽作品DUST系列即是將過往在亞洲，美洲和歐洲展出的花卉碎片，重新整理歸類成為像檔案室般的展出空間。就像是為了慶祝大自然從出生到死亡的過程，DUST提供了一種另類的美容概念，即持久和放手。

圖片來源／ Rebecca Louise Law
資料來源／fubiz

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如果把畫裡女人的臉遮起來，能破除千百年來的古典魔咒？

September 2, 2019, 3:17 am

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如果一字排開古典女性肖像畫，想著這些人如果要拍部影集，應該會讓臉盲人極為痛苦。感覺身為女性的她們不僅臉龐、表情，連衣著姿勢等都有固定範本，似乎在說女性就該當如何。然而，這些姐姐妹妹們真的一個模子刻出來的嗎？

古典繪畫,女性,肖像畫,繪畫,藝術,油畫,解構,現代,Eewa Juszkiewicz

波蘭藝術家Ewa Juszkiewicz即要破壞你我的記憶。她以人們熟悉的女性肖像畫為骨架，使用熟悉的典雅色彩結構與元素，再現了合於傳統女性審美及社會規範的潔白光滑肌膚、奢華浮誇衣裝、適合女性的精裝書籍或羽毛等小物及肢體姿勢，而其主題重點「臉」，卻被新的象徵物取代──畫面中該當是擁有精緻妝容的華貴臉龐，卻是重疊纏繞的自然物品、緞帶，或頭部轉向180度的濃密編髮等等。

古典繪畫中的女性多被困在束胸、襯衣、相似的姿勢道具中，這些累加而成的時尚等虛無理想，總歸都是種壓迫與約束。透過解構女性肖像畫傳統，建立過去與現在的聯繫，她邀請觀者重新審視女性，思考現代社會裡的限制。

在「經典」、「傳統」這類有所限制的時空中，Juszkiewicz具毀滅性的「面具」帶來一方自由。人們開始會詢問：為什麼會這樣？裡頭是否隱藏些什麼？藝術家認為，面具讓人擺脫遵守一輩子的慣性，解放了固有話語的禁錮，讓人思考這些古典女性，沒有固定原型模式、並非擁有一致的順服，而藏納了其他聲音或故事。

面具形式除了打破傳統慣性表現、使人反思過往的侷限，細看面部內容，上頭爬行的昆蟲、生出的蕈菇、糾纏的織品等，也會引發觀者的另一種情感：「不安」。傳統歐陸哲學以二分法理解世界，文化相對於自然，理性相對於感受，Juszkiewicz認為至今仍能見到這種粗暴分類的殘影。

於是她以自然物取代受規範的「經典」元素，推翻基本建構。對藝術家而言，大自然能以恐懼與焦慮，引發無法控制的快樂。於是，作品中那些自然中的昆蟲、植物、真菌、交纏的織物乃至豐厚的編髮，與古典的象徵圖騰矛盾並列時，觀者的目光與心靈不再沿著現實的表面漂流，而是走向理性邊緣，並激起情感，進行更深沉的思考與探索。

Juszkiewicz以這些擁有神秘奇特型態的女性肖像，顛覆繪畫傳統，扭轉經典秩序，只為在古典世界中的女性尋得一個不一致的破口。然而當我們在鏡頭面前，甚至是日常行為中，是否也忘了自己的獨特與自由，而以某種理型為模範，為自己上了一層禁錮魔咒而不自知？

圖片來源／COLOSSAL、wikiart
文字來源／EWA JUSZKIEWICZ

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你眼中的風景變了樣？用剪紙藝術幫旅遊地標重新打卡

September 3, 2019, 2:38 am

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紀錄旅行的方式有很多種，把著名景點拍下來是最簡單的。而英國的剪紙藝術家Rich McMor（Paperboyo）則是用不同的角度看世界，他用黑色色紙剪出各種形狀、人物、動物跟事物，再與拍攝景物巧妙結合在一起，變成了意想不到的幽默畫面。

這件事的開始，是在Rich McMor某次的旅行中，他調皮的把英國倫敦的大笨鐘（Big Ben）變成一只手錶，沒想到引起了人們的注意。從此他每到一個地方旅行，就會尋找著名的地標景點，融合他有趣生動的剪紙作品，讓這些大眾印象中的景點重新變成另一種有趣的城市風景。

多年以來，Rich McMor一直在改造著名的旅遊景點，其中最有趣的莫過於美國自由女神像，被加上舉重的槓鈴之後，自由女神轉身一變成了運動員，他說「這絕對是一張非常俏皮的傑作！」還有，Rich McMor將一塊巨大的岩石想像成一頭大熊，他在Instagram寫下了這張照片的感想，「我覺得自己創造了一個兒童故事的場景。這是一個關於新布倫瑞克熊的故事，在白天時候，大熊會跟加拿大人一起冒險，每到夜晚時分卻又變成石頭。」看到藝術家的分享，是否也佩服他的創意跟想像力呢？

現在，只要是Rich McCor去過的地標景點，都成了他發揮剪紙藝術的作品，翻轉你對旅遊地標的印象。除了剪紙與景物的靜態照片之外，Rich McCor也開始製作動態影片，喜歡他作品的朋友們，可以追蹤他的Instagram，看他如何發揮創意翻玩這些知名旅遊景點。

圖文來源／MY MORDEN MET、 COLOSSAL

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我不要像夜裡的小鳥般哀傷夏卡爾

September 4, 2019, 3:39 am

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「我看著自己走走停停／崩潰瓦解／在來自世間的烈火面前／我的愛如流水／四處滿溢。」這一段詩文，摘自一首名為〈我安居在我的人生〉（I inhabit my life）的情詩尾段。詩人寫下這段文字時已年近九十，他回憶起二十八歲生日那天，與自己深愛的未婚妻久別重逢，未婚妻帶著鮮花驚喜現身，讓他幸福快樂得飄飄欲仙。

這個場景其實在他年輕的時候就已經畫了下來，並就此成為不朽，那就是夏卡爾（Marc Chagall. 1887. 07. 06~ 1985. 03. 28）的〈生日〉（The Birthday, 1915）。

Marc Chagall,夏卡爾,藝術,愛情,神祕學觀藝術,城市美學新態度 — 夏卡爾，〈生日〉。

很多人說夏卡爾是愛與美的使者，似乎不斷歌頌著世間的幸福與快樂，畢卡索也曾說：「我不知道這些畫面從哪裡來的，他腦子裡絕對住著一位天使。」的確，除了〈生日〉之外，同時期還有許多因著愛情而翩然起飛的畫作，像是〈散步〉（The Promenade, 1917）、〈飛越小鎮〉（Over the Town, 1918）等等，彷彿愛情就是超能力，可以抵抗地心引力。然而，人在愛中不盡然全是美好夢幻，尤其當你愛著並不為享樂，而是感受到內心深處有什麼被勾動糾纏，你愛著狂喜也愛著隱隱作痛。

夏卡爾的畫面就是如此，不全然是甜膩明亮的癡迷熱愛，畫中總暗藏著些許憂傷或不安。〈生日〉中，男子縱然溫柔地飛撲向前去親吻，卻沒有雙臂可擁抱，面容陰鬱，雙眼緊閉；〈散步〉中，女子彷彿想與男子一同在空中起舞，而男子只是笑容滿面地緊牽著手，像個深怕風箏斷線的孩子，僵硬地留在地面踩緊腳跟；而〈飛越小鎮〉中，兩個人都各自少了一隻手臂，女子橫躺在空中，而男子猶如警戒的護衛，緊盯著畫面之外。

在愛情中，有愉快喜悅的鬆軟，也必然有著為了不斷向彼此靠近，於是相應而生的緊繃拉扯，是害怕失去，是意識到兩人不同，是一同抵禦外侮，是抵不過生老病死，是無法永恆地停留在每個美好的瞬間之中。

夏卡爾一生顛沛流離，遇到妻子貝拉是他最幸福的時光，縱然戀情遭受戰火侵襲、身家背景的階級鴻溝、家人的阻攔，他們依舊攜手穿過這些艱辛苦難，後來終於可以過上一段寧靜的幸福歲月，直到貝拉因病去世。

他曾強調自己排斥被貼上「幻想」和「象徵主義」之類的標籤，因為對他而言，這一切都是寫實的，比雙眼目睹的世界還要更真實。的確，人世間的美好幸福，其全貌都伴隨著不幸的拉扯與不捨的失落。而巨蟹座的夏卡爾，正是如實地描繪這樣的情感。

巨蟹座是渴望安全感的，渴望到近乎神經質，這是因為想要保護敏感與柔軟的腹部，所以需要一個完整的殼，也就是情感上的歸屬。一旦有了美好的歸屬，那種安心的感覺有如被溫柔的母親守護，是無上的幸福，但也因為有了歸屬，所以開始擔心這個歸屬能不能永遠、夠不夠安全，心裡時時張著一面保護網，於是不免陰鬱焦躁了起來。與此同時，總是知道世事無永恆，所以在內心深處開闢一個又一個記憶庫，保存所有美好的記憶，多愁善感於念舊。

在貝拉去世後，夏卡爾始終念念不忘，雖然後來有第二任妻子相伴白頭，但他仍持續以對貝拉的深沉眷戀為主題作畫，直至終老。

夏卡爾的人生所失去的歸屬不只是貝拉，還有自己的家園和種族。他經歷多次大戰和猶太人屠殺，一度必須透過畫作表達苦痛，如〈白色釘刑〉(White Crucifixion, 1938)。然而絕大多數時間，他創作的目的，是想讓人們被希望與愛包圍。我想，或許正是他深刻品嚐過內心的失落和疼痛，使他發願以詩、以歌、以畫作來提取美好記憶，並維繫希望之光，也正是這樣從溫柔中搖晃出來的愛，澆溉了人們心中的焦土，使我們能從他的畫中，真實地感到某種愛的樣貌，於是能安放失落，尋回歸屬。

圖片來源／WIKIART、Marc Chagall

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九月。JUMP｜跟著陽光變色的潮流鞋，紫外線下拒待８小時！

September 5, 2019, 12:04 am

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經典帆布鞋品牌Converse與現代新潮品牌Chinatown Market，藝術家 Joshua Vides合作推推出經典鞋款Chuck Taylors，但似乎有點不太一樣？

經典帆布鞋品牌Converse與現代新潮品牌Chinatown Market，藝術家 Joshua Vides合作推推出經典鞋款Chuck Taylors All Stars。在陽光下會變成彩虹。

Chuck Taylors是Converse 首次生產All Star系列後，經由Chuck Taylor改良後，成為大批專業籃球選手喜愛的經典鞋款。而今年Chinatown Market帶來了全新視覺的CHINATOWN MARKET X CHUCK 70，其外型仍維持經典鞋型－白色橡膠鞋頭匹配橡膠鞋底，傳統的高筒與低筒鞋。但真正令人驚喜的部分在於，鞋面最初是白色的帆布，當它們曝露在陽光下後，竟慢慢的出現彩虹色的條紋。

橙色，紫色，藍色，粉紅色．．．甚至連橡膠鞋底也會從白色變為棱柱形彩色樣式。

但是這樣的變化是有界限的，如果鞋子暴露在紫外線下超過8小時，則UV 感光油墨將不再變色，無法保留。Chinatown Market進一步說明，「根據環境條件和紫外線照射水準，每雙Converse X Chinatown Market的 CHUCK 70 最終顏色都是獨一無二的。」

來看實際變色的影片…

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最全面池田亮司在北美館，從微觀到宏觀的宇宙沉浸之旅

September 6, 2019, 12:37 am

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池田亮司個展8月10日（六）於臺北市立美術館（北美館）一樓展區正式開幕，展覽由本館策展人蕭淑文與客座策展人林怡華共同策劃，為藝術家睽違十年在亞洲最全面性的大型個展，選件涵蓋大型聲音雕塑、視聽裝置、燈箱等作品，更有數件為本次展出特別打造的平面新作，部署出兼具微觀與宏觀視野的沉浸式宇宙時空圖景。

池田亮司是少數同時以視覺及聲音創作聞名國際的藝術家，其創作路徑涉及數學、量子力學、哲學，混和聲響、音樂、影像、物理現象、數學概念以組構其現場演出及裝置，並透過發行出版物、CD實踐其長期創作計畫，譜寫出其獨有的創作維度。其展演足跡遍及世界各地，如美國紐約公園大道軍械庫、巴黎龐畢度中心、德國卡爾斯魯厄藝術與媒體中心、日本東京都現代美術館、新加坡藝術科學博物館等，更獲頒奧地利電子藝術中心與歐洲核子研究組織合作之新媒體藝術獎項，獲邀進駐創作。

未曾受過藝術或音樂正規教育訓練的池田亮司，自小即廣泛汲取各種類型的音樂，接著更嘗試剪輯、操作磁帶及音頻效果，玩起音樂的組合變異。1994年，他加入涉及展覽、劇場、舞蹈、音樂創作及出版的多媒體藝術團隊「蠢蛋一族」（Dumb Type），藉由跨領域合作，開始關注劇場與藝術展覽。之後，他著手用音樂會形式操演聲音藝術，活躍於各地音樂節，同時創作聲音裝置並發行專輯。自1995年開始，池田亮司逐漸捨棄重複訴諸音樂素材的聲音創作，從「什麼是聲音？」的基本定義問題出發，深入研究其物理特性。他將聲音徹底化約到最小單位後再行編排重組，運用純粹的正弦波、白噪音等基本元素創造不同聲響的音景組合，挑戰人耳可感知的聽覺極限，成為極簡電子音樂先聲。2000年以降，他據此窮究本質的精神，拆解光的基本組構為像素；更進一步，將世界簡化為數據。池田亮司以作曲家的方式思考創作，將聲音、燈光、空間、時間等物理現象一一納為其編寫作品的元素，用演算式帶出精確的表現結構，化嚴謹數理邏輯為藝術形式，賦予其作品獨特的數據美學。

本次展覽囊括池田亮司創作生涯之重要作品，集數據和符碼語言，在北美館譜編出形而上的精神空間。在美術館大廳這個訪客暫留、等待、會面的中介空間，座落了五個筒倉造型的揚聲器，同時發出有特定順序、組合的聲音，是為作品《A「連續統」》（A [continuum]）。作為管弦樂團調音基準的「音樂會音高」，音符「A」從巴哈時代至今皆未被精準定義。在作品中，一系列歷史上音樂會使用的標準音高被分配到各個揚聲器，相異的頻率音調交互疊加，形成極其複雜的聲音質地和共鳴音型。無窮盡的聲音和頻率組合以正弦波瀰漫在大廳空間中，每一刻都為觀眾帶來獨特的聽覺體驗。

《數據－掃描1-9號》（data.scan [nº 1-9]）是池田亮司試圖將數據具象化的「數據數學」（datamatics）計畫的一部分，運用純數學和大量現實數據如人類DNA序列、摩斯密碼、分子結構等素材，經數學演算化約為影像的每一像素，匯聚為精心編排的微觀視覺畫面，在九個顯示器上伴隨極簡音軌同步播映。《符碼－詩》（code-verse）則是以更抽象化的方式將先前作品重新掃描並組合，把各種符碼從蘊含資訊的數據中提取而出，解放至不具任何意義和內容的世界，組構出如交響曲般的樂詩。作品將觀者置身於流竄閃現的聲光之中，以無從解譯的純粹挑戰大腦的知覺層次。

雙牆面裝置《臨界點》（point of no returm）是藝術家自稱其創作中最玄奧的形上學作品，其中一面由單一投影機投射而出、大量訊息密集疊加而成的黑洞；另一面則是色溫近似太陽的白色光源。本作品指涉科學脈絡下有巨大引力扭曲著時空的黑洞，任何事物、甚至是光，一旦進入其中，都無法遁逃。作品中位於兩側的黑洞區域與白光其軌跡相疊合，這個邊界即成為空間和時間臨界點的象徵，恣意於一種越出現實卻蘊涵無限意象的謎態。《普朗克世界「宏觀」》（the plank universe [macro]）為一件巨幅的投影裝置作品，從物理學上無限小的計量單位「普朗克長度」（Planck length）的角度探索人類對自然界無限小或無限大的感知潛能，試圖從人類尺度以至於超出可觀測範圍的宇宙尺度描繪無限的宇宙，擴延認識世界的極限、觸碰宇宙的邊界。這件作品是池田亮司在歐洲核子研究組織（CERN）駐村期間受到啟發的創作。

池田亮司以科技為媒介創造沈浸式環境，藉物理現象世界背後的數學結構帶出宇宙宏大的隱喻，促成觀者以去人類中心的視點拓寬對世界的認知，並開啟新的感受方式：將自身全然交付於知覺、心靈和尺度、空間與時間的連結之中，穿梭於一件件作品之際，對於一個個沒有解答的問題無止盡地追溯，直至衍生自我的詮釋與解讀。本展覽亦展出數幅以往少見的測試圖及手稿，並規劃視聽體驗區，展陳音樂會影片、音樂作品及書籍供聆賞閱讀，讓觀眾得以一窺池田亮司的創作思路。

本展除了將發行導覽專書，北美館亦預計於展覽期間出版池田亮司2018年於龐畢度藝術中心展出之展覽專輯《連續統》(Continuum)，此為法國出版社Éditions Xavier Barral首度授權發行之全球中文版。8月10日展覽開幕當天晚間，池田亮司將於北美館帶來兩場現場表演，活動免費入場，歡迎踴躍參加。詳細活動辦法及資訊請參見北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤北美館臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）關注。

池田亮司個展Ryoji Ikeda Solo Exhibition
展期：2019.08.10-2019.11.17
地點：臺北市立美術館1A、1B展覽室

圖文提供／臺北市立美術館

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