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一年一度的聖誕節到了，在歐洲，聖誕如同我們的農曆新年，有濃濃節慶氣息。在浪漫國度法國，更是不例外。

｜法式飲食源自異國結親！

提到法國聖誕，怎能不提聖誕大餐？餐前酒首選就是香檳了，然後來點鵝肝醬、鮮蝦佐酪梨醬或番茄莫札瑞拉開開胃，再上鵪鶉肉佐蘑菇醬、松露牛排或鴨胸佐香檳醬作主菜，當然，最後來份聖誕樹幹蛋糕和巧克力是應該的。

用餐規矩多？─義大利來的刀叉禮儀

法式飲食精緻、禮儀繁複眾所皆知，然而在十六世紀前，法國貴族見到食物，可是直接用手抓來吃！直到1523年，來自義大利巨富梅迪奇家族的凱薩琳皇后，一改宮廷手抓取食的習慣，將餐前洗手和叉子禮儀引進法國。到十八世紀，宴會服裝、餐具擺放、刀叉規矩、餐桌舉止等禮儀更有詳細規定，並被賦予權力地位的象徵，受到歐洲其他宮廷仿效。

精緻飲食推手─凱薩琳皇后的陪嫁

凱薩琳皇后不僅讓法國餐桌變得優雅，她也是點燃「法國美食」之名的靈魂推手。在嫁給法國國王亨利二世時，凱薩琳皇后深怕水土不服，將衣飾、食物、生活用品及工匠都一併帶到法國，廚師當然也不例外。這些廚師法國定居下來，並運用當地食材推陳出新，更努力鑽研廚藝，讓技藝快速超越義大利原鄉。在一代接一代對美食的執著發展下，讓法國美食之名穩坐國際之冠。

法人最愛巧克力─奧地利安妮公主引風潮

外來的公主或富家千金，全方位地影響法國的文化，例如法國人對巧克力的食用習慣與愛好，即是從奧地利而來。安妮公主在嫁給路易十三前就愛喝可可，到法國時就把善於製作巧克力的女僕也帶上了，等到他兒子登基後，巧克力成為皇室最時尚的食品，直到今日，法國更成為頂級巧克力王國。這種將他國文化精緻化的歷程，是否讓人頻頻想到我們熟悉的日本？

｜時尚衣著是宮廷實力展現

除了飲食，法國也是服裝時尚的引領者。就連一般法國人，無論是出席宴會或日常居家，都能保持永不褪色的優雅魅力，好似他們隨時都準備好做為一道觀看風景。文學家普魯斯特在《追憶似水年華》即有一段關於居家衣著的描述：

「斯萬太太完全沒出門那幾天，會穿著縐紗睡袍，顏色潔白如初雪，有時則披著有長褶的薄蠶絲，看起來就像是一身的粉紅色紅白色花瓣，並不怎麼適合冬天，很不搭。由於布料質地輕盈，顏色柔和──在門簾緊閉的客廳房間悶熱環境下，當代的上流社會小說家能想到最為優雅的說法是『穩妥舒適』──給女人一種春寒料峭的感覺，即便在冬天，也像她身邊的玫瑰，光裸而紅潤。」

縐紗睡袍、輕盈蠶絲、如玫瑰般的優雅肌膚氣息，這類拜物教式的歡愉，再再出現在法國文學書寫乃至時尚產業的傳播上，而法國對這類細膩工藝的執迷，得要從太陽王路易十四時代說起。

華麗巴洛克─太陽王的扮裝神話

相較於其他國家以船堅炮利來展現國家實力，路易十四卻在藝術和時尚上投入大量資源，並對紡織服飾等文化產業施行保護政策，讓法國的軟實力快速攀升，而他以華麗的禮儀性服飾等細節打造出帶有神話感的「太陽王」形象──蕾絲、絲襪、紅底高跟鞋等元素在當時貴族圈中形成流行，也無心插柳地成為後世女性時尚的經典。

大文豪伏爾泰認為，路易十四帶來了威嚴、宏大且華麗的巴洛克時尚，而路易十五那聰慧且具品味的情婦龐巴度夫人，則進一步創造出纖細繁複的夢幻高雅洛可可風。

洛可可魅力─龐巴度夫人的極致感官征服

龐巴度夫人由於受到路易十五的喜愛，擁有政治實權，並且開辦沙龍匯聚藝文人士的心，時常以誇張頭飾、挑逗黑痣、低胸領口、薄紗裝飾以及繁複蕾絲花邊等元素裝扮，再添上日漸發展的香水，現身於宮廷的重要場合。女性每一部位的身體美，在衣飾與同樣極致精緻的扇子提籃等日常小物襯托下，更顯柔媚魅力，而如此的法國時尚，全然征服了整個歐洲上流界的感官。

當時服裝潮流多創意，貴族們甚至會將裝飾貼布剪成太陽、月亮、星星等形狀，貼在額頭、眼尾或嘴邊，而到了瑪麗皇后更在髮型上大做文章，無論是插滿異國羽毛的盤髮、將裝了金絲雀的籠子梳進頭髮裡，這類的創意巧思都成了今日時尚的靈感來源。

《戀人絮語》作者羅蘭巴特認為，讓古典流行精神與藝術形式，融進了性格的原動力與神祕中，甚至「跟這整套個人的故事融匯在一起──我們可能用了一個略為簡單的字眼來稱呼它，那就是：品味」。世代宮廷貴族的流行發展，在時間的細篩沉澱下，醞釀出勃根地紅酒般的文化韻味，並如香檳一般在這塊土地上細密擴散，進到人們的細胞裡，讓今日的法國人，展現了神秘而獨特的美好質地。

參考書籍：
Chantal Thomas，《我的老師羅蘭．巴特：課堂裡的戀人絮語，明室外的西南方之光，在巴黎街頭遇見符號學大師》，臺北：麥田，2019。
Jennifer L. Scott，《向巴黎夫人學品味：Madame Chic的20堂優雅生活課》，臺北：積木，2014。
阮若缺，《法國宮廷文化的創意美學》，臺北：遠流，2016。
周品慧，《為什麼法國女人保鮮期特別長？：法式經典魅惑力23講》臺北：有方，2018。

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我關心人群，以及不同人物的想像故事。
我的繽紛多彩並具表現感的插畫中，
有一股用來彰顯生活趣味的幽默感。
— 辛塔．艾瑞芭絲

辛塔．艾瑞芭絲(Cinta Arribas)出生於西班牙瓦拉多利德。她的母親是一位創作者，辛塔從小就在母親的工作室看著她創作，因此自小喜歡繪畫，而她的父母親也鼓勵她創作。辛塔喜歡繪製人物，特別是女性。

身為一位女性插畫家，她為了能更專心在創作上而辭去工作，搬到西班牙馬德里定居。在這之前，她在聖地牙哥與一群從事繪畫和雕刻的藝術家們合租公寓，她說，雖然搬到馬德里後擁有獨立的工作室，但她仍喜歡那種可以和人群分享，學習的生活。「我一直將在家工作和分享學習結合在一起，因為我想念美術學院與人接觸的那種氛圍，與大家談論著正在做的事情，獲得朋友和同事的回饋……即使到了現在，我仍需要這樣做。」在2017年接受madriz.com專訪時她回憶大學時的生活「我的工作室就是卡塞爾美術學院，這是一間與其他藝術家共享的工作室，公共空間包含了廚房，浴室，空間舒適寬敞。那裡的每個老師都建議我們嘗試與一群人分享生活空間；而我和女權主義藝術家，車間技術人員同住…如果我們想用木頭或金屬做些什麼，車間技術人員還會幫助我們。」

受到大學生活的影響頗深，搬到馬德里之後的公寓有許多房間，這為辛塔提供了共享空間缺少的「寂寞」。她說，在家工作有許多弊端，她自認不是一個有條理的人，也沒有規劃時間表的習慣，「所以自己在家工作就等於訓練自己組織能力，以前也沒想過做家務事也需要評估時間！」而當人們習慣獨立後，就會開始受到孤獨感的迎面襲擊。因此，辛塔強迫自己每天都要離開家一次，尤其是工作量大的時候。

辛塔在習慣這樣的生活後，體認到從獨自創作和離開家這個兩層面，體驗到日常生活是非常有用的，她從鄰居街訪中了解文化混和，還主動參加了高度社會良知的老年人或跨文化會議，也積極地與其他藝術家交流。她的日常觀察從左鄰右舍，咖啡店服務員到過馬路的路人「 … 像這樣的事情吸引了我，遠遠超過了在Malasaña這樣的社區中可以找到的東西。」而旅行、城市部落、佛朗明哥音樂、平凡不起眼的事物都是她創作靈感來源。

她喜愛透過藝術來說故事，而生活上的所有經歷都轉化為她的作品。如同她的個人魅力，其創作風格清新且正面樂觀。創作時她先以快速與隨機速寫進行創作，選好畫稿掃瞄成電子檔後，在電腦上繼續處理作品的顏色與細節，讓作品更具感知性及當代感。

她現在是插畫家馬德里的Crispis工作室共同創辦人，經常替環保與經濟雜誌繪製插畫，同時也創作兒童插畫活動書籍與手冊。

資料來源：madriz.com

| 女孩女孩國際圖文藝術創作特展

展覽時間：2019年11月27日(三)至2020年2月9日(日)
週一至週日09:00-17:00；
(12/2、1/1、1/6、1/11、春節1/24-27日、2/3休館)
展覽地點：新北市藝文中心 第一展覽室(新北市板橋區莊敬路62號1樓)
主辦單位：新北市政府、新北市政府文化局
執行單位：瘋設計

新北市藝文中心 臉書粉專 https://www.facebook.com/ntpcartcenter/
新北市藝文中心 官網 http://www.artcenter.ntpc.gov.tw/

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這篇文章 女孩，獨立並代表不孤獨，打開門時大家都在— Cinta Arribas 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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紋身藝術和貓咪很難讓人聯想在一起，但是住在加利福尼亞的日本藝術家兼紋身師Kazuaki Horitomo，透過水墨畫筆法，將貓咪與紋身結合成為超現實主義的Monmon Cats。Horitomo從事紋身已有20多年了，並且精通日本的tebori技術，這項技術是通過手工進行人體藝術創作。

貓咪本身也有斑紋，而紋身等於遮擋了貓咪的花色，Horitomo首先考慮個別貓品種的花紋特色，再將眾所皆知的紋身圖案結合其中。通常，紋身會遮蓋貓咪的背部和軀幹，而只留下他們的頭部，讓整體畫面更加協調有趣。

除了貓咪之外，Horitomo也嘗試繪製狗狗刺青，只是效果…看起有點憨厚。

霸氣外漏的貓咪和忠心憨厚的狗狗，你喜歡哪一款？

資料來源／My Modern Met

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如果古典繪畫人物穿梭時空到現代的話，他們能適應跟以前截然不同的生活嗎？烏克蘭藝術家 Alexey Kondakov或許可以告訴你答案，他提取古典名畫的人物，依照他們身型姿態與表情，利用攝影拼貼將他們巧妙置入現代的日常生活場景，不管是酒吧門口的醉漢、通勤的牧羊女，令人訝異的是這些畫面竟毫無違和感。

藝術家Alexey Kondakov 把現代人的生活日常，像是通勤、逛書店、遛狗、上夜店狂歡的場合，藉由後製拼貼技巧，將古典繪畫的人物搬到這些場景中，然而這些古典人物的表情、動作卻能完美的融合，形成非常有趣的作品，就算是畫中人物大膽的裸露肌膚，卻也毫不衝突。

就連遙不可及的神跟小天使也被Alexey Kondakov送到現代生活中，因此你會看到，聖母抱著沉睡的聖嬰坐在電車中，一旁還有演奏音樂的天使們，這樣的場景是否讓人覺得眼熟？

看完這系列作品之後，會發現原來古典繪畫人物脫離原本畫作來到現代後，就如同普通人一般並無不同，如果你再回頭看到原作，會不會有種格外親近的感覺呢？

圖文來源／colossal

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煙火在日文寫作「花火」，取其盛放時燦爛如花的形貌為名，由於其轉瞬即逝的色彩光線之美，也成為了藝術家的靈感來源。以下來看九位藝術家，以攝影、繪畫、爆破等藝術形式，呈現煙火不同角度的美好風貌。

童年的煙火，總是由手邊能沖天的小小爆竹，以及能近身閃亮的仙女棒開始的。藝術家安德魯‧威茲（Andrew Waits）在他《爆炸之城》（Boom City）的系列攝影作品裡，將各種形狀尺寸的爆竹煙火切開，讓它們坦露出內在的顏色與材質，讓觀者得以將它們視為物，真正「看見」未爆破的爆竹本身，進一步了解其綻放消失前原有的神祕模樣。

阿爾溫·萊（Alwin Lay）《永恆的火光〉（Permanent Sparkler, 2012），讓小心翼翼握在手上的仙女棒，永遠發亮、永不熄滅──以藝術的形式。仙女棒多是以線性方式延燒，但照片中的仙女棒，卻似乎像整支被一下子點燃，讓圖像除了定格永恆外，也取消了作品的因果時間性。

照相寫實主義畫家本‧斯克茲特（Ben Schonzeit），平時探索著生活的方方面面，從枝上小鳥、門上鑰匙到蔬果美食等，都在他的關注範圍，並且完美捕捉到我們所能想像的一切。而從他的視角，我們也見到了在花架下竄天盛放的煙火，他將那絢麗的畫面描繪了出來。

美國藝術家傑克‧戈爾茨坦（Jack Goldstein）的寫實型畫作，大都以爆破過程作為創作素材：炸彈、噴氣式殲擊機、閃電風暴，當然還有煙火。戈爾茨坦擅長以這些素材呈現令人震驚的作品。他曾說：「危險物品是迷人的地方。」

1996年美國波普運動的主要推動者一員詹姆斯‧羅森奎斯（James Rosenquist），將流行文化、超寫實主義、歷史繪畫方法結合在一起，以其巨型繪畫文明。他與許多「政治歸政治，藝術歸藝術」的藝術家不同，大膽表達自己的政治傾向而不受他人觀感束縛，曾為美國前總統克林頓創作了一幅〈獻給克林頓的煙火〉（Fireworks for President Clinton, 1996），也為歐巴馬等政治人物創作過作品。

義大利未來主義畫家賈科默‧巴拉（Giacomo Balla），以描繪光線和運動的幾何畫聞名。他曾把他的煙火作品設想為表演——他構建了一套由織物和彩紙覆蓋的立體幾何木製品。在稜鏡形式中，他以燈光與節奏性運轉，產生了意想不到的移動感。作品一旁還播放著伊戈爾·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的音樂，以喚起「煙火的心情」，而非創造一個複製品。

倫敦在2014新年前夕，爆破了概念藝術團體Bompas＆Parr創作《多重感官的煙火》（Multisensory Fireworks）。這是世界上第一場可以一次享有聽覺、視覺及嗅覺的煙火表演，以紅色為主調的繽紛煙火在空中炸開時，整座城市立刻被草莓氣味的雲團所吞沒。

說到煙火，不能不提爆破藝術家蔡國強。今年二月結束的《花曲：蔡國強在烏菲齊》，也是蔡國強2017年開始的「一個人的西方藝術史之旅」重要一站。展名呼應佛羅倫斯詩人但丁的《神曲》，藝術家以文藝復興的花草為題材的創作，不僅表達當時的靈魂精神，亦是借花畫自然、宇宙和自身的情感。

煙火熱鬧燦爛，但也有藝術家見到它不同角度的美。詹姆斯‧惠斯勒（James McNeill Whistler）〈黑色和金色的夜曲：降落的煙火〉（Nocturne in Black and Gold-The Falling Rocket, 1875）即以霧夜、工業城市、公園做為場景，描繪遠方天空煙火飄散，帶出了星火如金箔般從高空飄落的靜寂氛圍。有人質疑這幅只畫一兩天的畫賣得太貴，惠斯特勒則為自己的藝術觀念辯駁，表示這價錢是買他「一生的修養」。

爆破藝術因材料成本高、耗費人力時間多而價昂，然而平面等其他藝術原料相較便宜，創作者工時不定，就不能開高價？新年將至，看煙火表演時，或許可以來想想美麗的價格該是怎麼回事。

資料來源／artnet

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當我們看遍歐洲美術與工藝作品後，有人會有「法式設計為何能代表時尚」的想法嗎？會！城編就有。法國人的時尚品味和優雅的格調究竟是怎麼來的呢？說到法國我們不免想起，在那華麗的宮殿中，王公貴族們頂著誇張的髮型翩翩起舞。是的，要了解—法國為何能夠登上時尚頂端一定要先了解奢華可愛的宮廷藝術「洛可可Rococo」主義。

洛可可Rococo風格起源於18世紀的法國，Rococo是法文中Rocaille和coquilles的合體； Rocaille是一種混合貝殼與小石子製成的裝飾品，而coquilles則是指貝殼。因此，洛可可主義不但承襲了巴洛克特有的華麗風格，還加入了自然界的曲線與貝殼般的光澤。它在1730年至1770年間流行於上流社會，甚至傳播到歐洲其他國家，如，英國，奧地利，德國，巴伐利亞和俄羅斯…等，為法國的時尚地位奠定了良好的基礎。

Rococo的宗旨—主題要好玩

許多洛可可式繪畫都具有精緻而又輕鬆的主題，主要來自龐巴度夫人（Jeanne-Antoinette Poisson, Marquise de Pompadour）的奢華作風。做為路易十五的情人，她會陪同路易露營，打獵，主動舉辦晚宴，並編排誇張有趣的戲劇討路易歡心。厭倦僵硬的巴洛克風格，追求「好玩」的龐巴度夫人極愛自然花朵，鮮豔配色與不對襯的設計。

這些喜好反應在當時畫作，建築，室內擺設，家具與瓷器，連同凡爾賽宮都被她重新布置成為洛可可風格的代表建築。當時所有的王公貴族們皆將龐巴度夫人的喜愛當作一種流行，群起跟風形成一種代表「上流社會」品味與時尚的標誌。

細節越多越顯華麗

將洛可可風格推致頂端，無限誇張化的代表藝術家是法蘭索瓦·布雪（François　Boucher），曾在路易十五宮廷中擔任首席畫師，同時是龐巴度夫人最為賞識的畫家。他受文藝復興時期的啟發，作品以強調場景的複雜性而聞名，其畫面精緻細膩，優雅浮誇，連天空在他筆下都充滿層次，而雲朵更顯情緒化。

柔和的色調，如同情人耳邊呢喃

巴洛克式的繪畫特色在於用陰影來表達情感，而洛可可的作品則以柔和的粉彩調為特徵。尙-歐諾黑·福拉歌那(Jean-Honoré　Fragonard) 在他最著名的畫作《鞦韆The Swing》中使用了這種配色：鞦韆擺盪在襯著淺綠色樹葉的漩渦中，一名穿著淡粉紅色連衣裙的女人在鞦韆上玩耍。這樣的畫面配置與色彩對比，引導出輕鬆誘人的情慾。

自然界的啟發

18世紀時受到中國影響，洛可可風格融合了東方風格。除此之外，其華麗設計大多受到自然界的啟發，如貝殼，海浪，藤蔓，葉子，玫瑰…。如同上述提到的「好玩」精神，這些自然界的作品表現出不對稱性和戲劇性的造型，跳脫巴洛克的僵硬，成為有趣且叛逆的存在。為了能夠在上流社會中展現地位，當時的貴族除繪畫外，還會請藝術家製作洛可可風格的裝飾品，大膽挑戰古典藝術的各種美學法則。因此「有錢人就是任性，任性才夠時尚」的既定印象也由此展開。

生活中淺移默化的薰陶出時尚品味

18世紀時洛可可風格不只風行於法國王公貴族之間，更蔓延至德國與西班牙貴族，與當地風格融合。英國更視洛可可風格為「法國品味」，在銀器、陶瓷等裝飾品上大量學習。直至拿破崙崛起，被輕奢路線的新古典風格為之取代。

受到歐洲推崇與仿效的洛可可風格至今兩百多年，仍然影響著時尚舞台。現代設計師經過簡化，提煉，重新演繹，使得法式品味在服裝，家具，產品，平面…等各個領域發揚光大。

法國的現代設計是基於法國悠久的宮廷傳統，設計是為富裕的上流社會所提供的服務，而工業設計亦成為繁華奢侈的象徵。洛可可之後的法國經歷了法國大革命與兩次歐洲工業革命……之後，讓法國設計就入民眾生活，也不過是近幾十年的事情而了。這樣，你有稍微能夠接受「法式設計代表時尚」了嗎？

參考資料／My Modern Met.com @Kelly Richman-Abdou，Wikipedia

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你總覺得身邊的孩子純真可愛，想將這個獨一無二的階段記錄下來，卻時常為自己捕捉到的照片感到灰心，總覺得沒有把孩子在你眼底的樣子拍出來？

俄羅斯攝影師Elena Shumilova為自己的孩子拍攝許多照片，她以柔焦拍攝，善用自然光線呈現畫面裡的敘事，並表示「路燈、燭光、煙霧、雨雪，都會為視覺及情感刻畫帶來深度。」做為一個母親，她不僅捕捉孩子們的日常，也將這些照片分享到網路，至今已獲得6000萬以上的觀看次數。然而面對不受控的孩子，要能拍出如此自然而夢幻的氛圍，是怎麼做到的呢？Shumilova提供五項建議。

1. 經常拍攝：要讓孩子們在鏡頭前看起來自然，而不是僵硬如人偶的尷尬擺拍，便需要經常拍攝他們。當你偶爾拿起相機或手機對向他們，他們可能會像玩一二三木頭人那般立即凍結，但如果他們對被拍攝這件事感到熟悉而舒適，且在他們玩到忘記一旁有相機時，就比較能呈現出真實且日常的模樣。
2. 不讓注意力被衣服帶走：既然主題是孩子，就不要讓衣服分散觀者的注意力。由於現在的童裝多顏色鮮豔多彩，還有吸睛的卡通圖案和大字體等，一不小心就可能讓衣服喧賓奪主。
3. 不同年齡有不同捕捉技巧：如果是新生兒，父母通常會比較常在身邊照顧，能大致掌握其情緒反應週期，只要讓育兒本能協助選擇適合的時機。而二到四歲的孩子似乎是最上鏡的，怎麼拍都可愛。五歲以上的孩子，則是需要一點耐心，當你讓他們忘記相機的存在時，總是能拍到最好的照片。
4. 拍攝孩子與寵物：Shumilova花了幾小時觀察那些動物，了解他們的運動方式及最佳拍攝角度。和對孩子一樣，對帶這些毛小孩，需要一點運氣以及耐心。
5. 不要放棄：拍攝這種熟悉卻無法控制的主題時，很容易讓人感到灰心。「何必呢？還是不管用。」你可能在拍到第十四張還沒有好照片，但那些經驗不是失敗，你能從中學到東西，讓第十五次可能成功。

當你想留下孩子最好的一刻，保持耐心、不要放棄，一定能捕捉到那能融化眾人的瞬間。

圖文來源／MY MODERN MET

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人類對於浩瀚的宇宙有著無限想像，包括那會吞噬一切的黑洞。街頭藝術家Izzy Izvne也非常熱愛未知的宇宙世界，所以她的3D塗鴉作品，融合了書法跟錯覺的繪圖技巧，在建築的牆面上，畫出一個個她想像中的宇宙黑洞，鼓勵大家跟她一起展開充滿好奇心的冒險旅行。

Izzy Izvne的塗鴉作品需要大面積的牆面，每一次畫牆時，藝術家都會要求自己創造跟之前不同的宇宙，但每幅作品相同的是中心是一片漆黑的隧道，還有一連串的飄浮球體，讓人不禁好奇這球是從隧道飄出來，還是要飄進隧道中？

「人們常常因為重複的行程而失去原本的好奇心」，Izzy Izvne如是說，「而我的藝術風格就是要開啟對未知的好奇」，藝術家希望藉由她的塗鴉，人們能夠開啟對未知世界的想像跟好奇，如同塗鴉中心的隧道，彷彿要貫穿牆面一樣，在隧道的另一邊說不定會有另一個未知的平行宇宙。

藝術家認為建築除了灰色水泥之外，還有更多的可能，如同浩瀚無垠的外太空，到底藏有多少是我們還不知道的事情，她希望人們可以透過她的塗鴉，在日常生活中更加勇敢的去探索，永保好奇心！

圖文來源／my modern met

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藝術不僅是眼睛的饗宴，以黃色小鴨紅遍世界的荷蘭藝術家霍夫曼（Florentijn Hofman），要用「可親近藝術」，讓你在藝術品上走跳、攀爬、躺聊，還可以打枕頭戰！

霍夫曼因大型戶外公共藝術作品在國際間享有盛名，這次在台北華山1914文創園區帶來氣墊展覽「我把動物FUN大了！霍夫曼的療癒動物園」，從世界各地的50幾件作品中，挑選最適合做充氣呈現、也最受歡迎的《黃色小鴨》、《月兔》、《泰唔士河馬》、《抱抱象》等11件經典作品重做詮釋，就是要釋放人們的想像，為大人小孩都帶來零距離的全新藝術體驗！

本次展覽以富童趣的條紋為主軸，藝術家為動物們重新調色、調整比例，換上活潑新裝，霍夫曼迷快來比對看看它們和原型有什麼不一樣！並且為了讓人們能更親近這群大動物，藝術家為月兔和寵物貓加上彩色攀登點，讓人有機會蹬上兔子肚子，也幫棕熊《鐵人》增加滿地條紋枕頭，儼然變身成枕頭戰競技場！

除此之外，霍夫曼也為動物們添增了許多台灣色彩──原本在荷蘭的爬牆虎大熊來到華山披上了藤本植物外衣；在巴西的胖猴子身上出現正點台灣美學茄芷袋色樣！最特別的是，霍夫曼最新作品《粉紅鯨》在本展中首度曝光！藝術家表示觀眾可以和朋友一起走進帶著大大笑容的4公尺高鯨魚裡，像皮諾丘那樣探索內部，在裡面躺下放空、聊天玩樂。

本次展品從戶外裝置轉移室內空間，讓大人小孩無論晴雨都能來玩，但霍夫曼仍要在最大的展場裡、做出最大的作品，來驚豔民眾，並喚起美好記憶。霍夫曼說：「我並不是把作品做大，而是把世界變小。大型藝術作品不僅讓公共空間變小，也讓我們變小，不論你多高，你的自我會在大作品前消失，讓你重獲自由，可自在地去觀察和思考，暢想生活和周遭事物。」

一起來FUN大的療癒動物園裡打開自己，不設限地去探索、去想像，並且盡情、自由地玩──你瞧，霍夫曼自己就在展場裡蹦蹦跳跳，就是要玩到精疲力盡！

攝影／艾莉歐

展覽資訊

「我把動物FUN大了!霍夫曼的療癒動物園」
展覽日期：2019/12/28-2020/4/5
展覽時間：10:00-18:00 (17:30最後售票/進場)
展覽地點：華山1914文創園區 東2ABC

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何芝諺（Kathrin Honesta）在印度尼西亞出生和長大，13歲時移居首都雅加達。和許多插畫家一樣，何芝諺小時候很喜歡故事和素描。她會在A4紙上畫漫畫，然後將它們剪裁在一起，製成一系列不同的漫畫標題。有時，會做拼貼並將其佈置為雜誌頁面。這是她小時候最喜歡的娛樂活動，她說「給我鉛筆和紙，我會安靜幾個小時進入自己的世界。」

｜做就對了！放手一搏造就創作信心

何芝諺覺得在雅加達生活影響她最大的是「緊密的社群，多樣性和熱情」，雖然緊密的社群影響到每日的交通（苦笑），擁擠和快節奏已經是這個城市的代名詞。但是，其歷史累積而成的人文魅力，讓整座城市充滿熱情，加上這幾年的快速發展讓何芝諺覺得這座城市充滿希望。

在充滿熱情的城市長大，何芝諺也成為一個熱情且充滿活力的青年。開啟她藝術生涯的第一站是到吉隆坡學習廣告和圖形設計的時光，對於熱衷於繪畫的她而言，參與學術活動是另一個全新的世界。畢業後，她在廣告公司Leo Burnett KL工作了約一年半，然後決定辭職並成為自由的獨立插畫家。決定的過程中當然也會有自我懷疑害怕的心情，只是何芝諺告訴自己——決定了就要放手一搏，全力以赴，做到自己滿意為止。

成為獨立插畫家後第一個面對的困難便是家人的擔心，像所有的亞洲父母一樣，何芝諺的雙親寧可她從事商業行政或會計，有份安穩的收入也好嫁個好人家。但是，何芝諺的毅力感動了他們，現在家人都非常支持她的獨立創作之路。

｜ 創意的來源來自生活觀察

何芝諺的創作方式非常的現代文青，她隨身帶著一個小本本，隨時記錄所見所聞。「在這個筆記本裡我會列出所有待辦事項。今天要做的工作清單，我會在前一天就計劃好。然後，一次只專注於一項任務，這讓我可以專注的完成每項工作，對我有很大幫助。」她說「這個筆記本的另一個任務是，無論走到哪裡，都能隨手記，隨時隨地畫畫。這對手繪練習很有幫助，而且還可以保持創造力。」

｜ 女孩應從正視自我價值開始，勇敢站起來

也許是熱情的天性加上細心觀察隨時筆記的習慣使然，從KL回來後，她注意到女性創意者社群，並與這些藝術家有了聯繫。「她們都是熱情，堅強與不吝關懷他人的人。」何芝諺在2017年開始與NagaDDB進行了一個項目，目的是為非營利組織PSThe Children開展名為「#StopNurseryCrimes」的活動。透過插畫家們共同製作一系列插圖，使人們對兒童的性虐待有所了解，並宣導如何教育孩子，謹慎行事以及如何幫助受害者。

同時，何芝諺也觀察到女性在社會與工作中所遭受到的不平等，她希望透過藝術創作能夠慢慢的消弭這種性別分界，她說「對於女性在創作環境中的處境，有時候，我覺得是可以轉化為一種優勢。當創作者的藝術與眾不同時，就能自動吸引客戶或某些市場進入到創作者的作品當中。」她認為創作不再需要拘泥於性別問題，在藝術中的討論只能與作品有關，而作品通常是關於創作者的自我性格與自我表達方式，「就我自己而言，作為一個女人，我作品的主題包括許多女性形象和女性元素，就會吸引到女性商品或品牌主動來洽談商業合作。」

最近她參與了台灣新北市《女孩女孩國際圖文藝術創作特展》，她特別想要對女孩們說，「找到妳的價值，對自己誠實，然後在工作中表現出來。要有耐心，不要對自己太苛刻。不要想太多（因為我們做了很多！），然後就開始吧。這並不容易，所以不要放棄，玩得開心！」

資料來源 / girlsclub.asia，CURADORIA

| 女孩女孩國際圖文藝術創作特展

展覽時間：2019年11月27日(三)至2020年2月9日(日)
週一至週日09:00-17:00；
(12/2、1/1、1/6、1/11、春節1/24-27日、2/3休館)
展覽地點：新北市藝文中心 第一展覽室(新北市板橋區莊敬路62號1樓)
主辦單位：新北市政府、新北市政府文化局
執行單位：瘋設計

新北市藝文中心 臉書粉專 https://www.facebook.com/ntpcartcenter/
新北市藝文中心 官網 http://www.artcenter.ntpc.gov.tw/

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國際色彩權威Pantone日前宣布2020年度代表色是經典藍，不免讓人想到熱愛藍色的法國人。

若要看一個民族對某項事物在意的程度，可以看其語言中描繪該事物的語詞多寡，而單是一個藍色，法國人就給了六十幾種，它們或從自然觀察而來，天藍、地平線藍、午夜藍、矢車菊藍、青金石藍、孔雀藍，也有如，更有普魯士藍、埃及藍甚至法國藍這類冠以國家民族名詞的藍。

然而，語言畢竟有其侷限，視覺能感受到的細微差異更是難以窮盡，法國設計師兼藝術家Mathieu Lehanneur在這個熱愛藍的國度裡，創作系列作品《50 Seas》，單就一個海洋藍，呈現出50種獨特樣貌。

Lehanneur注意到了各地海洋的顏色差異，於是造訪了地球上的50片海域，最遠去到南極的威德爾海，藉由高清衛星攝影捕捉記錄這些帶有不同生態的海域影像後，在陶件上塑造不同地域環境的波紋浮雕，並以精確釉色再現了 50 種色度的藍。

Lehanneur表示，「我們應該用眼睛、用心靈去發現事物之間的差異。」他知道愛斯基摩語有50個描述雪的詞彙，而他有50個色度，來描繪他眼中的大海。在台灣的我們，能輕易見到多種地景，帶著各式各樣的自然色彩，提醒自己記得打開藝術之眼，去看吧！

文字圖片資料／Numéro、 Mathieu Lehanneur

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還記得小時候玩翹翹板的樂趣嗎？今年冬天在紐約曼哈頓設置了12座超大翹翹板，當人一坐上時，不僅會發出聲之外，還會發光，這12個長16至24英呎的大型互動蹺蹺板，是由CS Design 和Lateral Office 共同設計，在五年前曾在加拿大蒙特羅（Montreal）的節慶廣場（Place Des Festivals）亮相過，又能玩又能打卡的互動藝術裝置，當時也吸引了許多民眾。

後來這些翹翹板前往芝加哥，波士頓，斯科茨代爾等城市，為大家重溫童年樂趣，今年冬天則是到紐約曼哈頓，在展出期間，民眾可以免費爬上蹺蹺板盡情玩樂，而蹺蹺板還會根據大家的互動發出聲音與發光，每個人都會是獨一無二的聲光效果，當人們坐在坐在翹翹板上一高一低地來回上下擺動時，產生的光影互動效果也為城市帶來歡愉的氣氛。

圖文來源／colossal、 Garment District Alliance IG

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艾菲爾鐵塔怎麼變成這麼多個？原來是法國著名的裝置藝術家文森特．勒羅伊（Vincent leroy）在這個知名景點前，裝設了新裝置，讓大家熟知的艾菲爾鐵塔有了新面貌。

文森特．勒羅伊喜歡攝影，善於捕捉周圍世界那些充滿詩意的細節，同時還是一名電音愛好者，為自己作品的錄像和作品安裝譜寫相應的配樂章節。過去他曾創造一個浮動的巨大橢圓鏡「Pebble（鵝卵石）」，並懸掛在巴黎大皇宮內，緩緩旋轉的橢圓鏡，打破現實中地平線，讓觀賞的人忘記身在何方。

去年他在巴黎的比爾阿克姆橋下人行道，掛上名為「Slow Drop」的巨型泡泡，透過球面反射，讓人看到扭曲夢幻的巴黎城市一角。

今年文森特選擇在最著名的艾菲爾鐵塔前，裝設三面看起來有如蜂巢的巨大濾鏡，藝術家稱其為萊斯格蘭德萬花筒（les grandskaléidoscopes），這三面濾鏡會緩慢旋轉，隨著角度改變，艾菲爾鐵塔在鏡面上的影像從單一變成無限，然後漸漸消失又出現，讓人忍不住懷疑看到的景象究竟是什麼？

藝術家把這次的新裝置描述為「真正的巨大攝影濾鏡效果」，透過這次全新的裝置藝術，讓人們重新思考眼前看的景象是否為真？什麼才是真實世界？再次提醒大家觀察細節的重要。

文森特也再次請來合作多次，來自「Adorable Studio」視聽創作室的JérômeEchenoz，為巨型蜂巢濾鏡搭配背景音樂，這些聲音都是在艾菲爾鐵塔所錄製的，像是電梯運轉聲、行人走在鋼鐵金屬上的聲響。當人們經過蜂巢濾鏡時就能聽見這些專屬於鐵塔的音樂，那一瞬間，視覺跟聽覺同時結合，讓人們對眼前的艾菲爾鐵塔有了全新的體驗方式。

所有圖像©vincent leroy

圖文來源/ designboom

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沒在穿的衣服、開口笑的皮靴、很久沒碰的玩具和吉他，除了打包丟掉，還可以拿來做什麼？法國藝術家Bernard Pras看到他們的顏色，並且讓他們再現立體版名畫及名人肖像。

Bernard回憶道，有個化學家跟他說，畫家常用的鎘紅顏料，和塑膠盆上用的顏料是相同的，他便靈機一動，將紅色的水盆放在漆成紅色的地板上，平面地板與水盆量體之間的關係，讓他瞬間著迷──紅色水盆在背景色中，既出現又消失。他在這個實驗中看見了自己的作品模樣。

於是，他以不同顏色的物體為元素排列，創作垃圾藝術（Trash Art）。Bernard不是將物品陳列在同一平面上，而是在「空間」中作出立體組合變化，讓人以透視法去看見他畫作的整體面貌。在精心縝密的規劃設計下，他將大大小小的廢棄物，拼湊出3D版的梵谷《傷心的老人》、孟克《吶喊》、葛飾北齋《神奈川沖浪裏》等名畫畫作，以及路易十五、達利、愛因斯坦、李小龍等經典歷史人物，甚至有山姆大叔、貓女、白雪公主等大眾流行角色。

小編不僅要為自我辯駁，房間裡那些囤積不用的東西，似乎也無須急著丟掉或送人，畢竟看來天生垃圾必有用……

圖文來源／Bernard Pras、fubiz

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這篇文章 囤積症沒有錯！法國藝術家讓你以為的垃圾，變成梵谷自畫像、葛飾北齋浮世繪！ 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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之前我們在《巧克力、蕾絲邊和紅底高跟鞋，風靡世界的法式品味》和《法式設計為何能代表時尚？品味是被養出來的！》分別說明為何法國能成為時尚典範的原因。法國盛行的藝術風格，默默的左右著歐洲的設計走向。和德國那功能性和幾何構成的設計概念完全相反，法國堅持將複雜繁瑣來營造奢華的浪漫之路走到底，卻也成為全世界爭相模仿的法式百年經典。這是怎麼回事呢？

藝術—浪漫，豈能量產

開始前我們不得不先回頭說說，巴洛克建築和洛可可美學風格的精神面。這兩種風格都僅出現在路易14和路易15時期，卻讓法國將「細緻等於高端時尚」的宮廷風格成為根深蒂固的法式浪漫。

17、18世紀時，全歐洲都陷入工業革命的風暴中，只有法國還悠悠的用手工一筆一劃一刀一刻地打造精緻藝品。工業革命發起者英國在隔壁看了心急，因此舉辦了「1855年巴黎世界博覽會」，號召了世界各國的工業藝品匯集到巴黎去，目的是刺激法國看到「工業化讓商品可以量產，成本比手工更划算啊！」這時期的法國還沒有明確的「design」定義，創作者皆為藝術家也充滿藝術家性格，雖然深刻感受到工業的刺激，只是仔細一看……唉唷～工業產品很粗糙耶！看慣精緻高尚工藝的法國，非常排斥笨重的機械製造和粗糙的量產作法。

直到影響全世界甚遠的「1900年巴黎世界博覽會」後，法國開始接受工業革命帶來的轉變，並任性地只擷取有利於手工藝發展的部分，成為法國現代設計的基礎。

就這樣，法國完美走在藝術與設計，工藝與工業之間，營造出特別且無法模仿的浪漫品味，並幫助法國人民走過二戰後的蕭條。如，路易‧威登（LOUIS VUITTON，LV）、香奈兒（CHANEL）、愛馬仕（Hermès）等，皆成為百年精品聞名世界。

設計—將既有元素重新思考與配置，使其成為可用

「法國現代設計」的風格，說來抽象。我們以近代影響世界工藝設計走向的「MAISON&OBJET Paris巴黎時尚家居設計展」（簡稱M&O）為例，M&O深受Maison Jansen及巴黎世界博覽會的影響和啟發，於1995年成立至今。

M&O主辦方SAFI行政總裁Philippe Brocart說：「很少有國家可以像法國一樣，擁有如此豐富的裝飾藝術和設計相關遺產。如今，前途無量的新一代設計師將此傳統延續下去，並且突破設計領域的界線。」從Jean-Michel Frank到Joseph Dirand、Charlotte Perriand到India Mahdavi，不會盲目跟隨現代趨勢，而是堅持法國工藝的優勢並運用在各種領域，這就是法國設計一直以來在設計史中佔有極重要地位的原因。

法國設計覺醒之後一路衝刺到世界的頂端，兼容並蓄的民族性讓法國開始思考，如何能讓法國設計與世界接軌，也讓法國成為各國工藝進入歐洲市場的設計之窗？

這即是Philippe對M&O的期望，他表示，「義大利米蘭國際家具展中的參展商大約有9成來自義大利當地的品牌，然而M&O的參展商來自世界各地，原因就在於M&O的目標為容納全世界，不會只偏重法國本地的設計，如此才能成為具指標性和綜合性的專業國際性展會。」

未來—藝術是先知，當法國開始設計

藝術是法國設計的根源，而藝術家總是能看到未來。因此，擁有藝術血液的法國設計師，常能成為工藝設計的領頭羊。卡蒙多學院（École Camondo）的校長René-Jacques Mayer為2020M&O年度主題「(RE) GENERATION! 世代革新」說明時，曾提到「目前法國設計的新興領域有兩個主要趨勢。首先，設計師與工藝技術之間建立了更緊密的連結，他們以傳統技術限量生產的作品為名，而非工業技術產品。第二個趨勢則是，這些年輕的設計人才對於椅子的簡約設計不再感興趣，而是致力於創造更具社會意義的作品。他們的主要目標是提供解決方案和產品的新用途。」

臺灣—現代設計正在朝歐洲邁進

雖然法國的工業設計起步不如英國、德國和義大利，但後來居上並具有全球影響力的事實仍不容置疑。

臺灣近年來也有許多設計師陸續崛起，將臺灣工藝逐步推向歐洲。國立臺灣工藝研究發展中心自2008年起即帶領臺灣品牌參加M&O展會，更從2016年起與原民會合作共同展出臺灣原住民特色工藝設計品牌。

在M&O2019年的秋季展會，規劃臺灣館「Taiwan Crafts & Design」設於5A館「Unique & Eclectic（獨一無二與兼容並蓄的風格）」展出八大臺灣原創工藝品牌。該展廳匯聚了世界各地文化精緻獨特家具及裝飾品，近年主辦單位特別將臺灣館安排於該展廳的「Signature（指標設計展區）」內，此舉顯示了法國對臺灣精緻設計的重視。

可見，臺灣雖然不若歐洲各國擁有幾世紀的人文底蘊，但臺灣獨特的工藝技法，及其中豐富臺灣在地文化的溫暖及故事性，也能為歐洲帶來一番風景。

參考資料／Wikipedia，法國設計史，國立臺灣工藝研究發展中心

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這篇文章 法國設計魂覺醒！直接登上世界頂端，怎麼辦到的？ 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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2020年世界最令人期待的活動，就是東京奧運了。20世紀以來，每個國家都會推出奪人目光的海報，以提高人們對奧林匹克體育賽事及主辦國文化的認識，日本在2019年中即釋出海報設計師名單，知名漫畫家浦澤直樹與荒木飛呂彥、攝影師兼導演的蜷川實花、畫家山口晃、書法家金澤翔子等 10 多名不同領域的藝術家在列，每個都大有來頭，讓人期待不已。

如今，官方網站終於在日前公布大師們的藝術創作！奧運 12 張、帕運 8 張，共 20 件風格各異的非凡海報，傳遞出多元的運動樣貌。城市美學新態度關注其中的日本藝術家名單，以下先就東京奧運的海報設計作介紹，讓你見到日本活潑創新的文化力！

｜浦澤直樹

創作出《20 世紀少年》、《MONSTER》等巨作的浦澤直樹，曾以《以柔克剛（Yawara）》和《網壇小魔女（Happy!）》被認定為運動漫畫大師。浦澤直樹本次以「換你上場（あなたの出番です。）」為題，呈現出一種超越比賽、種族、性別的設定，以運動賽事的精神對讀者喊著「接下來就輪到你了！」，並畫出選手出場的背影，讓人期待後續發展。

｜大竹伸朗

被稱作「圖像世界的拾荒者」的大竹伸朗，是活躍於日本當代藝術最前線的全能型鬼才藝術家。大竹伸朗總以「既有存在的物件」為素材，透過繪畫、拼貼、攝影、裝置等不同媒材，以鮮明強烈且直觀的風格，建構出自己的世界。這回，他想起1964的東京奧運期間參加的剪紙經驗，拼貼出一個粉色娃娃正踢著色彩斑斕的紅色球體──或許是遊戲神在遊戲吧──表現出他腦海中的奇幻宇宙。

｜金澤翔子

翱翔世界的唐氏症候群天才書法家金澤翔子，希望運動家和支持運動賽事的人們，其精神都能由此奔出，飛向全世界。金澤翔子在金箔底色上書寫下大大的「翔」字，筆力雄勁，顯得颯颯有風。書法家將運動釋放的能量與傳統技藝相結合，表達出東京奧運的濃濃日本味，以及對東京奧運的耀眼祝福。

｜小池智子

畫家小池智子認為，人類作為一種動物，每個人皆以不同的感知來認識世界。藝術家以「野獸─Hachilympic」為題，以多彩的線條繪出擁有宇宙星辰之眼、張口露尖牙、如猴如貓的毛獸面相。甚至在畫面右下方，藝術家還畫了一隻帶有蜂蜜的飛馳大黃蜂，展現萬物的自然性情。運動的世界莫約就如此，一切即如藝術家所說：「一個充滿感官的新生態系統，將要動起來。」

｜Takashi Homma

攝影家Takashi Homma喜歡「把想說的事情講得模糊不清」。作品時常藉由拉開與被攝者的距離，去除攝影者自我風格的展現，而帶有一種疏離冷調。然而，Takashi Homma卻又廣泛拍攝不同主題計畫，表現出對人與其環境的興趣。在這次為奧運創作的作品中，攝影師不將鏡頭放在運動員上，而是認為，這場盛宴當對整個國家──從老人到小孩──都是件難忘的事，於是有了《東京兒童》。

這些大師級藝術家不僅以各自獨有風格，展現奧運競賽的緊張與運動家精神力量，也藉此機會讓人看到日本景象，而專為身障人士打造的東京帕運又是如何，荒木飛呂彥、山口晃、蜷川實花等日本藝術家又創造出什麼樣的藝術視覺？點此連結分曉！

圖文資料來源／tokyo2020

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這篇文章 2020東京奧運｜浦澤直樹、大竹伸朗、金澤翔子，大師級藝術家齊打造海報視覺 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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上篇我們介紹了2020東京奧運的藝術海報，漫畫家浦澤直樹、藝術家大竹伸朗、書法家金澤翔子等各領域藝術家大展其才，而同樣擁有荒木飛呂彥、山口晃、蜷川實花這樣重量創作名單的東京帕運，海報視覺設計又是如何？

｜荒木飛呂彥

熱門漫畫《JOJO的奇妙冒險》的作者荒木飛呂彥，調度了他筆下的角色，讓他們變身為體育神，畫出選手們從天空奔向日本的景象。而這些動漫迷熟知的角色，更裝戴上了義肢，表現了帕奧會的主題。另外，荒木飛呂彥更在其中向葛飾北齋名作《神奈川沖浪裏》致敬，並且表示，他在畫到富士山時，曾猶豫要用什麼顏色，最後為之著上蜂蜜黃，完成了這幅《神奈川沖浪裏上空》。

｜山口晃

藝術家山口晃善於借用傳統的日本畫技法，融合普普風，在現代美術領域獨樹一幟。在帕奧作品裡，他以傳統騎射為主題，讓身著和服的無手選手，以口腳開弓，傳達出選手堅毅不拔的精神力量。在畫面中，除了能讓人見到山口晃細膩筆法，還清楚展現藝術家自由駕馭時空的能力，古人物、古技法與高樓大廈的都市景象的結合，更讓人感受到日本歷史的沉澱美感。

｜新木友行

新銳藝術家新木友行，就更明確地傳達了帕奧主題。作為以身障藝術家為主的大阪藝術工作室Atelier Incurve的一員，新木友行喜愛格鬥技，他總以細膩線條，捕捉人們戰鬥時的肌肉運動，其大膽變形的呈現充滿了活力。而在本次作品中，他以殘奧項目之一輪椅籃球，展現運動的速度與力量感。使用其慣有的鮮艷顏色與黑色輪廓線條，呈現選手歡笑與活力，要為人帶來勇氣。

｜蜷川實花

以濃麗強烈視覺著稱的攝影師兼導演蜷川實花，同樣以輪椅藍球為主題。她在僅有攝影者與被攝者的空間中，直覺地按下快門，捕捉身障運動員海鳥連志拋出藍球的那個瞬間，完成這張《Higher than the Rainbow》。。選手肌肉線條展現力量，模糊的籃球帶來速度，而蜷川實花讓這個景象漂浮在潔淨蔚藍的天空中，並且在彩虹曲線中迎向陽光，讓主題在創作者慣有的虛實交錯景象中，帶著朝氣與希望。

｜柿沼康二

書法家柿沼康二常以巨型毛筆揮灑出不受拘束的線條。這次，他從數千漢字中選擇「開」字，使「人的全副身心向宇宙敞開」的爆炸為概念，象徵運動員的開放特質，表現出運動員每天挑戰自我的特質。他在紙上輕刷，並要作品「打開！打開！打開！」，直到完全開放。他希望不僅是運動員和相關從業者如此，也希望支持這場賽事的人們能對一切可能性敞開心胸，更願這樣的和平慶典能傳承下去。

｜野老朝雄

藝術家野老朝雄，以和風感滿滿的組市松紋作為本屆奧運和帕奧會徽創作靈感，以素淨的日本傳統靛藍與白色矩形構成，傳達多樣性及調和。在海報設計上，藝術家延伸會徽設計，讓具有高耐印性的藍色作為背景，並且使用留下輔助線的手畫方格。獨立方格因線而連結，如接力棒一般地傳承了運動員的榮耀，也表達藝術家對選手的敬意。

除了藝術家作品以外，主辦單位也找來設計師及國外藝術家共同創作藝術海報。如果以上內容及官網圖像簡介無法滿足你對大師作品的好奇與愛好，即日起至 2/16，於東京都現代美術館舉辦為期36天的《東京 2020 官方藝術海報展》展出這些藝術創作，這兩個月有去日本玩的朋友，可以先去一睹為快！

圖文資料來源／tokyo2020

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義大利插畫家戴維德‧波納齊（Davide Bonazzi）面對當今諸多社會狀況，以畫筆為史筆，運用視覺圖像，讓人更強烈地感受到不同族群面對的問題。

波納齊在其Instagram帳戶中，以看似迂迴，意會後卻更顯有力的圖像，關注生活層面，更表達他對政治、性別、社會弱勢、環保等領域議題及時事的看法。他以大片簡單色塊組成的復古溫暖色調呈現議題，讓人無法忽視，卻也不會過度著重在畫面美感上，而是能靜下心來思考，如今已擁有超過30,000名追隨者。

波納齊的作品得到 聯合國教科文組織、《紐約時報》、《華爾街日報》、《 GQ 》 雜誌的青睞，而許多品牌如Timberland、Roche等商業品牌也找上他從事插畫，而你是否也因為其畫作而有所省思？

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鹽水月之美術館的冬季重頭戲、眾所期待的「2020月津港燈節」，於1月18日至2月16日，在臺南市鹽水區月津港周邊璀璨登場！

此次燈節以「海市蜃樓」為主題，由國內外藝術家、大專校院徵件入選團隊及已開跑的月之美術館「月光之城」，帶來總共51組精彩藝術燈飾作品，以「看見的奇景」詮釋燈節賦予月津港的全新意義。今年燈節首度完整佈設於月津港水域以及巷弄燈區，更使用包含擴增實境（AR）技術、聲光音效等多媒體藝術，讓靜態作品透過不同方式與民眾產生互動。

｜多媒體互動體驗新奇感受

    「2020月津港燈節」除首度結合AR開發多項結合藝術的拍照濾鏡，讓民眾體驗作品結合虛實的科幻效果外，今年巷弄、水域展區近10組多媒體作品為歷屆最多，引領民眾進入「看得見」的月津港奇景。

｜國際╳在地 攜手詮釋海港奇景

向來是燈節亮點的國際藝術交流部分，今年邀請首度來臺的荷蘭藝術家Ralf Westerhof，以及多次參展的日本藝術家森岡厚次，與在地藝術團隊禹禹藝術工作室、藝術家游文富，在相互激盪中詮釋出各自的海港奇景。

此外，今年燈節周邊活動也相當豐富。永成戲院於農曆年間將安排一連串精采的表演、掌中劇及電影，帶來視聽雙重滿足的藝文盛宴；橋南老街遊客服務中心則以一年一度的「水仙花雕刻藝術創作展」，推廣地方傳統的水仙花雕刻藝術；環保局所指導的環保美學班布置栩栩如生紙塑作品，也成為民眾拍照打卡的熱點；信義路繽紛花海，加上元宵犁蜂炮重頭戲，豐富的周邊系列活動，邀請國人遊客來到鹽水，感受月津經典小鎮迷人的歷史風華。

圖文資料提供／台北市政府文化局

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農曆過年大家最害怕也最討厭的即是與平日不太熟的長輩見面吧，因為他們通常會以「幾歲啦？結婚了沒？」為招呼語，然後以「好啦，祝你新的一年事業成功！」或是「新的一年一定能找到好對象！」作結。好像，人生就這兩件事，完成了才算獲得幸福。只是，成功的定義是什麼？結了婚的人真的就能獲得幸福？

我們若以藝術創作者的角度來看，前幾篇關於女孩的系列介紹中，提及了不少女性插畫家因為家庭而中斷創作之路，或是在更加艱辛的路途上堅持著…對女性藝術家而言大環境賦予的諸多枷鎖，已讓傳統觀念定義下的幸福成為通往夢想的荊棘之路。

世界上的女孩是如此，臺灣呢？身在臺灣中的女孩們，又是如何看待這些問題？《女孩女孩國際圖文藝術創作特展》邀請到三位女性藝術家參與展出，並在展覽過程中舉辦多場的藝術工作坊，為來自各的女孩們開啟探索自我之門…

｜每個人都是個體，擁有自我形體與性別無關

擅長以大輪廓和隨性的色塊描繪女孩形體的插畫家吳欣芷，在展覽中展出《女形》，《探索自我》等系列手繪稿。2019年12月08日的下午，她和民眾們一起用圖像創作來表達自己心中的女形。

而欣芷自己則以三個女生的形體代表女性的內在——（從左至右）鳥與活潑的橙色和黃色搭配，代表了女性內在的自由；綠色的森林是對大自然的嚮往；幽暗的藍黑色則是對大環境的恐懼和必須直面這份恐懼的堅強。她認為大多數的「女生」都是被外界定義的，周遭的人都會說「女孩就該有女孩樣」，但是女孩樣到底是什麼呢？很少有人有機會聽到自己內心的聲音。因此她在以《女形》為題的手作課程中，適時的引導參與的女性們主動去思考和生活上與女性相關的事物。

在英國出版插畫集的吳欣芷和我們聊到臺灣插畫環境時，很認真的說在臺灣不會特別覺得受到歧視。這現象不確定是臺灣女性還沒有自覺，還是臺灣的性平觀念特別超前？「我是覺得臺灣插畫圈比較不會在意性別這件事，也許是我們同溫層已經跳多性別意識，」欣芷反而從大環境的言論（當時總統選舉，某些政治人物的發言充滿歧視意味），大眾對於穿著大膽的女性解讀，讓她深到女性正被性別差異的意識綑綁著，「在受邀參與這個展覽和手作課程後，我會思考在創作上多加入這方面的議題。」

｜畫圖就是沒有規則的去玩，人生也該如此

在公務員、老師的黃金組合之家成長的王立心，曾因為選擇藝術之路而被雙親說過「人生就毀了」的話語。對自己非常嚴苛的她很常自省，並在自省之中開始了「自廢武功」的創作旅程，她說「我發現繪畫技巧太純熟了，這樣根本不行，我要連畫作風格都要捨棄。我希望能回到兒童時期，什麼都不想的去亂塗亂畫，那些才是反映真實！」

她在2019年12月21日的午後以《疊影》為名開了一堂蠟筆創作工作坊，帶領民眾利用蠟筆厚塗與放鬆的筆觸，複畫自我圖像於描圖紙上，探詢內在與外在的臉龐，找尋真實的自己…

常被瘋編形容為「空靈系」的《成長系列-隱隱》是這次王立心展出的作品，她豪氣地說這是人成長的過程之一，其實她更喜愛狂亂，豪放的表現方式，她說「畫面很恐怖的放肆才是我的風格。」

立心本人就是一個非「女孩樣」的女孩，乾脆俐落的個性和直白零修飾的話語，在她作品中已經看不到規則。性別差異是什麼？人活著就專注於盡情揮灑吧！

｜從我到我們，從女孩到人們

愛倫公主，當代藝術家暨插畫家。《女孩女孩國際圖文藝術創作特展》從維納斯開始，走過游擊女孩的抵抗，女性的重新定義到超越性別定義，愛倫公主在最後展區發表了「個體與群體」的宏觀思維。

她在作品中用城市來表達包容與個體的連結，在她的心中沒有性別的差異。當我們從第一個展間看到這裡，會發現思考的是「我是誰？我的內在是什麼？」這個時代已經是超越性別的存，在我們看的是自己這個個體，連結的也是他人這個個體，她以此為主軸，為展覽做了「獨立思考」的總結。

愛倫公主是個可愛的創作者，如同她在《餐桌上的生活風景－彩繪玻璃工作坊》帶領大人小孩共同創作，讓大家學習去思考並動手創作，剩下的交給光影去表現。

我們活著，是先成為人，用人的方式去思考去創作，去活著吧！

這樣看女孩們，是否讓你覺得有趣？新北市政府文化局主辦「女孩，女孩——國際圖文藝術創作特展」 邀請到8國10位女性創作者共同參展，女孩們的作品等你喔！

| 女孩女孩國際圖文藝術創作特展

展覽時間：2019年11月27日(三)至2020年2月9日(日)
週一至週日09:00-17:00；
(12/2、1/1、1/6、1/11、春節1/24-27日、2/3休館)
展覽地點：新北市藝文中心 第一展覽室(新北市板橋區莊敬路62號1樓)
主辦單位：新北市政府、新北市政府文化局
執行單位：瘋設計

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