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《江賢二回顧展》 邀請藝評學者王嘉驥擔任客座策展人，梳理藝術家從1960年代至今的抽象創作歷程，包含旅居歐美30年、1999年返臺後於2008年至臺東定居，其遷徙移居的生命經驗引導藝術家逐步開創風格迥異而視覺語彙多元的系列作品，並將於回顧展中完整呈現。

生命歷程牽動創作流變

不同地區的文化與氣息，在江賢二的藝術創作中留下深刻印記。1960年代末至1980年代，初自學院學成的年輕藝術家遠赴巴黎、紐約。異鄉追尋創作的過程中，藝術創作與生活現實無可避免地拉扯，因而留下許多色調深沉的作品。早年江賢二刻意將畫室窗戶全部封起，在阻絕自然光的狀態下完成畫作。

江賢二1990年代返臺期間，意外在過去熟悉的故鄉廟宇遇見不曾留意的創作靈感，作出「百年廟」系列，成為藝術家返臺的第一批代表作。早年旅外期間，江賢二在巴黎創作了「巴黎聖母院」系列。若與回臺所作「百年廟」系列相比，兩者皆運用深沉的畫面捕捉宗教殿堂的精神體驗，藝術家透過藝術性的創作觀點，跨越文化與信仰的隔閡、點亮動人的靈性光源。

2000年起，江賢二的創作續有發展，如往返加州照料親人期間發展出的「銀湖」系列即是一例。策展人形容「銀湖」系列的具體印象與抽象轉化，營造出「如海、如鏡、如雪，亦如星雲」的壯闊畫面，抽象構圖將似寫景又似寫意的景象熔冶於畫面中，讓觀眾彷彿親臨藝術家的心湖，隨著藝術家的心神波瀾晃漾。

2008年江賢二遷居臺東，藝術家的畫布乍然綻放繽紛色彩，創作出「比西里岸之夢」系列、「金樽」系列。定居臺東之後，在金樽海岸的天光、海潮、濤聲召喚之下，藝術家封閉多年的窗終於啟開；如今江賢二開窗作畫，畫面中閃耀出過去時期所不曾見的光彩。藝術家人生流轉於風光逕異的各方，都在其畫布上灌注了創作的能量。

「看見」古典樂的盛宴

藝術家江賢二從年輕時期就熱愛西洋古典音樂，在他各個系列的創作中不乏向經典樂曲致敬的作品，觀眾在畫面與作品名稱中都能看見線索。諸如巴哈、孟德爾頌、德布西、荀白克等知名古典音樂家和他們的樂曲都曾經是江賢二的創作母題。其作品畫面中最為人所稱道的色彩層次與不受顏料堆疊影響的透明感，都是藝術家從音樂當中尋得的靈感。藝術家自述：「（我）不知不覺間受這種音色透明感的影響，特別是弦樂那種一層一層交織、音色一層又一層的鋪展。後來我的作品用色也傾向一層又一層的透明感。不管日後我的作品看起來似乎是黑暗的、陰森的畫面，它的色彩一定還是很透明的，沒有混濁不清的感覺。」

策展人王嘉驥談起藝術家對古典音樂的熱愛，形容他是一位「老文青」。古典音樂不只是他從事創作的元素，更是他日常生活的精神養分。本次展覽209展間展出最新創作《金樽／淨化之夜》，採用立體結構回應早年向荀白克致敬畫成的《淨化之夜》，神秘的旋律呼應了當年藝術家充滿「虛無、悲愴，失落與找尋」的年輕心境。如今，相隔55年作成的新舊作並呈於一室，在作品的對話之中看見江賢二對藝術無盡的探索與始終如一的初衷。展場在藝術家的巧思之下響起樂音，引領觀眾沉浸在視覺與聽覺的多重美感體驗。

展覽資訊｜
展期：2020.03.28-2020.06.14
地點：臺北市立美術館二樓1B及二樓2A、2B展區

圖文提供／臺北市立美術館

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其實這篇跟如何定義 街頭攝影 有點類似，不過比較具體一點，我看似一直在試著定義「街頭攝影」是什麼，但其實又有點不想定義街頭攝影「應該是某種形式的照片」。一來街頭攝影本來就沒有一個非常清楚的定義，二來感覺說穿了就失去街頭攝影的那種曖昧的美感，聽起來很矛盾，這也是為什麼我覺得街頭攝影這麼迷人。

雖然無法定義什麼樣的照片才叫做「街頭攝影」，但從過去一些歐美街頭攝影師的作品看下來似乎有個脈絡可循，通常街頭攝影師在尋找的是有「故事張力」的畫面，街頭攝影師是群說故事的人，題材來自你我習以為常的街頭，但與一般故事不同的地方在於，街頭攝影師透過照片所敘述的故事並非由他們自己來定義，而是來自觀看者來詮釋。

怎麼說呢？前面有提到「故事張力」而非「故事」。在看街頭攝影作品時通常不會知道照片裡那瞬間的故事是什麼，只會覺得看著照片感覺似乎有那麼點兒劇情在裡面，並用主觀的解讀來定義某個畫面。

什麼是有故事張力的畫面？如果你在街頭晃一陣子一定會看到一些，例如：穿梭在馬路中間的玉蘭花婆婆、在路邊忘情挖著鼻屎的大叔、蹲在路邊眼神露出殺氣的吸煙者等等、你沒辦法具體說出是什麼，但那些畫面會碰觸你心裡某個情緒上的反應。上網搜尋一下「Street Photography」，你大概會有點感覺，很多歐美的街頭攝影師喜歡拍攝的街頭攝影風格可以歸類成下面幾項，但不代表街頭攝影就一定就是某種形式的照片。

1. 錯位（Juxtaposition）

2. 特殊長相／裝扮（Character）

3. 巧妙的瞬間（decisive moment）

4. 幽默（Humor）

5. 對比（Contrast）

6. 衝突感 （Conflict）

7. 特殊的構圖（Composition）

8. 人像（Portrait）

9. 特殊角度（Unusual angle）

10. 光影（Light and Shadow）

上面簡單的列出一些街頭攝影的「形式」，但不代表所有街頭攝影就應該要 follow 這些形式，試著去尋找你自己的故事，拿起相機出去拍吧！

轉載／FLiPER
圖文來源／森爸
原文出處｜「街頭攝影」到底在拍些什麼？

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古羅馬時期的哲學家塞内加（Lucius Annaeus Seneca）曾言：「沒有比人生更難的藝術了。」在此新冠病毒（COVID-19）遍地蹂躪之時，全球面臨封城隔離、社交暫止，或是對物資缺乏的恐懼，更深覺塞内加這一句喟嘆的睿智。截至目前，歐洲疫情最嚴重的義大利，已因COVID-19奪去逾萬人生命，家鄉慘況看在義大利藝術家 Federico Pestilli 眼中更是心痛，雖然他本身已在羅馬隔離數周，但也不忘向國家昔日的光輝找尋慰藉。事實上這場藝術行動並非惡趣味，卻是隱含對人類命運的鼓舞並祈禱與自然共存。

千古風流人物雕像，共患COVID-19此難

在義大利宣布全國進入封城狀態前夕，Pestilli找了一個春日明媚早晨前去貝佳斯公園（Villa Borghese gardens），將口罩逐一套上義大利詩人、開國元勛，以及文藝復興時期建築師和藝術家的半身塑像：包括凱撒、但丁、帕拉迪歐、米開朗基羅以及哥倫布等。並以古羅馬詩人維吉爾的名言「在希望與恐懼之間的惴惴不安」為主題，把這些千古風流人物的雕像，共置於傳染病的希望和恐懼之中。

此組攝影作品不僅讓人印象深刻，還精準勾勒當今世界的困頓。Pestilli 表示，他執行拍攝時，羅馬雖尚未封城，但原有熱鬧的街衢早已一片死寂，最後他索性抓起相機、冒著外出風險前去能俯瞰整座城市全景的貝佳斯公園，幫裡頭著名的經典人物雕像，拍攝各角度照片。

惡趣味背後，有希望的隱喻

事實上作為義大利藝術家，Pestilli 從自己的國族與歷史尋找靈感十分合情合理，但他本身對這種做法格外謹慎，甚至多時候並不贊同，畢竟所謂的仿古摹傚，很容易讓人感到無趣或陳腔濫調。但義大利人民陷此危急存亡之秋，Pestilli 寄盼由此攝影作品提醒一事：人類曾遭遇遠比新冠肺炎還艱鉅的處境，但毫無例外屢困屢勝。所以他冀盼作品傳遞出希望的象徵，以及人命運總是透過險境而得到永恆不朽。

16世紀思想家布魯諾在感知氣候變遷的衝擊與天然資源銳減時，曾讓人不寒而慄地說：「人類發現大自然蠻橫殘酷的時代已將到來。」對此，Pestilli 也心有戚戚焉表示，數十年間人類對生態浩劫的現象裝聾作啞，如今COVID-19只是對人類盲目慾望的一種反噬。正如義大利物理學家暨天文學家伽利略所言：「萬物總是無形連繫著。你無法摘下花卻不打擾星辰。」言及至此，當前人類所面臨的瘟疫夢魘若有任何正面啟示，那麼尊敬自然將會是一個好的起點。

圖文來源／yatzer

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「黃昏將近時，我從島的高處下來，信步來到湖邊，坐在某個隱蔽處的沙灘上；濤聲陣陣，湖水翻騰，吸引住我的情思，驅除了我心頭因別的事引起的激動，使我整個心思沈浸在柔美的遐想之中。」

「霍樂威爾田園的真正迷人之處，在我看是：它的遁隱之深，離開村子有兩英里，離開最近的鄰居有半英里，並且有一大片地把它和公路隔開了；它傍著河流，據它的主人說，由於這條河，而升起了霧，春天裡就不會再下霜了，這卻不在我心坎上；而且，它的田舍和棚屋帶有灰暗而殘敗的神色，加上零落的籬笆，好似在我和先前的居民之間，隔開了多少歲月⋯⋯」

盧梭在瑞士聖皮埃爾島寫就的《一個孤獨漫步者的遐想》或在瓦爾登湖畔的《湖濱散記》，都有其離群索居、與世隔離的小屋生活描寫，這在今日疫情蔓延、大夥設法保持距離的時刻，更是吸引人。

來自俄羅斯莫斯科的插畫家Darya Shnykina，在看了介紹不同地表上各式小木屋模樣的書籍《Cabins》後，遂想像著山丘、森林、原野間，在起霧的清晨、嶄亮的夏晝、昏黃的月下或飄雪的夜裡，以畫筆搭建構成永續屋、高山小屋等模樣各異的理想家屋，形成《Places I’d Love To Live In》系列插畫。

Shnykina從事數位創作，卻讓作品保留了傳統材料與紋理的魅力。其濃暖而內斂簡淨的色彩，讓畫面顯得平和寧靜，而粗略曲折的線條卻又不讓氛圍戴上了藝術家的獨特個性，而不流於平凡俗套，好似她也如盧梭那樣，進入了一人的沈思內省世界裡。

圖片來源／Bēhance

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這篇文章 在遼闊地景上的遺世小屋：Darya Shnykina以夢想構築寂靜風景插畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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「她是夜之后，眼睛是鑲嵌的玻璃紅寶石，臉上帶著恆久不變的微笑，永遠露出珠母貝刻成的尖牙利齒，一層柔軟之至的白皮革包覆她白如白堊的臉，以及整個軀幹、四肢關節、所有部位。她美麗的雙手看似武器，因為指甲又長又尖，是五吋錫片塗上鮮紅琺瑯；頭上的黑假髮梳成髻，其繁複沈重遠超過任何真人頸項所能承受。這頭濃密雲鬢插滿綴有碎鏡片的鮮亮髮髻，只要她一動，便會灑下整片粼粼閃動的映影，像小小的光鼠在戲棚中跳舞。她的衣衫全是深沈如睡的色彩——濃暗的粉紅，猩紅，還有如其名的紫，那鮮活振動的紫是殉情知血的顏色。」

安潔拉・卡特在她的短篇小說〈紫女士之愛〉裡，如此描述一個風華絕世的傀儡「紫女士」。而魁儡本身總要喚起一則傳奇，而紫女士在她的角色設定裡帶有極致魅惑，於男人而言也就是危險的化身——

「她如瘟疫般降臨，對男人而言既是惡疾也是可怕的啟蒙，而她亦如瘟疫一般具傳染性。她所有情人的下場都是這樣：身上的襤褸破布被傷口流出的膿黏著，眼神空洞得可怕，彷彿心智已如燭火被吹滅。」

「紫女士煙火般燦爛輝煌的生涯也如同煙火結束於灰燼、寂寥與沈默，她變得比那些受她感染的人更不堪入目。」安潔拉・卡特並沒有鋪陳紫女士如何從絢爛走到頹靡，也不再花費篇幅呈現她雖死猶動的的乾枯機械模樣，而在布魯克林藝術家卡里多尼亞・庫里（Caledonia Curry）個展露出的短片作品《索菲亞與風暴》（Sofia and Storm）中，似乎能見到這個故事角色的最後身影。

在影片裡，一個側看打扮精緻華麗的女人傀儡現身於古老莊屋與海上風雨飄盪的船隻場景中，一瞬間像被捲入某個糾纏世界裡，再度從灰暗色線現身時，只見神情木然的她打開胸腔，露出了深沈濃密而垂墜的臟腑穢物又合起。

這部與卡特小說同樣有著神秘魔幻哥德式氣息的逐格動畫，庫里表示是與家族歷史，及其濫用毒品成癮的父母相關。在此，她將身體轉化為乘載回憶與傳統的容器，房子、船隻和人由此分裂而開放，讓禁錮在其中的想像力與神話得以解放。

文字來源／安潔拉‧卡特《焚舟紀》（行人）、COLOSSAL

圖片翻攝自YouTube

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這篇文章 歌德式魔幻：Caledonia Curry以魅惑傀儡動畫展家族傷痕 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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法國藝術家和設計師Arnaud Lapierre所創作的AZIMUT裝置，讓人們能從稜鏡般視角，重新賞翫威尼斯歷史建築的結構之美。若行過斯拉夫人河岸大道（Riva degli Schiavoni），除了閒適漫步，享受濱水之地襲上面頰的微風，現在必然還會被杜卡勒宮（Palazzo Ducale）前的16道圓鏡子所吸引。這些擱放在石砌道路上的裝置採電池驅動，儼如追日型太陽能板可轉換角度。

義大利杜卡勒宮歷史可追溯到14世紀，是當地著名的哥德式地標，目前在威尼斯已活化成博物館使用。16面圓鏡不只連動式進行旋轉，同時還具備放大作用，映射出的建築石頭紋理以及立面細節清晰彰顯，讓人們觀看趣味異於尋常的遠眺 、 仰望或平視。隨鏡面角度緩緩嬗遞並轉向河岸位置時，甚至還能瞥見竣工於16世紀的本篤會教堂（Benedictine church）——聖喬治‧馬焦雷（San Giorgio Maggiore），此教堂氣勢磅礡的大理石柱馳名遠近，是文藝復興時期建築巨擘安德烈‧帕拉迪奧（ Andrea Palladio）所設計。

Lapierr本人提及這項動態鏡面藝術裝置時，做了如此趣味描述：「圍繞著建築和歷史古都下，一種失去平衡、重新組構地景以及拼湊式的觀察。」16個鏡體是具放大效果的不鏽鋼圓盤，旅人過客從圓鏡內，能捕捉到蒼穹和威尼斯水都的一隅，相較立地行走現實感，照映出的城市即景，卻是碎化、錯位、顛倒的抽象意境。此外，鏡子移動影像能引導遊人視線凝視那些去脈絡化、零碎又璀璨的元素，如斯拉夫人河岸大道、杜卡勒宮，或是聖喬治‧馬焦雷大教堂。鏡子裡萬籟俱寂，但畫面卻是萬花筒式的駁雜紛紜，一如人們潛伏於心，澎湃卻無聲的情感。

圖文來源／Arnaud Lapierre Design Studio

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這篇文章 虛實錯置的杜卡勒宮：Arnaud Lapierre以鏡照映威尼斯一隅 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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全球大流行的結果令人難以置信，尤其是西班牙，馬德里的各個藝術展演場所在不久前仍人滿為患，而今年二月的ARCO國際藝術博覽會也照常高朋滿座，誰知道現在各家藝文機構幾乎都無限期閉館，抑或被徵用為臨時醫院。

正如專家所預測，COVID-19病毒重創西班牙，死亡人數已破萬人，一路衝向最高峰。在此非常時期，策展人、藝術史學家開始領頭反思，全球流行病在未來將帶給社會文化什麼樣的意義。這次疫情前後的轉折，猶如二次世界大戰前後的重大變化，經濟崩盤狀況簡直像戰後大蕭條。

蘇菲雅王后國家藝術中心博物館（Reina Sofía Museum）館長Borja-Villel對外發表聲明，希望在此艱困時期，館內能透過遠距的「陽台」展演型式，鼓舞民眾渴求藝術的心靈。

現在的歐洲需要如過往馬歇爾計畫（The Marshall Plan，官方名稱為European Recovery Program）的援助，然而，文化復興並非重建硬體設施，而是想像並實踐一個強調關懷他者的嶄新世界。

在流行病趨緩以後，博物館與美術館終將重開大門，但人們會不會從此害怕彼此接近？超大型展覽潮流是否走到盡頭？當博物館重啟時，是否要限制入場人數？在考慮這些的同時，社會是否難免有避免互相接觸的傾向？然我們不能讓公共場所就此消失，那是社會欣喜、學習與民主的一部分。

有鑑於此，藝文活動不能間斷，蘇菲雅王后國家藝術中心邀請14位藝術家為「陽台」展演創作，請藝術家們在其窗口或陽台上自由呈現，當然館方也期待他們可以從城市封鎖作反思，想像人類未來更好的演進。

蘇菲雅王后國家藝術中心尚有大量未曝光的檔案資源、廣播與影片，網站上皆可免費放送，館方希望人們能免費觀賞這些已支付權利金的資源。另外，全新的計畫也在進行中，由藝術史學家José Emilio Burucúa主講的課程將於線上直播，他剛走訪巴黎且碰上城市封鎖，直到好不容易返阿根廷，又進入隔離檢疫期。館方將透過Zoom播放他的口述經歷，標題即為「如同鳥兒，期待飛翔。」（Like a Bird, Hope Flies.）

圖文來源／artnet
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這篇文章 COVID-19肆虐，全球第二嚴重疫區西班牙持續發展藝術行動 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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在疫情肆虐，美術館、博物館等公共空間皆關閉的這段期間，讓我們再次把焦點放在過往那些精采的展覽上。即使無法親臨現場，仍可以在此重新回味。

「我們陌生的新大陸：Alex Harris攝影」
—— 展出於美國亞特蘭大高等藝術博物館 （High Museum, Georgia）

美國南方在電影製片圈中，早已成為影片拍攝的重要樞紐，時至2016年，主流電影在喬治亞州的製作量已超過加州。而攝影師Alex Harris就著這股風潮，將其鏡頭聚焦於路易斯安那（Louisiana）至維吉尼亞州（Virginia）的獨立製片中。

人們對美國南方的集體印象，多半來自於那些偉大的故事敘述者，無論是出自小說家的描寫、音樂家的勾勒，抑或攝影師的取景，創作者們皆致力於呈現這塊陌生之地的紋理與層次。

但為何這片地方值得被看見呢？在此系列作品中，Alex Harris以學者與攝影師的身份，揭開美國南方生活中的種種矛盾。在他公開展出的65張攝影中，其鏡頭翻轉對向拍片者，試圖捕捉電影幕後的製作真相。

Harris除了是一位多產的攝影師，同時也是杜克大學（Duke University）紀錄片研究中心的共同創辦人。他理解大眾對「南方」的集體視角，是一種成見的累積、戲劇化的美景，以及潮流文化導致的文化分岐，這使人很難看透表象之下的真實，儘管虛構的舞台與美國南方現實景況有著很大的差距。

作者／Caroline Goldstein
圖文來源／artnet
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這篇文章 回顧攝影師 Alex Harris 以紀實照片挑戰刻板的美國南方印象 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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巴西嘉年華，人們以森巴徹夜狂歡，是世界矚目的派對。今年春天，無論在里約熱內盧或在聖保羅，嘉年華照常舉行，讓人感受到這個國家的亮麗熱情。

巴西的藝術色彩總如嘉年華般強烈，聖保羅設計師Rafaela Mascaro，也是其自創品牌Studio Grand-Père的藝術總監，其插畫作品同樣擁有遊行花車般鮮麗的風格，她以各式各樣的女孩，以及鮮麗明亮的滿版花卉，傳達了日常生活的愉悅。

在Mascaro的繽紛插畫裡，女人總是主角。而這些細看女性，她們體態或豐腴或纖瘦，或奔放外向或恬靜柔和，都在填滿花卉的世界裡顯得開心自在，表現了無論是什麼樣的外貌、文化、階級和種族等多樣特性，都能擁有同樣的美好生活，並且在當中彰顯自我的獨特。

藝術家不僅以繪畫傳達各種女性的豐富生活、展現女性自信，也以「做你自己」、「相信自己的直覺」、「在生活中的細節裡找到自己」等正向文字與一串可愛貼圖，為女性帶來力量。「我最大的榮幸，是幫助人們並使世界成為一個美好的生活場所。」Mascaro這麼總結她的創作。

除了日常創作，Studio Grand-Père也延伸其風格與對女性的觀照，與許多品牌合作，甚至做成了影片等形式，展示女性在不同場景下的模樣，似乎能感受到藝術家正以森巴狂歡的姿態告訴女孩們，我們都可以好好過日子！

圖文來源／Instagram

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這篇文章 巴西設計師Rafaela Mascaro畫出繽紛花卉裡的多樣女孩 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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美國郵政署（The United States Postal Service, USPS）於今年4月3日宣布了一項讓藝術與集郵迷都津津樂道的消息：USPS將發行以日裔美籍雕塑家Ruth Aiko Asawa作品為主題的系列郵票，藉此向這位勤學不倦、為創作孜孜矻矻的藝術家致敬。

這款紀念郵票共有十種雕塑作品圖像，每種圖像各有兩枚 ，分別由Dan Bradica以及Laurence Cuneo所拍攝，套票的鑲邊設計則是Asawa在1954年為《生活》（Life）雜誌所攝的肖像，畫面中她一臉倔強地托腮思索，眼眸直勾勾凝睇前方鏡頭，渾身睥睨傲物的神氣，全被掌鏡者Nat Farbman給捕捉，當時Asawa年方28歲，芳華正盛。

Asawa 生於1926年，早期過得頗為顛沛流離，二次大戰期間曾被美國政府及其家人強迫關入拘留營。拘禁期間她開始習畫，釋放後則輾轉進入北卡羅來納州的黑山學院（Black Mountain College）就讀，一方面師承著名方塊繪作的幾何主義畫家Josef Albers，並開始投入金屬絲線編織和雕塑創作。針對自己蜚聲中外的環狀線圈雕塑， Asawa 在職業生涯晚期曾這般描摹和剖釋：「這類金屬編織不同於中古世紀的鏈甲，而是運用連續性金屬線去包裹著內部形式，但所有形式都是穿透可察的，陰影將會揭示物體的實際影像。」

發行的紀念郵票囊括了Asawa多數的球莖狀懸吊作品，並採用黑灰白褐的中性色調印刷，藉此澹彩設計去襯托她那縝密又複雜的線性雕塑，這種版面配置，讓郵票圖案充分詮釋了作品那種收縮膨脹的律動感以及有機型態。

圖文來源／Colossal、 The United States Postal Service

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這篇文章 當郵政與藝術邂逅，Ruth Asawa紀念郵票發行中 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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有些諷刺、幾度厭世，生活在今世真的不容易！想讓讓日常多一點火花，拯救無聊的日以繼夜的你，不妨去《一分鐘台北》逛逛吧。

由奧地利藝術家歐文．沃姆（Erwin Wurm）以顛覆傳統雕塑概念聞名國際，於今年首度在臺灣呈獻個展《一分鐘台北》，是賦予當代無比紓壓與反思觀感，深入了解他的天馬行空、獵奇趣味，一窺他如何翻轉雕塑的形式。

趣味型態吸引人心，搭配台北的地標建築，歐文．沃姆運用日常所見事物結合不同肢體表現，藉此產生互動便形成矛盾、幽默、諷刺或荒謬的關係與狀態。注入強烈的表演性，讓觀者共同體驗這一分鐘的藝術品，創造集體分享的奇幻體驗。

本次的策展人傑宏．尚斯（Jérôme Sans），他曾在2000年台北雙年展《無法無天》時，就邀請沃姆來台展出，睽違20年兩人再度聯手嶄新創作，並重新演繹延伸當年以台北街頭為場景的作品系列。 2000年沃姆為台北雙年展所創作的《台北戶外雕塑》（Outdoor Sculptures Taipei），和新作《維也納室內雕塑》 （Indoor Sculptures Vienna）並置呈現，兩件相距20年的系列攝影成為相互參照的線索。沃姆在台北及其居住的城市，分別於戶外及室內探索人與物的不尋常或偶然姿態，以瞬時的表演來應對當今生活的稍縱即逝，藉此回望他與台北之間的交會脈絡。

建築是歐文．沃姆一直以來樂於探究的領域。本次展出以台北地標101節節高升的造型，打造限地製作「攀登101」（Climbing Taipei 101）於展間中豎立起彷彿從地底貫穿直上的結構，將僅能遠望的地標建築近距離再現於觀者面前，讓他們在觸碰、攀爬之際感受建築體尺度與自身的相互關係。

「表演雕塑」（Performative Sculptures）系列作品的台北版，由表演者依照指示操演動作、施加於臺灣著名地標建築的泥塑模型上，使其產生形變。表演的紀錄影片將與風乾定型的雕塑在展覽中一同陳列，沃姆透過肢體展演再形塑建物模型的過程，思索社會符號、意識型態、行為以及認同之間的衝突與關連。 「文字雕塑」（Word Sculptures）系列，則透過參與者在朗讀出聲的瞬間，將文字變幻成彷彿具體形現於空間中的流動雕塑。人們可以在展場欣賞、參與創作，亦或短暫化身為展品，以行動重塑雕塑的形貌。

策展人傑宏．尚斯表示：「沃姆專注於能被參與者賦予生命力的作品，透過邀請群眾共享時刻來擴大當代藝術的邊界，並將群體、關係和相遇的概念重新引入雕塑領域，模糊了表演和日常生活、觀眾和參與者之間的界限。」在他的創作裡，跳舞、運動、玩耍、讀書甚至是心理或哲學問題，都具有雕塑的特質。

《一分鐘台北》是過去與現在、個人和集體經驗的交織，意圖將雕塑重新定義、擴展，甚至翻轉成一種參與和玩耍的媒介，藉此探討我們存在與看待世道的方式。厭倦了平凡無奇的現況嗎？這年初夏走進北美館，與怪奇藝術家歐文．沃姆一同以幽默輾轉日常！

圖文來源／台北市立美術館
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／以街頭為場景，歐文．沃姆創建個展《一分鐘台北》，共同見證台北的奇趣時刻！
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這篇文章 非普通雕塑：歐文．沃姆《一分鐘台北》與觀者共同創作 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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博物館是複雜的綜合性組織，組成包含：館長、展覽設計師、典藏人員、編輯與營銷人員，他們必須共同合作，以確保其收藏與展覽品能以最好的形式公諸於眾。

這個過程需使用合宜的展櫃，不僅用於保護展品，也能強調作品的藝術性。本文以Goppion的圖片為範例，一一指出視覺面與實際面的考量，並提供該如何選擇展櫃的建議。

藝術品

不同類型的藝術品顯然需要不同的展示方法。繪畫需要畫框；雕塑和其他獨立物件可能需要基座或垂直展架；而書籍，紙本或其他類似物件常會放在桌上呈現。

這些考量必須針對個案，基於藝術品的特色與畫廊和展覽的整體設置。比方說，有些雕塑品要從正面觀賞，那麼大可不用製作全面玻璃的展箱；而有些畫作需要特殊類型的畫框，特別是有三維外觀或厚重顏料的畫作。以藝術品本身為出發點考量，是選擇展示櫃的首要因素。

預防性保存

考量到展品不見得處於最佳狀態，因此，物理、化學性的保存問題是決定性基礎。物件的年份、製成材料、展間的條件、或博物館建築物，以及接近作品的參觀人數都會影響藝術品。 有些雕塑可能不需要展示櫃，但其他藝術品或許要密封保護，確保物體不會隨著時間而變質。對於此類精細的物件，設計人員必須選擇並提供必要的展示條件。

展示

對許多藝術品而言，陳列是一個重要的問題，其需求不一定都能直接解決：例如藝術家的筆記本該水平、直立或全部擺在靠牆的陳列櫃？小雕像呢？是否需要將它們掛在牆上，還是放在背後加固的獨立式展盒裡更好？通常來說，空間與策展意圖的限制有助於解決問題，並確定最適合展品的形式。

設計感

展櫃本身的設計非常重要。好的展示櫃應有效地突顯藝術品，卻不會分散觀者的注意力。無論是在簡單的「白盒子」展間，或形式更複雜的展場中，都不該分散展示間的整體設計。因此，設計師必須在全玻璃櫃，木製框架，金屬框架或烤漆框架之間做出選擇。若選擇框架，則須考慮框架的厚度，以及展覽其他部分的一致性，還有框架的顏色。

互動性

對於特殊的展示間或畫廊，互動式展櫃可以增進孩子對展覽的興趣，或能提供更多教育性給成年人。然而，這樣的形式還不普及，也容易被忽略。對目的在建立互動或沉浸式環境（甚至節省空間）的特殊展覽中，該類型的展示櫃就應該被納為重點考量。

作者／Lilly Cao
圖文來源／archdaily
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「各位乘客請注意，本班機即將抵達OOO島。」熟悉的開場白，你今天集合了嗎？到底是什麼遊戲可以掀起全球熱題？就連平時不玩遊戲的朋友也已淪陷；開放性遊戲劇情和擬人化角色設計，讓《集合啦！動物森友會》一推出就搶下2020年Switch銷售最佳排行，相信大家皆已耳聞這款熱門遊戲，若你尚未入手或是還在猶豫，以下五大亮點請小心閱讀，以免無法自拔！

新作設計原意為社交模擬遊戲，首先大家會選擇一個喜歡的島嶼，接著遊戲本身會跟著現實時區流動，玩家可以設定南北半球、季節輪替，幻化心目中的理想居所，並在無人島上發展生活型態，結交動物朋友參與各項活動，近日還有人在島上辦起婚禮、策劃個展等等，閒靜的時候就釣一釣魚、種種花草，體驗著田園生活，相當簡單愜意。

1.「因為什麼都沒有，所以什麼都做得到。」專屬「人性」設定，客製化自己來

選一個平時無法掌握的髮色、或是為房間好好整修一番，從最基本的角色設定，玩家亦可以在無人島上隨心所欲的搭帳篷，想要哪個方位自己決定，隨著金幣的累積，下一步便能著手改造陳設、購買傢俱，有著藝術家天份的你，也能親自手繪創造衣服、壁紙。從零開始，建立自己專屬風格的村莊，保證擁有滿滿的成就感！

2.「該繳房租了！」狸貓村長的房貸壓力讓人甘願受，上百隻動物鄰居互動超療癒

打理好自己的小窩，下一步就是去拓展人際關係，交交朋友啦！超過400隻不同種類、個性的動物們將隨機出現在遊戲當中。 有時你會看見動物們一起曬太陽、閒話家常，也有一些動物有著固定身份，像是村長狸貓會不定期的催促繳交房租。由於遊戲和現實的時空同步，所以當我們下了班以後，進入遊戲世界便能接收到各種關心問候「下班啦？吃飽沒？」讓生活變得不再寂寞！

3.畫風細膩無處不令人著迷，獵奇配音止不住會心一笑

身旁許多女性朋友都推薦這款遊戲，最大的原因就是可愛細緻的畫面場景。無論是隨風搖系的花草樹木、涓涓流水的流動方向，至每個角色的生動肢體語言，都極為自然且合乎邏輯。

另外一大特點，就是那聽起來讓人似懂非懂的語言，不過聽久了好像就能理解一些，同時意味著我們步步沉迷、步步同化；不僅如此環境的音效也透過細膩處理，現場感的營造透過左右聲道產生強弱變化。

4.遊戲宛如大型百寶袋，寶物、道具多到數不盡，還能與現實連線

沒有既定套路的玩法，只有一再的出其不意！在遊戲中，玩家能透過活動掙取「鈴錢」與「哩數」，好結束最開始的遊戲拓荒期，接著透過擁有的財富購買道具，以利後期的遊戲體驗。

此外人手一支的「Nook手機」還能與真正的手機連線！只要下專用App，就能把現實手機當成遊戲內手機的聊天鍵盤，或掃描其他玩家製作的裝置QR Code，讓現實與虛擬無縫接軌。

5.非常時期只能在家防疫，但在無人島上想辦婚禮都可以！

在COVID-19肺炎疫情的影響之下，為避免群聚、保持安全距離的當下，根據遊戲已經建構好的平台進行線上婚禮、展覽、聚會，不失是個好方法。

日本像素貓咪畫師BAN8KU（@ban8ku）的《條紋貓》特展，前幾日於BAN8KU島上熱鬧開展，雖已結束檔期但憶起空前盛況，除了可以看展外，還能參觀到BAN-8KU的虛擬畫室，或是動動手指在牆上可以刷新 QR Code下載紀念手機桌布，簡直滿足了現代人無法踏進展場欣賞藝文的種種欲望。

有些人更因疫情而暫緩婚禮，索性乾脆邀請親朋好友決定在遊戲中舉辦婚禮，讓遊戲增添浪漫與溫情！網友ashmush在REDDIT分享了一則關於《動物森友會》的難忘經歷，關乎他的人生大事，為了順利與另一半步入禮堂，於是精心策劃了海島婚禮，意外獲得大量網友的祝福。

一款堪稱連細節控都無可挑剔的遊戲！

《集合啦！動物森友會》以內涵、精美度、誠意打動人心，更重要的是，由於遊戲的時間觀念與真實世界接軌，隨日夜時間的流逝，生態和天氣也會有所變化，讓它著實具備了「人性」的特點，強調了「生活感」和「歸屬感」；無聊的時候，就邀請朋友來島上一起生活、一起同樂吧！滿足了我們對美好世界的想像。

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／無人島由你建造！任天堂最強掌機遊戲《集合啦！動物森友會》，五大亮點讓人非得入坑

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希臘哲人柏拉圖認為，人的靈魂分為三個部分：理性、激情和慾望，而慾望與激情應服從理性，才是自然和諧的狀態，靈魂也才能純潔高尚，並擁有真正的幸福。

在希臘語意指為「寧靜」的「Ataraxia」展覽，阿根廷藝術家Eugenio Cuttica讓一百五十個玻璃纖維女人站在白色椅子上，並在其中嵌入LED照明裝置。成排列隊的女人透出冰雕般的冷白光芒，從地板延伸到十米高的天花板上，探索人們擺脫慾望，獲得平衡與幸福的方式。

如冰的女性雕像帶有脆弱特質，她們個個挽著髮髻，年輕臉龐下露出頭頸間的美麗弧條，並身著簡單裙裝，讓人想起竇加筆下那些青春的芭蕾舞者，看似青春雋永、兵馬俑似地立在一個彎弧如大船的基座上，在一旁的木船與繪畫等作品的輝映下，更似那沉入千萬年的船隻殘骸與承載著的眾多靈魂剪影。

藝術家表示，「Ataraxia」指涉的是一種鎮定但鼓舞人心的美，那是一種寧靜──激動則會引起恐懼。這件藝術作品即以自身的微不足道和與自然的統一性，來指代觀者的意識。該檔展覽曾於2018年在MAR博物館展出。

圖文來源／COLOSSAL

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插畫家安德烈斯‧蘇亞雷斯（Andres Suárez）的沉思作品，以許多方式探索人類情感和身分認同的複雜性。蘇亞雷斯的創作過程，長久以來歸因於一種自我意識的尋找和探索，插畫則儼如一扇通往潛意識和潛伏情感的窗牖，讓他有了機會去探索自我意識，創造一個闐溢著寧靜平和與沉思的場域。

他的插畫作品中，經常摹繪著個體留置於一幅近乎空疏、寥廓的場景，景象圍繞著孤獨的主題建構出細膩的敘事。人物凝結於其中，儼如靜止或等待著甚麼，沉思著自己或是他人，雖然每一幀插畫勾繪著某一處場景，但觀者依舊能藉由蘇亞雷斯在每個作品中所用的互補性柔和色調，感受到連結感。

對藝術家來說，創造的過程是習慣亦為個人研究的過程，對此，蘇亞雷斯曾這麼解釋：「每幅插畫呈現了一部份的我，一部分的自我剖繪。」蘇亞雷斯進行插畫的過程中，蘊含創造過程所提供的自我反思自由。在每個場景，他研究肢體語言的精微變化，以及人類互動和情感的醋宗複雜細節。

圖文來源／IGNANT

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來自比利時的插畫家 Herlinde Demaerel 創作了一系列溫暖寧靜的幻境，彷彿將夢裡的景色具象化，從他從容的筆觸感受其對夢境的喜愛，超現實的魔幻風格卻溫暖人心，賦予筆下所誕生的生命與物件獨特的紋路與奇幻色彩，這些祥和、可愛的畫面多了一絲天馬行空，讓人分不清夢境與潛意識的虛實，錯落於畫紙之上，加個框就更完整了。

如果可以置身於這樣的情境中、甜甜睡去，豈不是挺好的。藍鯨伴舞、夜空星斗，清澈的大海中長出疊疊巨岩，逆流而上的河水像是述說著力爭上游，越攀越高就能觸碰到象徵希望的燈塔，指引著來時路，我們都像是迷了路的小船，終有天能順利返航。

Demaerel 的夢境旅程以動物為主角，乘著想像力啟航讓心更加自由。低著頭失落的鳥先生、能完成心願的兔子精靈、擁有靛藍秘密的貓頭鷹、形影不離的梅花鹿雙胞胎，牠們深埋著心裡話，透過夢境傳遞到我們耳邊，那些話或許足以療癒你受傷的心、重拾對生活的熱情與勇敢追夢的意念！

每個人心中都該有一個象徵圓滿的畫面，然後用一生去追尋。漂浮白雲上的獅子長出小小的天使翅膀，海藍色的毛髮帶點神秘感，密集的黃色斑紋卻又有些趣味，望著牠的神情像是能直通另個世界，在夢中與之相遇，還沒搞懂其所要傳達的旨意，就醒了過來。 Demaerel 了解每個人都曾想過循著夢裡殘存的記憶，努力拼湊不想忘卻的情節，藉此喚醒另個世界裡的自己；然而那些美好的事物，無法帶入現實生活，就將它們停留在相應的時空，當身心需要治癒時，那就安心躺入被窩緩緩睡去。

文／Beryl

圖片來源／Herlinde Demaerel

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原文出處／今夜也想夢見海藍色的獅子！插畫家 Demaerel 筆下迷幻夜色的靜謐夢境，讓人捨不得醒來

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“Blackbird fly, blackbird fly
Into the light of a dark black night”

The Beatles主唱McCartney在悠揚吉他中清亮唱著〈Blackbird〉，這首以種族議題為靈感的歌，觸動了美國攝影師Jamie Johnson作為一名女性，同樣想在這世界自由遨遊的心靈。她即以Birdee為名，從2014開始以攝影捕捉女性的形象。

Jamie Johnson使用35mm底片自拍，以療癒自我與喚醒潛能，賦予自身自由，進而拍攝其他女性，並在以影像記錄、分享其生命的經歷與處境，並在她們身上探索女性的特質、力量與優雅。

藝術家常將她的模特兒帶到戶外，或裸身或僅著薄衣的女性，在山谷沙丘、在溪畔海邊，畫面裡通常不帶太多背景元素與色彩，彰顯女性胴體在清澈的水下，或在風裡光裡的徜徉姿態，顯得美好純淨，也顯得自由。

Johnson的女性身影總是帶有種潔淨，絲毫不讓人產生張雨生〈河〉裡「迴繞你的頸間／在你唇邊乾涸」那種繾綣遐想，而是展露受了自然的施洗，去除這世界加予的辱罰，得到宛如嬰兒的無罪新生，眼前的未來也似乎寬廣有光。

「你的心就是你，你的思想就是你的住所。」Johnson引作家Elizabeth Gilbert轉述愛人的話這樣提醒自己，想必在這個總是傾斜的世界裡，她仍會仔細傾聽自己心底的聲音，帶著她對女性的溫柔關注繼續拍攝下去。

圖片資料來源／BIEDEE、Instagram

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每次看見甜甜的粉嫩顏色，都不自覺會微笑，像是軟軟的棉花糖、七彩的棒棒糖，還有大自然那絕美的、巧奪天工的色彩。所以當我瞧見攝影師 Paolo Pettigiani 捕獲那粉紅與白色的迷人沙漠風景，瞬間就療癒了我的心情。

對於沙漠，大家肯定就直觀是黃褐色，了無生機的一片荒蕪，但在 Paolo Pettigiani 此次前往秘魯探尋的旅程之中，我們可以看見粉嫩的沙地、綠洲，透過他對於山景的線條、自然的色彩講究以及愛好捕捉風景的熱情，於是在他鏡頭之下的沙漠又更加迷幻了。

另外，Paolo Pettigiani 也前往位於在玻利維亞高原上的科羅拉多拉古納湖，也稱紅色潟湖。這座湖與自然規律相反，湖水呈現不常見的紅褐色；大自然給的神奇魔法，便讓這座湖增添許多神秘感，許多人也被那夢幻般的配色，那怎麼樣都複製不了得美麗的景觀所吸引。

以上這些不可思議的情景，就像是宇宙萬物給的恩賜，大自然裡的有形與無形，因為時間而演化成如今動人的景色，是我們身而為人有幸一見的好運吧。希望地球永遠這麼富麗、永遠如少女一樣迷人。

文／辛蒂

圖片來源／Paolo Pettigiani

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原文出處／像少女般的顏色，義大利攝影師 Paolo Pettigiani 鏡頭下的秘魯粉紅沙漠

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這篇文章 義大利攝影師 Paolo Pettigiani ，以鏡頭凝視秘魯粉紅沙漠 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

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德國藝術家Katharina Fritsch今年二月首度在洛杉磯Matthew Marks畫廊舉辦個人展覽，在那裡呈現她的三件最新雕塑作品。在畫廊中央，豎立一尊超過12英尺的《公雞與基座》（Hahn und Podest，2013/2019），那是亮藍色的公雞雕塑站在鮮綠色的圓型底座上。伴隨在旁的是同樣塗成亮藍色的雕塑品《兩個男人》（Zwei Männer，2019）。

Katharina Fritsch表示：「男人以女人為模特兒，所以我也以男人當作我的模特兒，他們是我創作的謬思。」

如同公雞雕像，《兩個男人》也以相當精細的工法雕塑，從他們的鞋子到手上拿的智慧型手機都很細緻 。 但人物為不知名人士，無法看出他們代表誰。而另一件作品《星星》（Stern，2020）安裝於畫廊的牆上，是全長八英尺的塗漆鋁材之作。

整體來看，這三座雕塑可看作一個整體，皆具有完美的表面，看似工業設計作品，但事實上，它們是藝術家在這五年間於工作室手工製作的。

沒有綠色底座的《公雞》曾在2013至2015年在倫敦的特拉法加廣場（Trafalgar Square）展出，而現在它被安置在美國華盛頓國家藝廊的屋頂。第二個戶外裝置版則放置在美國明尼蘇達州沃克藝術中心（Walker Art Center）的雕塑公園。

Katharina Fritsch（1956-）目前在德國杜塞道夫（Düsseldorf）生活與工作，她在同輩雕塑藝術家中，是數一數二的佼佼者。1995年曾代表德國參加威尼斯雙年展，其個人展覽橫越歐洲至美國，包括在舊金山現代美術館、倫敦泰特現代藝術館、蘇黎世美術館、芝加哥藝術博物館，以及紐約的Dia藝術中心。

圖文來源／Contemporary Art Daily

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由建築網站Blank Space所舉辦的童話（Fairy Tales）敘事插畫競賽，2020年已邁入第7屆，相較多數競賽，它強調故事和藝術的雙雙鑄鎔。由上周公布的獲獎名單可察知，今年盤據作品的主題，在在反映出時代關切與精神，包括環境崩壞、生存危機、現實暴力以及漫瀰全球的不確定性。來自65個國家的參賽者，藉著故事和插圖去探索現下議題和架空歷史的虛構事件。本屆評審團由建築師、歷史學家、作家以及前獲獎者等共同組成，共有三名奪得殊榮，11名榮膺佳作。

第一名：沒有冬季的一年

由Tamàs Fischer以及Carlotta Cominetti所創作的《沒有冬季的一年》（The Year Without a Winter），他們提及擬設情節之時，思忖這世界必須停下腳步，人們則應改變原有習慣以避免生活崩塌，並保護自身免於狂暴急驟的氣候變遷等此類的陌生殃禍。

他們語重心長提到，「現在我們意識到，當時虛構的情節已是現下世界所處局勢：等待、無聊、孤獨、悔恨，而社交媒體成了唯一出口。」不過兩人想強調的在於，顛危狀態正好是轉捩點，躓踣困阻往往能帶領人們深刻思考，並激盪不同以往的創造力。自從新冠肺炎疫情蔓延，人們持續談論生活轉變相關事件，這些無不切中Fischer與Cominetti整體敘事的主軸：生活無可避免轉彎，但總會朝更好邁進。

第二名：共生

由Aleksandr Čebotariov以及Laura Kuršvietytė所創作的《共生》（Symbiosis），裡頭內容屬於孩子氣的嘗試，冀盼解決人們當前遭遇的各類危機，包括生態、社會以及生存層面。人類當前儼如儀式的生活常規，多奠基於資本主義之上，我們拋擲自己於工作、放逐於森林、田野，還有商業廣告中，漸進式麻痺後，忘了感官等敏銳觸受這些與生俱來的本能。

Čebotariov和Kuršvietytė談到，「我們廣泛受到The Swamp School所啟發，也就是第16屆威尼斯建築雙年展立陶宛館，當時我們自願參與由Nomeda & Gediminas Urbonai兩人的策展計劃，之後則在荷蘭布魯塞爾的城市環境裡生活，這些結合了威尼斯的經驗共同刺激思考。」

第三名：華雷斯城的哭泣女子

Albert Orozc與Edward Rivero合作的《華雷斯城的哭泣女子》（Lloronas of Juárez），乃是有感遷佔者國家實施的疆畿管制（此處即指美國），並對此手段造成的移民暴力議題提出詰問，尤其是那些加諸婦女與孩童的部分。創作者順勢應用抗爭藝術、歷史性敘事和景觀都市主義（Landscape Urbanism）去重新想像，倘若人們轉向與土地更有連結性的方式行動與思考，美墨兩國的邊境生態會變得如何？

沉甸甸的創作，淒楚而沉鬱，但這背後卻有積極的信念，對此Orozc與Rivero解釋，「我們的計劃乃是對種族移民政策、性別意識形態以及排外邏輯提出批判，而這些都融糅在邊境和監獄的設計和構造。」兩人作品嚴正呼籲應廢止囚禁移民的拘留中心，藉著主人翁掙扎和抵抗的摹繪，講述那些遍布全美、身陷囹圄的移民族群。Orozc與Rivero期待移民戮力齊心，讓移民權利活動家、批判學者、藝術家、設計師以及社區組織者，能持續反抗強權擴張領土，進而朝向無國界的未來展望。

圖文來源／Archinect News

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