城市美學新態度

因COVID-19病毒於全球大流行，導致美國最大的博物館 — 「大都會博物館」周年紀念活動延宕。4月13日為紐約大都會博物館開館150周年，原本歡欣鼓舞的時刻，不僅有年度計畫的慶典，還有每年五月的時尚大展Met Gala，皆隨著疫情惡化不得不放棄舉辦。

大都會博物館創建於1870年，這個全美最大博物館在其17個策展部門中，館藏共超過200萬件作品。到2019年，它擠身進全世界最多人參觀之博物館的第四名，吸引近650萬入館人次。然而，因目前發生世界性危機 ，館方被迫關閉至七月，估計將損失近一億美元。

博物館發出聲明，「在這高度挑戰的時刻，我們的內心深感沉重。而替代原先計劃的館慶活動，館方將藉此機會反思群體的恢復力，並思索藝術如何帶給人們安慰和啟發，即使是在當下這個最艱難的時期。

為紀念這個特別的情境，在閉館的同時，大都會的150周年網站上將提供大量數位內容，包含《Making The Met, 1870-202》虛擬預展，該展在館方重新開啟後，將以實體肉容首次亮相。

下列，讓我們回顧大都會博物館參觀人數最多的前十大展覽：

•《神聖之軀：時尚與天主教印象》（Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination，2018.05.10-10.08）
訪客人數1,659,647

•《圖坦卡門的寶藏》（Treasures of Tutankhamun，1978.12.20-1979.04.14）
訪客人數1,360,957

•《蒙娜麗莎》（Mona Lisa，1963.02.07-03.04）
訪客人數：1,077,521

•《梵蒂岡收藏》（The Vatican Collections，1983.02.26-05.12）
訪客人數 ： 896,743

•《巴黎畫家》（Painters in Paris，2000.03.07-2001.01.14）
訪客人數 ： 883,620

•《中國：鏡花水月》（China: Through The Looking Glass，2015.05.04-09.07）
訪客人數 ： 815,992

•《印象派起源》（Origins of Impressionism，1994.09.27-1995.01.08）
訪客人數 ： 794,108

•《手工 x 機器：科技時代的時尚》（Manus x Machina: Fashion in an Age of Technology，2016.05.05-09.05）
訪客人數 ： 752,995

•《聖馬可之馬》（Horses of San Marco，1980.02.01-08.31）
訪客人數742,221

•《畢卡索在大都會博物館》（Picasso in the Metropolitan Museum of Art，2010.04.27-08.15）
訪客人數：703,256

作者／Hakim Bishara
圖文來源／HYPERALLERGIG
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 開館150周年館慶停擺：回顧大都會博物館前十大人氣展 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

高雄市立美術館為因應防疫，年度國際特展《黑盒──幻魅於形：湯尼．奧斯勒》自原定4月11日順延至今年底開展，並預計於本（4）月起，陸續推出《黑盒──幻魅於形》線上前導展，雲端典藏導賞企劃《百夜藝術默讀》將由專家學者導賞高美館藏中不可錯過的經典百品，另外亦規劃結合線上與線下專題講座的《南島當代記憶工程》等藝術推廣提案，讓民眾在防疫期間可透過美術館建構跨域平台與藝術串連對話。

年度國際大展《黑盒》線上搶先報

今年冬季，高美館將與美國紐約知名錄像鬼才藝術家湯尼．奧斯勒（Tony Oursler）攜手推出其在亞洲的首次大型個展《黑盒──幻魅於形》；在年底正式開幕之前，特展《黑盒．幻魅於形》之線上前導展覽將於本（4）月11日（週六）起搶先登場，與台灣觀眾線上見！高美館特邀藝術家奧斯勒與大眾對話、分享台灣獨家「留臉忘返」徵臉創作活動之回饋，期間並將透過精選作品介紹、國內外藝術名人導賞，更加入兒童版本線上導覽，陸續於美術館官方網站及社群平台釋出展覽影片與精彩花絮，進而為年底展覽提前暖身。

防疫不防藝！高美館典藏上雲端

雲端典藏導賞計畫《百夜藝術默讀》集結高美館雙月刊《藝術認證》自2005年創刊至今的典藏專欄文章選粹100篇，結合20則專家導賞影片以及20則有聲書，透過文字、影像與聲音打造有聲有影的名人導讀體驗，進一步認識美術館典藏；此外，在高美館修建的６月至11月間，將特別配合《百夜藝術默讀》舉辦「夜賞經典」期間限定活動，邀請民眾在非開放期間來到美術館，由專家現場導賞經典原作，近距離感受獨特的藝術氛圍。

奠基於長年研究南島當代藝術策展檔案與典藏等豐富累積，高美館並將於今年夏季推出《Whose Memory? 南島當代記憶工程》系列講座，邀請國內外學者專家、藝術家、策展人與第一線藝術文化工作者共同參與，針對當代南島文化議題，透過館藏南島藝術創作與策展檔案，發展線上及線下的專題講座分享、實地採訪錄製動態影像，並整合於網站上供大眾研究學習。

為讓民眾防疫期間也可持續接觸藝術，高美館也分別與嵐創互動實境，以及學學文創基金會合作開發虛擬實境線上導覽；透過下載APP「AR2VR」可取得展覽實景搭配作品解說，可從裡到外──在高美館展覽廳、藝術生態園區與兒童美術館逛個過癮；而與學學文創合作發展中的720度環景實境導覽網站預計於近期上線，將細緻呈現高美館多元史觀典藏特展室首部曲《南方作為相遇之所》的展覽場域，讓一般大眾不受時間與空間等限制，隨時隨地免費探索館內展覽。

此外，高美館更精選館藏7件經典作品，集結出版AR導賞書《現代符碼：南方現代藝術的創作密語》，結合紙上典藏、歷史文獻與AR動畫，以智慧型手機或平板作為媒介，帶領體驗者進入藏匿於作品之中的創作符碼，AR導賞書可於高美館選物店「高美書屋」購得。

圖文來源／高雄市立美術館

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 與紐約錄像鬼才Tony Oursler雲端見！高美館推線上藝展 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

賦閒在家，身邊的女子們默默又拿起了針線，開始打素描、挑色，要以最足夠的耐心在布上創造自己的花草世界。

對於會繡畫的女孩子，總讓人有輕絲薄絹那樣的美好想像，有個機器代勞織衣繡袍的現代，女性刺繡如在花海裡起舞，市面上的刺繡課也總迎著少女夢幻的夢，輕輕巧巧，不沾染一絲外部現實或更深層內在的色澤。然而，在洛杉磯的藝術家Michelle Kingdom卻另闢蹊徑，以刺繡描繪了自我內心、敘說更多更廣的事物。

Kingdom的刺繡裡同樣有花草樹木或動物，然而自然對她而言比較像營造故事氛圍的配角或花邊裝飾，而不是主要描繪的對象，反而畫面裡的人們才是──他們或單獨出現，或成群現身，帶有敘事，讓觀者像正撞見某個場景。Kingdom的作品用色不若日系或法式的柔和雅潔，而是帶有點陰鬱色調，線條也不走細膩巧緻路線，保留了色線的長線條，這使得畫面裡的人臉孔模糊，讓畫面顯出了模糊筆刷感，好似在某種或回憶或神話的半虛半實場景中。

藝術家表示，她在作品中探索心理，闡明了未言的思想。「我在繡線中創造一個微小的世界，以捕獲難以捉摸但持久的內在聲音。文學片段、記憶、個人神話和藝術歷史是作品的參考資料。我將這些影響融合在一起，探索了人際關係、家庭生活和自我認知。」

往內在深入探詢，挖掘到的總不如表面呈現的平靜美好。Kingdom讓多彩纖細的繡線直視人心，在象徵圖像與寓言找尋渴望與侷限、期望與損失、歸屬與疏離、真理與幻想等內在狀態，並以此找到比其創作材料更顯脆弱、憂鬱與美感並存的世界。

圖文來源／COLOSSAL、Michelle Kingdom

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 憂鬱與美感並存，Michelle Kingdom以針繡探索心理世界 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

若目睹浣熊在聖彼得堡的河中清洗手爪，或章魚用其觸鬚吸附在都市公車上翻攪，這些情境對多數城市居民來說，無論何者都足以使人驚詫連連；但即便如此， 藝術家Vadim Solovyov 依舊將這些超現實場景再推向極致。他摹想著俄羅斯城市中，一群尺度儼如哥吉拉的烏鴉、企鵝以及變色龍洶湧來襲，都會巨獸茫然其中，讓人感受到一種憂傷與戲謔感。

翫味這些作品，動物舉止一如徜徉於自然棲息地的模樣，像是攀爬、行走、休憩等，要說異常，就是牠們荒謬地擱放到人類生活的場景。像身形如人般的樹獺，畫裡牠不再隸屬熱帶雨林，而是置身便利商店，一如平日那般意興慵懶，並滿臉傻憨地站立於擺滿糖果和巧克力棒的櫃檯後放。

Solovyov之所以開啟這一系列狂想式作品，目的在於探索真實生活中所發生的詭譎荒誕事件，例如對巨大浣熊的揣測和臆想，牠做了如此描述，「安靜用牠們自己的方式穿越荒蕪的夜城，接著到達堤岸旁，害羞地在水裡洗著東西，而且相當充分，不會少於20秒。」相信聰穎如讀者必然能攫捕到其中暗喻，就會瞭解Solovyov俏皮地把對新冠病毒COVID-19的防疫措施也嵌入到畫中：徹底清潔手部20秒以上。

事實上Solovyov不僅重視畫作的視覺，文本組成也同樣重要。體型巨大的動物僅是超現實作品中的諸多特徵之一，牠們的起源，以及存於世界歷史的軌跡，都以一種零碎的文字線索揭櫫於畫裡。Solovyov提及創作脈絡，反映著自身所在城市和國家的某些真實事件或現象，他則藉由隱晦，有時甚至是怪異的方式，從中娓娓傳遞對他而言重要的社會議題或沉痾，像是對動物、政治和社會漏洞的態度。但他亦坦言不諱，有些作品僅是諷刺意味的「視覺遊戲」而無附加太多深度內涵。

圖文來源／Colossal

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 從憂傷到純戲謔：Vadim Solovyov刻畫巨獸版《格列佛遊記》 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

藝術家Colleen Carlson 透過3D列印技術，在陶瓷為材料下，絲絲縷縷地勾摹出她的內在世界。擁有時尚背景的Carlson，讓她在陶瓷創作上得以展現卓越美學和精確的態度。正因作品囊括了傳統陶瓷工藝及當代技術的雙重優勢，讓她能擺脫框架拘泥，在保有材料澹美溫潤特質之餘，還能狂傲地演繹著線條綿密、構造繁複且輪廓殊異的幾何形狀雕塑，創造出彷如鸚鵡螺殼截面般的不思議造型。

Carlson雖然身為加拿大人，但卻選擇居住在紐約布魯克林，她親手製作的陶瓷雕塑，展現純粹的幾何以及有機構造之美。目前她的作品因選擇替代性材料以及不同製作技術，得以超脫量體尺度的禁錮，轉向大型藝術裝置呈現。除了壁掛或落地式雕塑作品外，其嵌入燈光的雕塑系列亦十分引人入勝，每件作品，都流露一份輻輳紛紜的詭麗，而身為一位對美高度挑剔的創作者，其雕塑往往也能在攝影鏡頭下，用一種最適當的圖像語言去呈現，使作品最原始、最細微的每道線條皆清晰呈現。

圖文提供／Design Milk

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 雕塑一如鸚鵡螺截面之美：遇見Colleen Carlson心底的千絲萬縷 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

奧克蘭藝術家Carrie Burch在COVID-19大流行時期有一系列有趣的作品，其諧擬之作《男孩與水果籃》就如16世紀的繪畫。其實該幅畫即Carrie Burch以自己的樣貌，翻製米開朗基羅16世紀的《男孩與水果籃》肖像，該系列作品被po在instagram的「imquartantined」系列中。

「這張是我經歷兩小時『快速』雜貨店之旅後的感想。」她在instagram的說明文這樣寫道，那則貼文放了張Burch的自拍，她裹著白色床單，抱著放滿香蕉、柳橙、檸檬和鳳梨的籃子，「不准碰我的寶貝水果。」

這位奧克蘭藝術家告訴《紀事報》，「我剛30歲，出櫃自己是雙性戀，失去了理想的工作，對未來感覺很不明確。」Burch說她之前的在當地女性的共享空間工作，雇主在那裡關門後，確定不會再雇用她。

「我意識到自己無法進一步定義對自己的印象，不像我最初希望的那樣，但那也沒關係，這樣其實還滿酷的。」Carrie Burch的「imquartantined」系列照片，反映出她對身份認同的追尋。

她的創作條件如下：限時30分鐘內，從網路上挑一張代表性的人像，從1984年新聞攝影師Steve McCurry的照片《阿富汗女孩》（1984），到法國畫家Gustave Courbet《絕望的男人》（1843） 肖像畫 。

她在其400平方公尺的公寓內，以現成空間與家具、衣服重現肖像場景。沒有什麼不能用來做道具。為重現René Magritte的名作《戀人》，Carrie Burch找了她的先生共同參與演出，拍下兩人的臉包著枕巾的隔離之吻。

「一開始做這系列作品，只是想讓我的朋友大笑，並沒有太高深的用意。」Burch說道，但至今她卻在創作的過程中，一點一滴地找到她自己。Burch的instagram用傳奇攝影師Cindy Sherman的重製照片當頭像，而這個系列也是被設計師Grace Kelly在instagram上的#indoorstyle所啟發，那是他們在家裡創造各式場景的挑戰。Burch希望她的那些照片，至少能為防疫隔離期間的生活增添一些色彩。

作者／Mozes Zarate
圖文來源／DATEBOOK
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 Carrie Burch的諧擬之作：防疫期間惡搞經典肖像畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

想到白色，你會聯想到什麼呢？

「襁褓／嬰兒服／鹽／雪／冰／月／米／海浪／玉蘭花／白鳥／笑得很白／白紙／白狗／白髮／壽衣……」曼布克文學獎得主韓江，在白紙上寫下65篇對白色的冥想，匯聚成小說《白》，冷冽到疼的字句中蘊含炙熱，並帶著孤獨、寧靜及勇氣。

而在舊金山藝術家Zai Divecha眼裡的白，卻較近似日本俳句裡歌詠的風花雪月，帶有純淨詩意。Divecha的作品皆由白紙製成，藝術家以手指一遍又一遍溫柔摺疊，在重複勞動中沉澱心靈，而在此沉靜狀態下誕生的量體，宛如一處自設結界的精神避世所。

當你見到其作品天龍座（Draco），不由得會想到日本那掛在樹幹、鳥居或拜殿屋簷上，白色和紙疊成、狀似閃電的潔淨紙垂。一條條立體的紙雕塑垂掛在白色立面上，在宛如有風即能如浪飄掀的輕盈中，為空間添上神聖平靜的氣息。

在天龍座或大犬座（Canis Major）中，白色立體雕塑上以夜空星辰為素材，切割出細小孔洞，當暖黃的光芒從細密孔隙中綻出，天龍座即在這千萬星光之中。凝視著這帶有日本神秘儀式感的散逸星光，不禁讓人在靜謐中感受到宇宙的廣闊與神秘。而當藝術家表示天龍座是一個孩子的誕生禮時，更讓那光亮如從未來帶來希望。

藝術家也擷取童年回憶，做為創作靈感──讓白紙摺成大小圓錐狀，散落在同樣潔白的立面上，宛如和出生當地的母親回到明尼蘇達州北部的邊界水域，乘著小小白色紙船，在錯落著沼澤、小樹林、島嶼中穿梭探索。

藝術家致力於內在的平靜，也敞開門窗看向世界。她不僅與不同行業、種族對話合作，耶魯大學的公共衛生碩士畢業的她，也持續關注健康議題，每年都以藝術為愛滋基金會籌措資金。同樣的白色紙面上大大小小的水滴狀白紙，將數據與社會影響優雅地編入作品紋理，好似一封致予愛滋患者、醫護人員、藝術家、教育者的情書。

圖文來源／COLOSSAL、Instagram

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 宛如神社紙垂的白色寧靜雕塑，綻出永恆星光 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

「把握時間，掌握方向」，但藝術並非一板一眼的呈現，德國當代藝術家Wolfgang Flad的創作生活，可說是順應某種規律而愉悅的節奏前行。他固定每天早上10點起床，習慣同時進行多件作品，因為他的雕塑基本上是用固定的媒材，無論是打紙漿、上漆、打模⋯⋯都使他得心應手，一次照顧數件作品，如同樹木生長般，一批一批地長出不同風貌。

製作那些彷彿動物骸骨的立體雕塑，Flad會先把初步構想畫成草圖，架構出輪廓，之後就順其自由發揮。它們猶如有機形體慢慢生長，但最後會長成什麼樣子，就連藝術家也無法一開始就百分之百確定。

但那些流動形的浮雕就不同了，Flad做這系列浮雕會先噴漆，上了七、八層漆之後，再集中大量精力，專心地刻出精準的線條。相較之下，在木板上的刻痕就像畫筆在平面上描繪，基本上是把腦海裡的畫面，像書寫一樣刻印到現實之中。

無論如何，Wolfgang Flad的「Everything Flows」（生生不息）全系列作品，可說它們代表著同一件事，他坦言，每一個作品都屬於自己的一部分。這些創作形式或概念，皆代表創作者的觀察與心念，包括他如何看待與感受這個世界，所以每一件作品都帶有他的能量、專注度、律動感，甚至是他當下的價值觀，藉由作品，他把這一切記錄並濃縮到作品之中。

特別值得一提的是立體雕塑上層疊的紙漿，其原料是Flad收集的大量藝術評論、報章雜誌，全部絞碎後再糊在彎曲的木料上。處理完成後，你再也無法從作品上讀出一字一句。但那原本乘載著無數藝術資訊的文本，已全數化為木料的覆蓋物，安靜地回歸紙類的原型——樹木。

「生生不息」這個主題也是由此而來的吧，從他的作品中，似乎可以看見自然之流，以及腦內的迴旋，安靜卻強大的宇宙韻律。

圖片來源／Bluerider ART
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 迴旋的思緒：藝術家Wolfgang Flad以雕塑創造永恆 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

影視內容已徹底滲入了當代文化，據統計，人們逾三成的網路活動花在瀏覽動態影像。由《美學雜誌》（Aesthetica）所舉辦的「美學雜誌藝術獎」（ Aesthetica Art Prize ）策辦目的，則用以鼓勵藝術家們持續用創作對這個世界提出詰問。2020年評審們挑選出五個作品，以象徵對各種社會文化現象的探問。

《單獨，一起》

由Laura Besançon所創作的《單獨，一起》（Alone, Together），創作者專於的核心練習在於遊戲、集體性以及場域的觀點。此作品以高樓大廈住戶生活為幕景，展開一場參與性實驗的影像紀錄。參與者接收指令，於特定日期與時間下對一首歌搭配著燈光開關的動作，每位實驗者不知道其他住戶也有參與，而是運用字母、光線和音樂作為溝通和創作的基礎。

《抗議，慶典，混合訊息》

獲獎者之一的Rhea Storr，其作品《抗議，慶典，混合訊息》（Rhea Storr, A Protest, A Celebration, A Mixed Message），與模擬行為的能力有關，藉此展開黑人與混合種族認同的議題論述。狂歡節為文化再現、化裝舞會以及黑人肢體表演提供了肥沃土壤。這個錄像作品探索了歷史悠久、位於巴哈馬的賈卡努狂歡節，藉著燒惡魔活動的華美、穠艷與熾熱的氣息，Storr凝視著當藝術家對其生產方式握有自主權時，將能創作出何種作品。

《沉默的土地》

由Elise Guillaume所創作的《沉默的土地》（Silent Grounds），指涉了近期的環境議題，將視角鎖定在剝削性的當代工業，透過探訪、有時甚至是滲透研究場域，將資本主義諱莫如深那一面鉤沉而出，尤其過程中，她始而意識了對待自然與女性兩者間的高度相似性。《沉默的土地》尋求一個空間，該處可提供吾輩省思自身在人類世代（Anthropocene）的角色與責任。

Pernille Spence & Zoë Irvine

Pernille Spence & Zoë Irvine這個作品屬於概念、方法和媒材的綜合體，它結合了創作者個體在聲音、表演、雕塑以及影像上的整合性實踐，Bob和Sink跟隨著一片橘子漂蕩瀄汩而流的河川與溪水，從這一幅畫面中，橘子顯然成了某種異體，單獨地在水流中載浮載沉，縱然如此懸浮與如萍浪跡，但又隸屬在一個群體，是重力讓橘子匯聚在一塊，持續運動著，而這是否照映出我們的社會？

《矛盾》

由Chris Yuan所創作的《矛盾》（Counterfictions），使用了影像、小說、聲音、設計以及表演，藉此審覷人類所構成的混亂網絡。《矛盾》採用現任美國總統唐納‧川普作為創作起點，質疑當今世界向民粹主義靠攏、對保守主義傾斜後將會朝何種命運發展。此作摹繪了川普修築美墨邊境圍牆後，一種生態崩坍的另類現實，影片儼如一種隱喻和拼貼，將科學事實、川普的名言以及對文學和神話的引用編織成一個完成論述。

圖文來源／Aesthetica Magazine

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 Aesthetica Art Prize ：詰問世界的五個藝術影片 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

德國藝術家Katharina Fritsch今年二月首度在洛杉磯Matthew Marks畫廊舉辦個人展覽，在那裡呈現她的三件最新雕塑作品。在畫廊中央，豎立一尊超過12英尺的《公雞與基座》（Hahn und Podest，2013/2019），那是亮藍色的公雞雕塑站在鮮綠色的圓型底座上。伴隨在旁的是同樣塗成亮藍色的雕塑品《兩個男人》（Zwei Männer，2019）。

Katharina Fritsch表示：「男人以女人為模特兒，所以我也以男人當作我的模特兒，他們是我創作的謬思。」

如同公雞雕像，《兩個男人》也以相當精細的工法雕塑，從他們的鞋子到手上拿的智慧型手機都很細緻 。 但人物為不知名人士，無法看出他們代表誰。而另一件作品《星星》（Stern，2020）安裝於畫廊的牆上，是全長八英尺的塗漆鋁材之作。

整體來看，這三座雕塑可看作一個整體，皆具有完美的表面，看似工業設計作品，但事實上，它們是藝術家在這五年間於工作室手工製作的。

沒有綠色底座的《公雞》曾在2013至2015年在倫敦的特拉法加廣場（Trafalgar Square）展出，而現在它被安置在美國華盛頓國家藝廊的屋頂。第二個戶外裝置版則放置在美國明尼蘇達州沃克藝術中心（Walker Art Center）的雕塑公園。

Katharina Fritsch（1956-）目前在德國杜塞道夫（Düsseldorf）生活與工作，她在同輩雕塑藝術家中，是數一數二的佼佼者。1995年曾代表德國參加威尼斯雙年展，其個人展覽橫越歐洲至美國，包括在舊金山現代美術館、倫敦泰特現代藝術館、蘇黎世美術館、芝加哥藝術博物館，以及紐約的Dia藝術中心。

圖文來源／Contemporary Art Daily

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 德國女藝術家Katharina Fritsch的公雞、男人與星星 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

粉紅風暴席捲全台，這讓我想起去年社群平台爆紅的「冰淇淋博物館」，它被譽為「紐約最夢幻景點」，特點是「可吃、可愛、可以和大家分享」，展場內有許多不同主題的房間，每個房間內都有色彩粉嫩的互動式造景。

轉個彎，便會發現意想不到的驚喜巧思，一次次賦予感官強烈衝擊，有種置身於糖果工廠的幻象，任一隅都是打卡聖地；讓我們透過攝影師 Maria Svarbova 的鏡頭，一探這座堪稱少女與粉紅控的神聖殿堂！

Museum of Ice Cream 是由熱愛冰淇淋與甜點的藝術家 Maryellis Bunn 與 Manish Vora 共同策展，發想來源是因為小小一支的冰淇淋，握在手裡沒多久就會融化，小時候總幻想著能夠擁有和自己一樣大的冰淇淋可以慢慢享用，原是將這股念頭轉成動力，或許有些天馬行空、像做白日夢一場，但沒想到最終的成果如此令人滿意。

倘若你曾欣賞過 Maria Svarbova 的攝影作品，一定不難發現她特別喜歡「糖衣般的色調」，這與 Museum of Ice Cream 有著異曲同工之妙，赫然之間，原是灰色調的場景、市容，像是施了魔法，變成得以釋放少女心的夢幻田地。

在 Maria 的作品中，總會出現幾位面無表情的模特兒，像是專屬於她的風格符號，亦是不可或缺的元素。還有幾點特色包含具有辨識度極高的鮮豔色調、人物的動作乾淨俐落以及整齊劃一的構圖，進而呈現超現實和未來之感。

倘佯在粉紅色的世界裡，容不下一點多慮、煩惱，大概就是這種感覺吧！那些窩在球池裡、待在巧克力房間、坐在溜滑梯上、玩著蹺蹺板，盡是童心未泯的大人們。

利用鏡頭和現實生活加以佐證，處在日常的空間內，肢體僵硬且不帶表情的模特兒，以表示人存在於社會中正在扮演反思者的角色。對比於冰淇淋博物館，只要你走入其中，就能輕易拾回初心、放下身段一同玩耍，感受冰淇淋的魅力：就是能輕易帶來樂趣與美好。

Museum of Ice Cream 透過互動的方式，讓人們愛上分享冰淇淋這件重要的小事。讓人拋開卡路里的束縛，趕緊搭上這台「粉色特快車」展開一場冰淇淋冒險吧！通過甜美的冰淇淋與糖果，人們分享對於甜食的共鳴，同時拉近彼此的距離。

文／Beryl

圖片來源／Behance
更多 Maria Svarbova：Facebook、Instagram

本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／攝影師 Maria Svarbova 以夢幻色彩，映照「甜、粉色、冰淇淋」三元素的少女博物館！

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 甜蜜粉紅風暴 攝影師Maria Svarbova眼裡的少女心冰淇淋殿堂 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

第十二屆台北雙年展因應國際疫情影響調整展期，暫訂於2020年11月21日至2021年3月14日在臺北市立美術館（北美館）舉行。首波參展名單，包含來自18國共39位／組創作者及團隊。本屆台北雙年展以「你我不住在同一星球上」（You and I don’t Live on the Same Planet）為題，由布魯諾．拉圖（Bruno Latour）與馬汀．圭納（Martin Guinard）共同策展、並由林怡華擔任公眾計畫策展人。策展團隊計劃將「政治協商的合縱連橫」（political and diplomatic tactics）導入當今充滿不同觀點的環境議題討論之中。

雋．巴爾達扎（June BALTHAZARD）、皮耶．保茲（Pierre PAUZE），《彌撒》，2020。（錄像截圖）錄像裝置、複合媒材，尺寸視空間而定。由愛馬仕委託創作，2020年4月作於瑞士貝爾。

拉圖與圭納表示：「如今看來生態議題的觀點分歧如此巨大，其間之歧見不僅存在於對世界的『願景』或『觀點』，甚至連對人們所談論星球的『物質特性』（material nature）都缺乏共識。生態體系持續企圖『將你我單一化 』 （unify us all），從而造成集體行動（collective action）。它阻礙了本應採取的政治行動，亦即一個能夠嚴肅看待腳下這片土地所乘載生態意涵的新政治。」

兩位策展人希望就此理念脈絡觸發「外交新碰撞」（new diplomatic encounters）。「『外交』（diplomacy）指的是碰到某個衝突情境的前後所採取的整套技能、程序和思考習慣。外交碰撞的特點在於，並沒有任一仲裁者、裁判或法官可以高坐衝突情境之上，決定在某個議題上誰對誰錯。正因為不存在這樣的裁奪者，外交談判才顯得必要。我們希望在展覽的虛構空間中製造大量的衝擊，模擬真實世界人類與非人類不同的需求，從而讓參觀者為未來的挑戰預作準備。』

伊山．貝哈達（Hicham BERRADA），《預言》，2017。燒杯、化學物質、影像轉播及投影，影片片長4分50秒。法國國立當代藝術工作室Le Fresnoy「科學之詩」展場影像，2017。影像由奧黑．布耶特拍攝，由藝術家與卡邁爾．門諾畫廊提供。

本屆台北雙年展先前已在2019年9月正式發布策展命題與概念，兩位策展人於命題發布期間抵臺進行研究考察，並在館方引介下與傅大為、王志弘、雷祥麟、郭文華等多位在地學者進行討論，積極展開橫跨政治學、社會學、地理學、海洋科學、以及相關人文歷史研究的對話，試圖為本屆雙年展累積多元有機的發展基礎。北美館館長林平表示，透過本次策展過程的跨域對話，及外交協商的獨特方法論，面對人類與非人類世界的差異需求，或可延伸成為不同學科領域參考採用的研究機制，將雙年展議題與論述的影響力擴延至展期與展間之外，為教學現場與社會公眾帶來解決問題的嶄新模式。

拉圖與圭納強調將展覽空間轉化為實踐場域；為了提供觀眾在其間攝取訊息、產出不同形式的知識，兩位策展人邀請林怡華加入策展對話、擔任公眾計畫策展人，借重其對於機構內外部及在地社群網絡的豐富經驗。本屆雙年展公眾計畫的一大亮點將是與臺灣科技與社會研究學會（Taiwan Science, Technology and Society (STS) Association）研究學者師生合作的「協商劇場」。該計畫首先將研究臺灣社會爭議中所牽涉到的各方利害關係者／物，並將此研究基礎帶入雙年展現場，再現各方所代表的爭議立場並進行協商。

武玉玲（Aruwai Kaumakan），《綻放在當下》，2018。影像由藝術家提供。

此次展覽將被假設為一座「天文館」，展出計畫將描摹各個星球之間相互拉扯的「萬有引力」。藝術家武玉玲（Aruwai Kaumakan）與其創作即是體現拉圖稱之為「實地星球」（terrestrial planet）特質的例子。武玉玲曾是一名珠寶設計師，在2008年風災重創家園之後，她決定將其創作擴大至可由社區群眾共同創作的規模，編織出韌性且具社會性的織品。這個深入土地的創作模式與藝術家安東尼奧．維佳．馬克提拉（Antonio Vega Macotela）作品中體現「全球化星球」（global planet）所展現的無疆界特質空間形成強烈對比。瑪寇帖拉創設了特殊的協作式工坊（Marisol Centeno Studio，瑪利索．繖帖諾工作室），並與在地工匠和駭客一起創作；在大尺幅壁毯的風景畫面中，隱藏運用跨境金流規避稅制的逃稅者資訊。策展團隊採取以星球為單位的策展結構和空間配置，持續發展本屆雙年展。

圖文提供／台北市立美術館

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 2020台北雙年展「你我不住在同一星球上」──在天文館發生的外交新碰撞 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

談及生於1665年的荷蘭藥劑師Albertus Seba，大家也許有幾分陌生，不過再依循兩道線索：動物學家暨收藏家，以及俄國沙皇彼得大帝，是否霎時茅塞頓開？沒錯，Albertus Seba正是18世紀中期前，荷蘭最大的珍奇櫃（cabinets of curiosities）藏家之一，1717年時，馳譽在外的他更出售了一只珍奇櫃給彼得大帝。

所謂cabinet of curiosities，中文裡有不少譯法，如珍奇櫃、好奇櫥櫃抑或好奇屋等，裡頭置放的，不外乎當時珍稀的動植物標本、寶石和工藝品等等。根據歷史記載，此物出現於16世紀，型態可為房間或櫃子，而最具盛名且鳳毛麟角的珍奇櫃多半為皇室或貴族所持有，至於歐洲商人階層與早期科學從業者的藏物，則為今日博物館的濫觴。

Albertus Seba 這位藥劑師對科學的貢獻，不僅是蒐羅珍稀的動植物，更在於詳實紀錄。Seba生前將歷時數十載囊集而來的物種，於1731年時委由畫家把各類生物栩栩如生給摹繪下來，嗣後進行彙編，再以精確插圖的畫冊形式出版，堪謂18世紀之時最讓人印象深刻的自然歷史綱領之一。前述珍貴圖像影響後輩深遠，尤其裡頭的分類學概念以及對自然歷史的鑽探，更啟蒙當今二名法系統奠定者，亦即生物學巨擘林奈（Carl Linnaeus）。

由 Taschen所發行，名為Albertus Seba Cabinet Of Natural Curiosities的新版圖鑑將近600頁，收錄了Seba於1731年時委託製作、採手工上色並出版成四本一套的精美手工書，如今世人得以在當代印刷下，再度品翫這本得來不易的科普圖輯。重新彙編之珍奇櫃書籍，將1731年四冊合一，並委由 Irmgard Müsch、Jes Rust以及Rainer Willmann進行撰寫，書頁間流露著高度科學情懷，手繪插圖藝術性也深富欣賞價值。

圖文來源／Colossal

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 Albertus Seba與珍奇櫃 ：新版印刷重現18世紀生物圖鑑 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

斯洛伐克攝影師Maria Svarbova最為人所熟知的，即是她的泳池系列──在水色湛藍、光潔冷斂畫面中，總有著面無表情、穿著鮮豔多彩泳衣的模特兒，使得完美追求黃金比例與水平對稱的畫面裡，透出一種詭譎平靜的超現實感，而這回，攝影師將模特兒帶到了食堂。

新曝光的《Dining Room》系列，延續了Svarbova社會主義時期廢棄建築物的關注喜好，在帶有大片水漬的天花板、油漆斑駁的牆面、單調不平整的磁磚、簡陋的打飯取餐台與餐桌組成的空間中，穿著帶有青春朝氣的亮色T恤與體操短褲、紅底白邊連身衣，並且綁起簡潔馬尾的女孩們，同樣眼神抽離，直挺挺排排站立或端坐著，女兵一般地拿好與背景相類的黃餐盤。

而縱使在不同地場景裡，我們仍舊能見到泳池系列的影子──就在那如水池一般、擁有強烈亮感、光可鑑影的地板上，也在那令人熟悉的冷藍調色，以及綁上編號的女孩們，併排舉起雙手宛如施做運動前的預備動作上。

在復古空間裡，Svarbova再度以高度的掌控力演示其獨特風格，帶來如夢般的超現實視覺饗宴。

圖片來源／Behance

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 等待盛飯的糖果色泳池少女：斯洛伐克攝影師Maria Svarbova的瀲灩食堂 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

1971年出生的韓裔藝術家Haegue Yang（梁慧圭），曾獲巴塞爾、巴洛斯等藝術奬，她也是2018年沃夫岡罕獎得主。2019年11月至今年4月在邁阿密The Bass美術館的個展「在不確定性圓錐中」（In the Cone of Uncertainty），展示了梁慧圭過去十年的精選之作。

作品包含百葉窗裝置、擬人雕塑、光雕，及有如壁畫的壁紙⋯⋯透過各時期的作品，強調藝術家對這個世界的好奇，她持續不懈的實驗，探討錯綜複雜的身份變遷，藉著物件具體化難以言喻的觀念。

現居首爾與柏林兩地的梁慧圭，擅長運用工業生產的現成材料、藉著數位操作與密集的手工技術創作。

她融合的複合物，經常攸關個人、歷史與現實，透過敘事形式交織成身歷其境的作品，以暖爐、風扇、鐘等媒材召喚聲音與氣流等表演性。

她創造的環境看似熟悉，卻在時間與地點上帶有陌生感。通過大量的符號與觀念意象，藝術家賦予物件不同的意義。

這個展覽呈現出當代人對於氣候變遷的焦慮、人口過剩與資源短缺，暗示著我們對於 不穩定的未來有著渴望與絕望。作品的語境通過當代思想，與跨歷史與哲學性思考中，呈現各種置換與遷移的另類語言。

圖文來源／ARTE FUSE
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 看韓裔藝術家梁慧圭「在不確定性圓錐中」雕刻時空 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

出生於1987年的土耳其視覺藝術家暨導演 Can Büyükberber ，十分擅長在物理和虛擬的數位空間創造沉浸式（immersive）視聽體驗，他的作品泰半是多重媒介組合，包括虛擬真實和擴增實境（augmented reality）、光雕投影、測地線穹頂（geodesic domes），以及大尺度顯示器和數位裝置。Büyükberber的創作有兩股驅動力：跨領域思考以及拓展藝術、設計和科學的好奇心，藝術主軸觀照了人類感知，並嘗試為非線性敘事、幾何秩序及協同性等形式另闢蹊徑。

多重宇宙／Multiverse

Büyükberber試著演繹一個迷人和抽象的宇宙，他經常採用高複雜結構去形塑多層次感官體驗，並讓概念性構想蛻變成實際體驗，碩大藝術裝置明滅閃爍，嬗遞的漩渦、放射、纏繞等視覺圖像，深深霑濡著參與者意識，而這些，都是運用沒有起始的遞歸／循環變化（recursive transformations）去勾畫和激發異世界氛圍。就《多重宇宙》（Multiverse）系列來看，它由多種無法定義、詭譎又邃賾的超凡物件所組成，難以具體摹寫或言說，卻是詩意的視覺冥想，先由類似DNA雙股螺旋鏈狀的型態進入到黑洞，同時還有錯綜複雜的多維度幾何網路，種種異物，在觀者腦海中持續變化著。

本體（Noumenon）是隸屬《多重宇宙》系列的作品，呈現沒有感覺與感知的靜物，在康德的學說中，未知的本體經常與未知事物本身有所連結。對數位藝術情有獨鍾的收藏家，目前已限量發行Noumenon 02以及Metafold 03，有意者可取得典藏。

多重宇宙／Multiverse戶外裝置

透過社群媒體分享作品，Büyükberber很快就受到外界矚目，旋即，他和企業Obscura Digital合作，從《多重宇宙》系列裡挑出動畫藝術作品，再將之轉化成華盛頓特區米高梅國家港周邊的一座60英呎高、永久性LED戶外裝置。該大型藝術作品為兩個十分鐘的幕景，Büyükberber設計了定點循環，並以大型的3D顯示器擘劃出磅礡壯麗的雕塑效果，同時也和一旁泳池水鏡，產生瀲灩清鑠的光影反射。

中介虛擬／Mediated Virtuality

Büyükberber拓展駐村在Autodesk Pier 9 Workshop時期的藝術創作《中介虛擬》（Mediated Virtuality），此互動性裝置整合了虛擬真實體驗和3D列印雕塑，運用視覺和實際觸摸到的物品，藉此模糊參與者置身環境的尺度感和存在感。《多重宇宙》在公共與私人空間以動力雕塑（kinetic sculptures）之姿，將催眠形式帶入不同展演。透過發展一套嶄新的視覺語言，Büyükberber進一步探索由想像這項材料所製成的生動幾何圖形，它既精確又混沌，古老卻又洋溢著未來感。

圖文來源／Can Büyükberber

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 詩意視覺冥想： Can Büyükberber 沉浸式裝置下的宇宙觀 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

色彩、太極和不停落下的雨，是《影》（Shadow, 2018）留在觀者意識裡最深刻的畫面。耗費16年的醞釀，張藝謀導演的電影作品《影》上映後，一口氣拿下金馬獎多項大獎的肯定，是繼《滿城盡帶黃金甲》後又一部史詩級的武俠鉅作。

張藝謀導演不同於過去使用鮮豔的配色，《影》以「水墨畫」作為美學基調，透過象徵陰陽的黑、白、灰，外加膚色與血色，加以詮釋故事表面看似平靜下的一觸即發！

《影》敘說古代替身的旨意，是一齣近似黑澤明導演《影武者》的故事。若你看過這部作品，可能會聯想至另一部張藝謀的電影《英雄》，雖然兩者畫面的氛圍相距甚遠，但仍能從中找到相似之處，那便是他對視覺體驗的重視。

張藝謀的電影影格，每個畫面都是一幀畫作。《影》創造出「水墨丹青」的中式古典美學，張藝謀表示：「水墨畫中的黑和白不代表單純的好壞，恰恰是借水的暈染，中間產生的一些層次和變化，是水墨畫的奧妙和韻味。這恰好是人性中間的部分，也是黑和白最複雜的部分，不是人性的黑，也不是白，是中間部分的灰色地帶，很難以形容的這些部分。」

在灰黑白籠罩的色調中，我們的視覺卻被電影畫面裡人的膚色、血液的顏色所吸引，不禁令人反思導演欲表達何種寓意？竟在後續的影像處理中，沒有將其顏色壓低，反而讓兩者的原色得以彰顯。

某種層面的解讀，膚色行於表色、血色流於內在，這些皆是出自於人為因子，表達出人物之間在混沌的二元世界裡，無論如何偽裝自己的別有居心，都無法掩飾真切的一面，因為人性，並不是「非黑即白」。

另項記憶的暫存，停留在下雨的場景。劇裡從頭到尾落下的雨，不僅承接著情節發展，為氣象戰鋪陳條件，更為此增添水墨畫的風韻，不光是表意層面的塑造，而是深化情緒的描摹意境；在看似簡單的時間軸裡，給人一種一層層剝開洋蔥般的體現，漸漸明白故事的肌理有著何種複雜之感。

將國師的電影，比擬為一場奇觀。張藝謀一步步將「色彩敘事」發揮至極，並以攝影構圖緊繫觀者共鳴，《影》中的黑白、水墨風格與朦朧感視覺呈現，皆賦予著濃郁的江南質感，畫面安排清楚交代人性與情感的脈絡；爾後，當我欣賞張藝謀的電影，總會留心於故事之外的藝術意境。

圖文來源／FLiPER
本文經 FLiPER 授權刊登
原文出處／重溫張藝謀的電影美學！《影》以陰陽色調與實驗性手法，構思權謀爭霸
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 張藝謀《影》：以陰陽色調手法隱喻權力爭霸 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

2020年索尼世界攝影獎 （2020 Sony World Photography Awards）即將進入尾聲，自今年2月起，主辦方已陸續公布國家獎（National Awards）及蔡司攝影獎（ZEISS Photography Award）得主，嗣後，本月15日再揭曉各類別獲獎者以及 入圍作品名單 。2020年獎項共劃分成建築、創意、文化、地景、動態、自然世界與野生動物、肖像、靜物、街頭攝影以及旅行十個類別，合計逾百位攝影者入圍。至於拔得頭籌的十位優勝者不僅能獲得最新的索尼數位影像設備，還將角逐年度最佳攝影師（Open Photographer of the Year）殊榮及5千美元獎金，而年度總冠軍由誰掄元，將於6月9日在世界攝影組織和索尼線上平台公布。

建築類：《情緒地理》

義大利攝影師 Rosaria Sabrina Pantano在《情緒地理》（Emotional Geography）作品中，鏡頭捕攝了藝術家Mauro Staccioli創作的金字塔造型雕塑《三八線》（38° Parallelo），圖像以黑白畫面詮釋，呈現該量體佇立之處，恰為落點在北緯38度線的地理位置。北緯38度線是二次世界大戰時期，美國與蘇聯於朝鮮半島上接受日本投降的臨時受降分界線，更是歷史上名聞遐邇的軍事分界線。

創意類：《結》

中國攝影師Suxing Zhang用鏡頭摹繪了年輕女子肖像，《結》（Knot）圖像用拼貼元素傳遞象徵意蘊，同樣採用黑白形式呈現，是創作者花卉系列中的一幀作品，而該系列中則將花作為女性氣質的隱喻。

文化類：《馬可福音第28行》

澳大利亞攝影師Antoine Veling 《馬可福音第28行》（Mark 5:28）記錄了傳奇歌手和觀眾的瞬間。2019年4月17日，龐克教父Iggy Pop在雪梨歌劇院舉辦演唱會，當時觀眾受邀至台上跳舞，畫面中描繪了Iggy Popp被一群樂迷包圍簇擁，鏡頭聚焦在這位巨星身上，有位女性伸手想觸摸他，而一名舞台助理則困窘慌亂地試圖阻止人群步步逼近。這堪比米開朗基羅畫作的場景讓人聯想到聖經一段經文：「我只摸他的衣裳，就必痊癒。」（馬可福音第五章25至34節，第28行）。

地景類：《冰景反射》

同樣來自澳洲的攝影師Craig McGowan，《冰景映射》（Ice Reflections）這個作品勾畫著坐落在東北格陵蘭國家公園峽壁旁的冰山，畫面雖如彩墨攪動暈染，但純白冰山卻彷彿獨存於這異世界，透著一股巨物巑岏孤立的氛圍。冰山和周邊地景是如此完美地倒映在清澈的溪流水面，並由此產生繪畫般的抽象景致，美景天成。

動態類：《坍塌》

英國攝影師Alec Connah捕捉高塔霎時崩毀的作品《坍塌》（Going Down!），有種現代天啟的意味，它紀錄了位在英國什羅普郡的鐵橋鎮電力站，四座冷卻塔經多年運轉使用後，終於在2019年12月6日進行拆毀作業，雖是靜態影像，卻洋溢著張力十足的動感。

自然世界與野生動物類：《太極圖》

中國攝影師Guofei Li的《太極圖》（Tai Chi Diagram）攝於非洲波札那（Botswana），照片捉住了兩隻獵豹在一場成功的狩獵行動後，相互舔舐彼此的瞬間，最奧妙地，牠們的姿勢在此景框中剛好結合成一個類似太極的陰陽符號。

肖像類：《布萊克·弗朗西斯》

英國攝影師Tom Oldham為本名Charles Thompson的小妖精樂團（Pixies）主唱，留下了極為率真的個人肖像作品《布萊克·弗朗西斯》（Black Francis）。照片原是為MOJO雜誌企畫所拍，過程中，身為經驗豐富的人像攝影師，他很快就痛苦地意識到，模特兒早已做過無數次的主題拍攝，於是他靈機一動，要求Black Francis在過程中去承認他的挫折和無奈感。畫面裡這位主唱用雙手頹然地揉著臉，完美姿勢，毫無異議成了當期文章主圖。

靜物類：《塑膠海洋》

阿根廷攝影師Jorge Reynal作品《塑膠海洋》（A Plastic Ocean）呈現了一種壓迫的掙扎，一條窒息在塑膠袋內的死魚，似欲呼吸卻僅能等待喪鐘敲響，攝影師透過這種構圖，旨在儆惕世人，必須審慎以待對海洋有高度衝擊性的塑膠汙染危機。

街頭攝影：《哥倫比亞抗爭》

哥倫比亞攝影師Santiago Mesa 作品《哥倫比亞抗爭》（Colombia Resiste），紀錄哥倫比亞第二大城麥德林的一位抗議者，圖像中，工人和攤販正參與遊行活動，而麥德林鎮暴警察則試圖驅散抗議者。這場示威遊行是近年拉丁美洲遍地開花的抗議活動之一，人民走向街頭，對持續惡化的通膨現象、社會不平等以及缺乏就業機會放聲吶喊。

旅遊類：《搭乘撒哈拉貨車》

澳洲攝影師Adrian Guerin的《搭乘撒哈拉貨車》（Riding a Saharan Freight Train），從茅利塔尼亞（Mauritania）鐵道貨運車後方來呈現拍攝視角。這列火車將展開700公里遠的長途跋涉，從沿海城鎮努瓦迪布灣，朝撒哈拉大沙漠的祖埃拉特這處荒野前進。該車廂綿延2.5公里長，不僅是世上最長的火車之一，還可載運超過200個裝滿岩石的車廂。

圖文提供／ World Photography Organisation

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 2020年索尼世界攝影獎 ：十件首獎作品的光影敘事 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

在毫無預警之下，全世界的博物館、畫廊在剎那間都需要先在網站、社群中展出數位典藏品替代實體展覽，以此作為COVID-19疫情下的應變之道。但在面對公共場所暫時關閉的窘境下，要怎麼在線上重新拉近大眾與藝術創作的距離？是這段期間所有博物館、美術館的考驗。

若在沒有作品說明版的情況下，要如何對觀者說明作品要傳達的訊息？陸續有許多藝文機構推出因應這些問題的解方。例如大都會藝術館，在此期間的社祥互動，即鼓勵大家扮裝成藝術品的模樣，並在線上發表個人的創意變裝秀。

而紐約現代藝術博物館（MoMA）則在線上啟動一個月的「Virtual Views」（虛擬視象）系列活動。四月即可在MoMA的網站上看到「Judd」—美國極簡主義藝術家，唐納德賈德（Donald Judd）的線上回顧展。

還有「Dorothea Lange: Words & Pictures」系列，呈現美國最具代表性攝影師的亮點。然而，另一個摘自MoMA 2019年的展覽「私生活在公共空間」（Private Lives Public Spaces），這次則在線上成為虛擬家庭錄像展「Virtual Views: Home Movies」，它與上述的展覽相互呼應。

由MoMA存檔的數百部數位家庭錄影帶，出自廣大的業餘拍片者，其中一部是作曲家Aaron Copland於1938年冬季的錄影，那段搖晃鏡頭是在曼哈頓中城攝製，影片長度只有大約四分鐘。然另一段出自Jarret家族的影片則長達近三小時，拍攝了一系列不同的時刻：喧騰的家族聚會、軍機飛越湛藍的天空、女子在城市的街上偷了香煙⋯⋯

或許最棒的一段家庭錄像是1944-45年拍攝的「6th Avenue—Subway—Post」，這部影片的拍攝者是Charles Turner，他的影片是一群嘻笑的人正在搶他的相機。展出這些檔案影片的同時，MoMA也鼓勵所有觀眾在家製作自己的家庭錄影片。

文／Helen Holmes
圖文來源／OBSERVER
買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 影像中的美麗與哀愁：紐約MoMA博物館線上推薦 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。

城市美學新態度

伊朗藝術家 Salman Khoshroo 最為人熟知的作品，正是面無表情的人像雕塑，其最新系列《白上白／白底白漆》（White on White）來看，藝術家以調色刀／油畫刀（palette knife）為器，將純白油彩逐漸塑型，使之成為一幀又一幀沉靜的人類肖像。容顏之上沒有悲欣、沒有瞋恚、沒有衿愍，這種創作形式儼如將情緒封藏，困在他們模糊的外觀後。

身為伊朗人的Khoshroo在紐約長大，隨後負笈澳洲國立大學（Australian National University）並取得數位藝術學位。近年他歸返故鄉居住，同時建立了自己的工作室Tehran，以創造能引動情緒張力的抽象人物為主體。

藝術家Willem de Kooning曾說過一句名言：「肉體是創造油畫的起源。」對Kooning來說，肉體主要指涉了皮膚，但對Khoshroo而言，則是一路切向了骨骼，「也許這是雕塑心態的一種本質，我將油彩塑形和鋪排，但並非栩栩如生去摹仿，卻朝著再現邊緣移動。」Khoshroo創作動機在於，油彩是種具備肉體潛能的物質，運用幾道筆刷就能塑形，使之變成可辨識和生動的東西。

《白上白》系列運用單一顏料創作，肖像臉孔以層層薄漆疊成再佐以大膽筆觸，最後賦形的畫面就是張抽象人類面孔。事實上這些肖像畫並無典型的身體特徵，但灌注在畫中的情緒卻濃烈並洋溢著奔放感受。Khoshroo言及創作概念指出，「創作中移動著油彩讓人臉成形，找尋讓你感受到某種東西的人，甚至不認識的人。」

這個系列肖像，沒特徵可定義，反而旨在捕捉最少人為干預和操作下的藝術火花。抽象畫面讓人想起印象派（Impressionist）時期的創作，藝術家拋下了對精緻細節的寫實勾繪，轉而攫捕一種生活裡的瞬間感官效果。Khoshroo《白上白》很類似印象派，他運用疏略鬆散的筆觸，並採用全白或單一顏色的油彩創作，這種詮釋顯得張力十足。

細細品翫他稍早前的作品《肉體潛能和單色肖像》（Flesh Potential or Monotone Portraits），能體受紅、藍、白等飽和油彩運用在臉孔的力量，Khoshroo捨棄線性透視圖勾勒清晰輪廓，而是展現半成品般的外觀。其最新創作《泡沫肖像上的羊毛》（Wool On Foam Portraits）採類似的曖昧構圖，同樣引人入勝，對Khoshroo來說，他潛心於創造的那一霎時，不受真實以及物質準確性的細節限制。

圖文提供／Yellowtrace

買藝術、玩設計、聽課程，成為＜瘋設計會員＞，美學素養立刻Level Up!

這篇文章 疏略筆刷疊純彩： Salman Khoshroou 《白上白》肖像畫 最早出現於 城市美學新態度kaiak.tw。